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Author: adminH

 

 

 

TALLER
Fabulous failures
Erik Kessels

 

Vivimos en una era en donde la mayoría de nuestras herramientas que usamos estan muy cerca de la perfección. Nuestras computadoras, celulares, aplicaciones y sistemas de navegación no cometen errores. La perfección no es en realidad el mejor punto de partida para crear nuevas ideas, por lo que algunas veces ir hacia el error y desde ahí crear nuevas ideas es en realidad, algo bueno. La sociedad nos ha enseñado a evitar los errores, pero para la gente creativa e innovadores, los errores son esenciales.

Erik Kessels hablará acerca de su libro: Failed it! y de cómo los errores lo inspiran y trabaja desde ellos. En un taller fotográfico forzará a los participantes a fallar y crear errores.

Fracasar es importante.

Si no estas listo para humillarte a ti mismo, cometer errores y estar completamente jodido, deberías considerar trabajar en una oficina, es seguro ahí.

Porque como creativo, al menos deberían llamarte idiota una vez al día.

Eso esta bien.
Cometer errores y fracasar es una manera de progresar. Sin eso, estarás estancado en la misma vieja zona de comfort.

En otras palabras: aburrido.

Entonces si queremos hacer eso que tanto amamos, hacer cosas, necesitamos deshacernos de nuestra necesidad de no fallar.

 

 


 

Erik Kessels | (Países Bajos). Es un artista, diseñador y cirador de los Países Bajos, y desde 1996 es Colaborador Creativo de la agencia de comunicación internacional KesselsKramer. Como artista y curador de fotografía, Kessels ha publicado más de 60 libros de sus imágenes “re-apropiadas”, es editor de la revista Useful Photography y ha escrito el bestseller internacional Failed It!

Realizó un DVD para el proyecto Loud & Clear, colaborando con artistas como Marlene Dumas, Ryuichi Sakamoto y Candice Breitz. Ha impartido clases en numerosas universidades, incluyendo la Gerrit Rietveld Academy en Amsterdam, la ECAL en Lausanne y en la Academia de Arquitectura en Amsterdam, donde ha curado una exposición dedicada a fotografía amateur. Fue co-curador de la exposición ‘From Here On’ con Martin Parr, Joachim Schmid, Clément Chéroux y Joan Fontcuberta, que se presentó en Rencontres in Arles.

Como artista Kessels ha realizado exposiciones como Loving Your Pictures, Mother Nature, 24HRS in Photos, Album Beauty, Unfinished Father y GroupShow.

En 2010 Kessles recibió el Premio de las Artes de Amsterdam, in 2016 fue nominado para Deutsche Börse Photography Prize. En 2017 se mostró una retrospectiva de su trabajo en Turin, Düsseldorf y en el MOMA.

 

 

 

 

TALLER
El fotolibro como objeto
Yumi Goto

 

En el proceso de hacer visible la historia en un fotolibro, es necesario encontrar una técnica para investigar y ganar un conocimiento más profundo. Cuando se concentra en el trabajo, el autor tiene la oportunidad de experimentar los sorprendentes y únicos descubrimientos que solamente surgen durante el proceso mismo de trabajo. Al dejarse atraer por ideas estereotipadas, uno puede descubrir un método nuevo que es realmente más adecuado para el proyecto, que vaya mucho más allá que formas ortodoxas de edición, tal como seleccionar y componer con las fotos.
La edición de maquetas de fotolibros es ahora posible mediante herramientas digitales, pero nosotros buscamos producir las maquetas de forma que se des pliegue la relación física con el objeto y sus texturas. Un momento especial es aquel en el que te das cuenta entre la diferencia ver un objeto plano a cómo se siente cuando tienes el libro en tus manos. Este trabajo de “edición física” puede alcanzar una actitud de “crear sentido mediante el detalle”, a través de la selección de numerosos tipos de papel y métodos de impresión, pero uno puede también controlar e influenciar la selección del tamaño, peso, olor y estructura del libro. A través de una serie de ensayo y error, uno puede encontrar el libro que realmente desea hacer. Consideramos que esta es la única manera de crear un “libro que valga la pena y valioso”. No hay un paso correcto o una respuesta certera en el proceso, y cada proyecto existen ciertas razones y cualidades únicos para cada trabajo.

 


 

Yumi Goto | (Japón) es una curadora, editora, investigadora y editora de fotografía enfocada en el desarrollo de intercambios culturales que trascienden fronteras. Colabora con artistas locales e internacionales que trabajan en áreas afectadas por conflictos, desastres naturales, problemas sociales actuales, abusos de derechos humanos y temas sobre la mujer. Ha trabajado en algunos de los fotolibros más interesantes que se han publicado en los últimos años, desarrollados en su taller y posteriormente retomados por grandes sellos editoriales, como es el caso de Silent Histories de Kazuma Obara, publicado por RM. Además participa como nominadora y jurado de organizaciones internacionales de fotografía, festivales y eventos. Ahora está basada en Tokyo y también es co – fundadora de Reminders Photography Stronghold. Participó en Incubadora de Fotolibros 2017.

 

Diseñador, editor, curador, coleccionista de fotografía, director de arte y creador, Erik Kessels (Países Bajos) se caracteriza por proyectos en constante transformación, donde el sentido del humor, el tratamiento disruptivo y original de la imagen juegan un papel clave para lanzar preguntas al espectador y cuestionar su visión del medio y del mundo. Sus proyectos parecen siempre dar una vuelta de tuerca más, que desde una mirada curiosa y franca, llevan a una reflexión mucho más profunda sobre el medio de la fotografía, la publicidad y el arte en general.

 

24 hours In Photos, Erik Kessels

ERIK KESSELS – EL AUTOR

 

“24hrs In Photos” – Las imágenes que nos invaden

 

“La gente consume fotografías”, dice Erik Kessels, “ya no las miran”. “Durante mucho tiempo me interesó mucho ver qué sucede con la enorme cantidad de fotos que producimos todos los días. La gente ve más imágenes antes del almuerzo de lo que alguien en el siglo XVIII veía en toda su vida “.

Kessels enfrentó este diluvio de contenido visual en 2011 con la exposición ahora icónica, 24 Hours in Photos. Descargó todas las imágenes subidas a Flickr durante un período de 24 horas, que ascendió a casi un millón, las imprimió y las “arrojó a un espacio de museo”. Mirando hacia atrás, cree que el espectáculo fue “una instalación bastante grandilocuente”, mientras que también fue “muy intimidante, mostrando que las líneas estaban borrosas entre lo público y lo privado”.

Hay una sensación de desperdicio y una desorganización enloquecedora para todo esto, que aparentemente son intencionales. Según Creative Review, Kessels dijo de su propio proyecto: “Estamos expuestos a una sobrecarga de imágenes en la actualidad”, dice Kessels. “Este exceso es, en gran parte, el resultado de los sitios para compartir imágenes como Flickr, sitios de redes como Facebook y motores de búsqueda basados ​​en imágenes. Su contenido se mezcla con el público y el privado, con un aspecto muy personal que se muestra abiertamente e inconscientemente. Al imprimir todas las imágenes subidas en un período de 24 horas, visualizo la sensación de ahogarme en representaciones de experiencias de otras personas “.

El trabajo de Kessels, humilde y ciertamente estimulante, desafía la idea de que todo puede y debe ser compartido, lo que se ha convertido en algo fundamental para la web moderna. Por otra parte, tal vez sea un desperdicio y abrumador cuando se imprimen todas las fotos y se las divorcia de su contexto original.

La instalación fue de su época, pre-Instagram y SnapChat, y marcó el inicio de un cambio cultural. “En 2017, en cierto modo sigue siendo el mismo, no ha cambiado. Quiero decir, es solo que hay más y más fotografías “, dice Kessels. “Habría más y más fotografías en esa instalación. Pero seguimos viviendo en ese mismo período de tiempo “.

Los variados experimentos de Kessels con las posibilidades narrativas de curación y apropiación continúan impulsando el lenguaje vernáculo del medio. En el centro de todo su trabajo está la responsabilidad que le otorga al consumidor, desafiándonos a considerar cómo vemos y contribuimos a los medios de comunicación visual. “Todos los días tenemos que tomar decisiones, de lo contrario explotamos casi porque entonces la información es demasiado para nosotros”, dice. “Muchos de los curadores reales pueden aprender de estos millones de curadores aficionados debido a qué tipo de opciones se están tomando. Y qué tipo de errores ”.

 24 Hours in Photos se ha mostrado en FOAM, en Les Rencontres d’Arles y en Pier 24 en San Francisco, entre muchos otros lugares.

 

 One Image, Erik Kessels

La profundidad de una imagen

 

Exposición “One Image”

 

“A medida que nos acercamos a la asfixia con la sobrecarga de contenido, es lógico pensar que una imagen única y aislada hace que uno se quede quieto.”

One Image, exposición realizada por Erik Kessels en 2016, es una pieza de resistencia, de una sola fotografía: una imagen borrosa, aparentemente intrascendente, de una niña sentada en una silla. “Esto es un experimento”, comenta Kessels a la revista TIME. “Tal vez es interesante hacer una pausa en una imagen en lugar de mirar 100 imágenes. Tal vez logres generar apego a esta imagen totalmente aleatoria y te veas obligado a investigar el significado detrás de ella. Y así, la imagen se enriquece “.

Para el espectador ocasional, la fotografía es aleatoria, pero la historia de fondo es personal y trágica; la niña es la hermana de Kessels que murió, a los nueve años, después de ser atropellada por un automóvil. Esta fue la última imagen que se tomó de ella; la niña está congelada en el tiempo, nunca conocerá la edad adulta. Antes de su muerte, la imagen carecía de importancia; tomada por el personal de un parque de vacaciones.

Pero la idea de que una imagen puede tener muchas vidas más allá de su propósito original es particularmente conmovedora aquí. Para los padres de Kessels, encontrar la imagen final de su hija fue un proceso catártico, al igual que su reapropiación. La recortaron y la convirtieron a blanco y negro, “para hacerla más icónica, menos realista”, dice. “Se re-apropiaron de la imagen incluso antes de que yo supiera el significado de la palabra”, agrega Kessels, quien después se construyó una carrera a partir de la re-apropiación de fotografías.

 

One Image, Erik Kessels

 

Kessels trabaja instintivamente, con cientos, a veces miles de imágenes todos los días. Kessels argumentaría que todos los que ingieren noticias en la escala que se escupen en línea, son curadores profesionales, aquello que evita que se ahogue en un mar de textos e imágenes. Kessels visualizó esta capa de contenido con su instalación 24hrs In Photos. En esa exhibición de 2011, los visitantes pudieron recorrer, tocar y examinar las fotografías, las cuales se juntaban y parecían sin sentido. Pero al aislar una sola fotografía, como en One Image, su valor se ilumina.

El desafío de investigar más a fondo la imagen es una característica del trabajo de Kessels, al igual que la forma disruptiva en que se presenta. La foto aparece en un espacio de la galería en Wroclaw, Polonia, pero también, sin explicación alguna, en carteles, andamios y carteles en las calles de la ciudad y en espacios publicitarios de periódicos. “Es agradable apropiarse de un espacio que la gente normalmente asociaría con los anuncios”, dice Kessels. “También fue una prueba para ver qué tipo de discusión surgía cuando la ciudad estuviera bastante llena con esta imagen”.

 

One Image, Erik Kessels

 

La experiencia de 25 años de Kessels en diseño y publicidad lo ha hecho “muy resistente a trabajos mediocres o imágenes estereotipadas”. En un ámbito comercial, esto lo ha llevado a producir anuncios de Diesel con modelos en “off-mode” , con un ojo cerrado, dándole una diferente autenticidad a un estribillo por lo demás trillado. En sus proyectos personales, esto significa a menudo gravitar hacia lo imperfecto y lo accidental.

“Una persona creativa debe comenzar con lo imperfecto, que es donde se pueden encontrar nuevas ideas”, dice. Es con ese espíritu de experimentación que Kessels se acercó a One Image, y le dio a esta fotografía imperfecta y amateur de su hermana pequeña una nueva vida, más de 30 años después.

 

 

Jump Trump, Erik Kessels & Thomas Mailander

Jump Trump – El humor y la crítica política

 

¿Quién no saltará sobre la cara del presidente omnipotente que separa a los niños migrantes de sus padres y los pone en una jaula?

Erik Kessels y Thomas Mailaender (Francia), dos artistas que trabajan con la reapropiación de imágenes, ofrecieron la oportunidad catártica de vengarse del hombre más influyente de la Tierra, aunque solo sea por unos pocos  efímeros segundos. Saltando de un trampolín a una estera que lleva un retrato gigante de Donald Trump, el espectador se convierte en parte de una instalación interactiva irreverente. Kessels y Mailaender están acostumbrados a trabajar con un sentido del absurdo, y han creado una atmósfera de diversión y crítica política que es simplemente irresistible.

Este trabajo original apunta a confirmar la idea de que hoy ya no es necesario tener una cámara para ser fotógrafo. En este caso, el mensaje conceptual se eleva por encima de la mera creación fotográfica y los visitantes incluso tienen la oportunidad de producir sus propias imágenes artísticas en un estudio muy poco ortodoxo.

Jump Trump fue presentado en el festival UNSEEN, Amsterdam 2017 y en Getxophoto 2018.

 

My feet, Erik Kessels

KESSELSKRAMER – una plataforma hacia la sociedad

 

En 1995 Erik Kessels funda junto con Tobias Kramer la agencia de comunicación KesselsKramer. Ubicada en una alucinante antigua iglesia gótica en Amsterdam, esta agencia se ha extendido a tener sedes también en Londres y Loa Ángeles, y cuenta con más de 50 participantes de todo el mundo. La diversidad de actividades de KesselsKramer va de campañas publicitarias extremadamente originales y provocativas, exposiciones y la publicación de libros.

 

 

KesselsKramer es conocida por un marketing innovador y de estilo guerrillero casi al borde de convertirse en antipublicidad: la campaña del hotel económico Hans Brinker, por ejemplo, hace que el hotel se promocione a sí mismo con lemas divertidos como “¡Ahora, aún más mierda en la entrada principal!” una gran cantidad de visitantes. Incluso el sitio web de la agencia no se mezcla con las tendencias de la publicidad y cuestiona las reglas de visibilidad dadas, por lo que intercepta los gustos alternativos de una generación más joven que creció con la publicidad y es plenamente consciente de sus mecanismos.

“Hacemos contenido humano y arriesgado. Una comunicación relevante pero irreverente que ayuda a nuestros clientes a impulsar negocios, construir comunidades leales y cambiar la forma de pensar”.

“En cierto modo, odio la publicidad, tal vez tanto como tú “, dice Erik Kessels, repitiendo una línea que casi se ha convertido en su eslogan. “Pero eso me impulsa a tratar de ir desde una dirección diferente. Todo es tan estereotipado: las ideas, las categorías, todas usan las mismas metáforas. Así que es muy fácil tomar una dirección diferente. Y la gente dice que es creativo, pero es un truco bastante simple.

La agencia también produjo una película premiada internacionalmente, ‘The Other Final’, que contó la historia de un partido de fútbol entre los equipos con la clasificación más baja del mundo que tuvo lugar el mismo día que la final de la Copa Mundial 2002.Nike, Levi’s, Diageo y desarrollaron las marcas citizen, Ben NL y Bol.com. Entre los clientes actuales se encuentran el Museo de Ciencias NEMO, Van Lanschot y el Festival Internacional de Cine Documental de Amsterdam.

 

The many lives of Erik Kessels

KESSELSKRAMMER – El proyecto editorial

 

En el campo del fotolibro KesselsKramer publica regularmente libros en varias colecciones que construyen un mosaico de diferentes miradas sobre el medio fotográfico a través de fotografías de diversos orígenes, como álbumes, pequeñas historias de fotógrafos amateur, narrativas inusuales que nos hablan de la fotografía y su vínculo con la identidad contemporánea.

El departamento de publicaciones de KesselsKramer produce libros sobre fotografía, arte y algo de ficción. Los creadores de estos libros son miembros del personal de KesselsKramer. Cada libro o revista expresa sus pasiones personales, ya sea una colección de fotografías encontradas, cuentos o una celebración de obras de arte inusuales.

 

The many lives from Erik Kessels

 

Su primer libro retrospectivo, The Many Lives of Erik Kessels, aborda sus 20 años de carrera en la que ha experimentado y desafiado el mundo visual que lo rodea con un ojo poco convencional e inconfundible. Su interés artístico radica en la imperfección y ha forjado una carrera celebrando el feliz accidente. “Estamos rodeados de imágenes de perfección e imágenes inventadas que están totalmente cerradas y que ya no se pueden abrir para que nadie fantasee”, Kessels le dice a TIME. “Así que en mi trabajo siempre trato de hacer una pequeña diferencia en eso”.

 

De niño pintó vorazmente, de adolescente soñaba con los adornos para las ventanas (el trabajo más creativo que se ofrece en su pequeño pueblo) y como un hombre adulto ha creado un imperio creativo que combina ingeniosamente lo comercial y lo abstracto. Kessels señala el comienzo de su educación visual con una tragedia personal. “Desde muy temprana edad, creo que a los once, me enfrenté a la mortalidad de una imagen y cómo las imágenes pueden sobrevivir y cuán importantes son”, dice. “Desde esa edad, mis padres buscaron en los álbumes familiares de mi hermana que [murió en un accidente automovilístico] y encontraron una imagen que se volvió muy importante para ellos”.

 

 

In almost every picture

 

Las fotos familiares de otras personas han demostrado ser una rica fuente para Kessels, algo que dice que comenzó “casi como una terapia”. Uno de sus proyectos más populares, In Almost Every Picture, comenzó en 2000 y ahora es su decimocuarto volumen.

Cada serie se centra en una obsesión fotográfica inusual por un aficionado; desde una pareja de Florida que comparte la pasión por la “aventura de la diversión húmeda” hasta los incansables intentos de una familia por fotografiar a su perro negro sin que parezca una mancha amorfa. “Todos los libros contienen historias o fotografías de aficionados muy personales que a menudo aún no se cuentan”, dice. “O bien están ocultos muy profundamente en algún lugar de Internet o están ocultos en un álbum familiar. Para mí es casi como un arqueólogo cavar en ellos e investigarlos y tratar de encontrar la historia o tratar de imaginar la historia “.

In Almost Every Picture, es una mirada a la fotografía desde la belleza vernácula de su creación y uso. Las intenciones de su manifestación pueden evolucionar y cambiar en el transcurso del tiempo. Los significados intrínsecos de las imágenes también pueden crecer y volverse más potentes a medida que cambia su contexto.

La fotografía se ha convertido en una parte integral de nuestras vidas y cuenta las interminables historias humanas que ocurren a nuestro alrededor, a menudo sin que lo sepamos, y marca las impresiones y experiencias que compartimos en casi todas las imágenes. “Cada libro siempre contiene series de fotografías hechas por aficionados: las encuentro en línea o en mercados de pulgas y luego las convierto en un libro porque de cierta manera las saco de su contexto original y luego las pongo en un nuevo contexto, dándoles otra dimensión.”

LA IMAGEN Y LA SOCIEDAD – La vida útil de una imagen

 

Revista “Useful Photography”

 

La otra fascinación persistente de Kessels es la vida útil de una imagen y la importancia que le otorga el espectador. “El significado de una imagen ha cambiado totalmente”, dice. “Está ahí solo para compartir, tiene un ciclo de vida muy corto. La gente ya no guarda las imágenes. Simplemente los usan y los vuelven a tirar. Así que es un mecanismo totalmente diferente ”. Esta llamada era del“ renacimiento fotográfico ”es un estado temporal del ser, dictado por la disposición de la sociedad a inclinarse ante los Dioses de Internet. Pero Kessels tiene esperanzas. “Es gracioso que hace unos años la gente pensaba que en un momento dado ya nadie visitaría el cine”, dice. “Pero en este momento, hay más visitantes en los cines que nunca. La gente todavía quiere estar físicamente juntos “.

Un artículo en The Guardian comenta: “En su revista, Useful Photography, Kessels renuncia al arte y al documental por imágenes que son puramente funcionales. … El humor es la corriente principal, unificadora, que reúne la serie de álbumes de fotos de KesselsKramer.

 

Useful Photography #11

 

Por ejemplo, la undécima edición parte de ¿Qué miran los estadounidenses cuando disparan? Erik Kessels apunta a la obsesión de Estados Unidos con las armas de fuego al recopilar las imágenes reales encontradas en los objetivos de tiro de todo el país. La revista muestra la sorprendente variedad de objetivos de tiro disponibles.

“Esta historia construida a partir de objetivos humanos en forma de foto se ha recopilado de campos de tiro que dispersan a los Estados Unidos de América en sus decenas de miles. La serie abarca los tiempos recientes y las décadas pasadas, y describe el estado cambiante de una nación, uno cada vez más retenido por el crimen de armas pero aparentemente impotente para cambiar la forma en que se ven y usan las armas de fuego.Con la segunda enmienda que establece el derecho a tener y portar armas, hasta 55 millones de hogares se lo toman en serio al tener al menos un arma de fuego en su poder.La práctica de tiro en los Estados Unidos y esta colección toma muchas formas. De los intrusos enmascarados a los invasores terroristas; desde situaciones de rehenes hasta objetivos de anatomía; desde Osama Bin Laden blandiendo un rifle hasta agentes de la ley blandiendo una insignia; desde bombarderos hasta rottweilers. Encuentra tu favorito para obligarte a disparar y pensar. 

A lo largo de la serie, Usefull Photography # 11 hace la pregunta: en esta era de delitos con armas de alto impacto, ¿los participantes buscan protección o aceleran la violencia?”.

Erik Kessels

Useful Photography #4

 

Editado por Hans Aarsman, Claudie de Cleen, Julian Germain, Erik Kessels, Hans van der Meer, Useful Photography #4 se compone de carteles de terroristas suicidas palestinos antes de su misión se colocan después de que se cumpla su misión.

Documentación de los carteles, reimpresa en formato A3 en papel mate. Doblado por la mitad y encuadernado por el algodón, forma el contenido completo de esta ‘docartzine’. El pliegue central impreso en papel blanco hace referencia y traduce cada cartel.

 

One Image, Erik Kessels

 


Erik Kessels (Países Bajos). Es un artista, diseñador y cirador de los Países Bajos, y desde 1996 es Colaborador Creativo de la agencia de comunicación internacional KesselsKramer. Como artista y curador de fotografía, Kessels ha publicado más de 60 libros de sus imágenes “re-apropiadas”, es editor de la revista Useful Photography y ha escrito el bestseller internacional Failed It!

Realizó un DVD para el proyecto Loud & Clear, colaborando con artistas como Marlene Dumas, Ryuichi Sakamoto y Candice Breitz. Ha impartido clases en numerosas universidades, incluyendo la Gerrit Rietveld Academy en Amsterdam, la ECAL en Lausanne y en la Academia de Arquitectura en Amsterdam, donde ha curado una exposición dedicada a fotografía amateur. Fue co-curador de la exposición ‘From Here On’ con Martin Parr, Joachim Schmid, Clément Chéroux y Joan Fontcuberta, que se presentó en Rencontres in Arles.

Como artista Kessels ha realizado exposiciones como Loving Your PicturesMother Nature, 24HRS in Photos, Album Beauty, Unfinished Father y GroupShow.

En 2010 Kessles recibió el Premio de las Artes de Amsterdam, in 2016 fue nominado para Deutsche Börse Photography Prize. En 2017 se mostró una retrospectiva de su trabajo en Turin, Düsseldorf y en el MOMA.

 

LA SEDE DE KESSELSKRAMER EN AMSTERDAM

 

 

Conoce más sobre Erik Kessels en:

 

 

 

 

 

 

Koral Carballo

 


( Veracruz, México en 1987) Explora recurrentemente nuevas narrativas visuales relacionadas con la identidad, violencia y el territorio, además de expandir las fronteras de la fotografía desde el periodismo, las artes visuales y lo documental. Entre sus reconocimientos se encuentran: ganadora del premio Moving Walls 25 Open Society Foundation 2018, primer lugar en la revisión de portafolio del Coloquio Latinoamericano de Fotografía organizado por el Foto Museo Cuatro Caminos en México en el 2017, seleccionada en la Bienal del Centro de la Imagen en México 2018, nominada para participar en el Joop Swart Masterclass World Press Photo en los años 2016 –  2018 y ganadora de la beca FONCA Jóvenes Creadores 2015 – 2016  / 2018-2019.

 

 

 

 

 

Lila Avilés

 


Es una actriz y directora mexicana, nacida en 1982, en la Ciudad de México. Estudió la carrera de artes escenicas en Casazul, donde tuvo como maestros a actores como José Caballero y Ximena Escalante. A la par, Lila estudió guion cinematográfico con Beatriz Novaro y dirección de escena con Martín Acosta. Supo que quería ser directora desde pequeña, pues le gustaba armar historias con las fotografías que le mostraba su tía “Cuqiuta” sobre los embarcos de sus abuelos marineros. Aunque su primera opción fue estudiar actuación, poco a poco, la dirección fue atrapándola, pues asegura que odiaba estar en las campers esperando el siguiente llamado, en su lugar, prefería estar con la producción, con los escenógrafos o con los directores. Pronto se encontraba dirigiendo obras de teatro que ella misma escribía y no pasó mucho tiempo antes de que diera el salto a la pantalla grande con La camarista (2018), un largometraje que narra la rutinaria vida de una mujer que hace la limpieza en un hotel ubicado en una de las zonas más exclusivas de la Ciudad de México. La cinta se filmó en 17 días, un tiempo récord para cualquier producción. Como actriz ha participado en distintos proyectos, entre los que destacan las series El Pantera (2006), Prófugas del destino (2010), Drenaje profundo (2010), así como en las películas Alicia en el país de María (2014) y Ella es Ramona (2015).

 

 

 

 

Sofía Carrillo

 


Estudió la licenciatura en Artes Visuales en el Departamento de Imagen y Sonido (DIS) de la Universidad de Guadalajara (U. de G.). Especializada en la técnica de stop motion de animación, su obra ha recorrido más de 50 festivales alrededor del mundo y ha participado en cinco ediciones del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

En el 3° FICM participó con su cortometraje Vértigo (2004), ganador del Apoyo a Producciones del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Jalisco. Su cortometraje Fuera de control (2008) participó, entre otros festivales, en el 6° FICM, en el 44° Festival Internacional de Cine de Chicago (CIFF por sus siglas en inglés), en el Short Film Corner del 62° Festival de Cannes y en el 25° Festival de Cine de Sundance.

Su cortometraje Prita Noire (2011) obtuvo, entre otros premios, Mejor Cortometraje de Animación en el 9° FICM, en la 54ª entrega de los premios Ariel y en el 19° Festival de Cine Latino de San Diego (SDLFF por sus siglas en inglés).

Su cortometraje La casa triste (2013) obtuvo también el premio a Mejor Cortometraje de Animación en el 11° FICM y en la 56ª entrega de los premios Ariel; además fue reconocido como Mejor Cortometraje Hecho en México en el 4° Oaxaca Film Fest, y como Mejor Cortometraje de Animación Drawn and Quartered en el 9° Fantastic Fest, Austin, entre otros.

Con su Cerulia, ganó el 14º Concurso Nacional de Proyectos de Cortometraje del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE).

Fue invitada a la residencia Mexicannes, en el marco del 17º Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF por sus siglas en inglés), y con el que participó en la edición 2014 del Berlinale Talents.

Su cortometraje de animación El corazón del sastre (2014) formó parte de la Selección Oficial del 12º FICM.

En 2016 participó en Toronto Talent Lab y Talent Motion.

Creadora de las viñetas animadas de la película XX, Pasión por el horror, antología de terror dirigida por Jovanka Vuckovic, Annie Clark, Roxanne Benjamin, Karin Kusama (Magnolia Pictures y Magnet Release, E.U., 2017).

En 2017 formó parte de la Sección de Cortometraje Mexicano en la categoría de animación del XV FICM con su trabajo Cerulia.

 

 

 

 

Ana María Martínez de la Escalera

 


(México). Doctora en Filosofía por la UNAM, profesora titular de Estética en el Colegio de Filosofía de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Coordinadora (2004-2013) de la línea de investigación “Alteridades de género, memoria y testimonio” en el Programa Universitario de Estudios de Género (PUEG), responsable del proyecto de investigación “Alteridad y exclusiones: Diccionario para el debate”. Ha publicado una colección de libros “Ejercicios de memoria” con textos de Derrida, Traverso, Wohlfarth, Bennington, Bensaid, entre otros. Sus últimas publicaciones son: “Estrategias de resistencia”, 2007, 2008, UNAM; “Feminicidio: actas de denuncia y controversia”, 2010, UNAM. “Alteridad y exclusiones. Vocabulario para el debate social y político”, Juan Pablos-UNAM, 2013.

 

 

 

 

Ery Camara

 


Licenciado en Restauración, Maestro en Museología, Diplomado en Artes Plásticas. Ha sido asesor técnico del Museo Dolores Olmedo Patiño, Subdirector de Museografía del Museo Nacional de Antropología, Subdirector del Museo Nacional de Culturas Populares. Subdirector del Museo Nacional del Virreinato, en la actualidad es curador del Antiguo Colegio de San Ildefonso. También ha sido profesor de asignaturas en la División de Posgrado de la Maestría en Museos de la Universidad Iberoamericana. Dentro de sus publicaciones encontramos The Language That We Share, Mirando al Xoloitzuintle, África Hoy, Arte Animista, y Senegal nuestro país. Tradiciones culturales de las etnias. 

 

 

 

 

 

Fernando Montiel Klint

 


(Ciudad de México, 1978). Estudió en la Escuela Activa de Fotografía, talleres y el seminario de fotografía contemporánea en el Centro de la Imagen, Entre los reconocimientos que se la han otorgado: Cementerio de Elefantes nominado como uno de los mejores Fotolibros en 2012 por el sitio Feature Shoot, Premio de Adquisición Gran Premio Omnilife 2001, Premio de Adquisición XXVI Arte Joven 2006, 1er lugar ID magazine(Inglaterra), mención honorífica en IPA(International Photography Awards), mención honorífica en la XII Bienal de Fotografía en México. Obtuvo la beca Jóvenes Creadores del FONCA en 2004 y Coinversiones FONCA 2005. De manera individual ha presentado: Actos de Fe en los Encuentros de Arlés, Francia en 2011, en la galeria Dupon en Paris curada por Pascale Giffard, Invitado en 2012 por Alasdair Foster a formar parte de la exposición Ouroboros en al festival de Pingyao,China 2012 , seleccionado en el Singapore International Photography Festival 2012, presento la exposición Sinapsis en el marco del festival KievFotoCom en Ucrania 2012. Seleccionado en las ultimas 5 bienales de fotografía en México (2004/06/08/10/12). Su obra ha sido publicada en: Mexican Portraits( editado por Fundación Televisa y Aperture) No sabe, No contesta (Arte x Arte, Rodrigo Alonso 2008), en las revistas: Art Nexus,Eyemazing, Surface China, PhotoIcon, Spring Breeze China, The First Post, I-D magazine,entre otras. Su obra forma parte de las colecciones Wittliff Southwestern and Mexican photography collection, Guangdong Museum of Art(China), Siofok 320 (Hungria), Fototeca Nacional del INAH, Museo de Arte Contemporáneo en Chile, Nave Ka en España y Museo de Arte Moderno de Aguascalientes y su trabajo forma parte de los sitios Zonezero.com y 500photographers.com, entre otros Actualmente vive en la ciudad de México y co-dirige Klint and Photo.

www.fernandomontielklint.com

 

 

 

 

Maya Goded

 


(Ciudad de México, 1967) es una de las más interesantes fotógrafas y directoras de cine documental de México. A través de su fotografía, y ahora de sus películas, Maya Goded aborda los temas de la sexualidad femenina, la prostitución y la violencia de género en una sociedad donde la definición del rol de la mujer es sumamente estrecha y la feminidad está cercada por los mitos de la castidad, la fragilidad y la maternidad. Actualmente, está llevando a cabo un proyecto de investigación sobre las comunidades chamánicas en el continente americano, desde Alaska hasta la Tierra del Fuego, abordando sus aspectos sicológicos, emocionales, materiales y espirituales, y explorando su relación con la naturaleza.

 

Realizó estudios en la Universidad Nacional Autónoma de México de Sociología, en la Escuela Activa de Fotografía, en el Centro de la Imagen de en la Ciudad de México y en el International Center of Photography en Nueva York. Sus imágenes fotograficas y de video, ella exploran desde la intimidad a la gente que vive en situaciones difíciles, construidas alrededor de las nociones de poder y control, se acerca tanto al fuerte, cuyo rechazo a conformarse amenaza las normas establecidas, como al vulnerable, cuya vida es deformada por la prescripción social.

 

Ha recibido importantes reconocimientos tales como: 1993- Mother Jones Foundation. Primer lugar, San Francisco, California. USA; 1996- Master Class, World Press Photo. Amsterdam, Holanda; 2000- FotoPres’01. Fundación La Caixa, España; 2000- Eugene Smith, Memorial Fund, Inc. USA; 2001- Fundación Guggenheim, USA; 2003- 2011 Sistema Nacional de Creadores, FONCA, México; 2010- Prince Claus Fund, Amsterdam. Netherlands 2013- Festival Internacional de la Imagen.

 

Entre sus exposiciones individuales se cuentan: 2011- Les Rencontres D’Arles, Francia; 2011- California Museum of Photography, Estados Unidos; 2007- Museo de Bellas Artes, Ciudad de México; 2001- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, España. Ha publicado varios libros: “Plaza de la Soledad” editado en España por Lunwerg, “Good Girls” editado en Nueva York por Umbrige, “Tierra Negra” editado en México por el Milagro.

 

Ha obtenido importantes premios como: Fundación Mother Jones (1990), el World Press Photo (1996), Fundación W. Eugene Smith (2001), Fundación Guggenheim (2003) y Príncipe Claus (2010). Ha publicado los libros “Tierra Negra” y “Plaza de la Soledad”.
Desde 2009, Maya extendió su trabajo como documentalista al video. Su primer corto “Una Reina a su Gusto” 2012, estuvo en la selección oficial del Festival de Morelia 2011, Distrital 2011, Festival Anual de Cine Tucson, USA 2012, Festival de Cine Todos Santos, Baja California, Mexico 2012. 2013- TFI Latin America Media Arts Fund Grant. New York.

 

En 2017 se estrenó su documental también llamado “Plaza de la Soledad” que fue estrenado en el Sundance Film Festival y ha recibido diversos reconocimientos, como: el Premio especial del jurado del Festival del Nuevo Cine Iberoamericano (La Habana); el Premio a mejor dirección del Festival Cinema Tropical (Nueva York), y el Premio a mejor documental del Guanajuato International Film Festival (México).

 

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