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Diseñador, editor, curador, coleccionista de fotografía, director de arte y creador, Erik Kessels (Países Bajos) se caracteriza por proyectos en constante transformación, donde el sentido del humor, el tratamiento disruptivo y original de la imagen juegan un papel clave para lanzar preguntas al espectador y cuestionar su visión del medio y del mundo. Sus proyectos parecen siempre dar una vuelta de tuerca más, que desde una mirada curiosa y franca, llevan a una reflexión mucho más profunda sobre el medio de la fotografía, la publicidad y el arte en general.

 

24 hours In Photos, Erik Kessels

ERIK KESSELS – EL AUTOR

 

“24hrs In Photos” – Las imágenes que nos invaden

 

“La gente consume fotografías”, dice Erik Kessels, “ya no las miran”. “Durante mucho tiempo me interesó mucho ver qué sucede con la enorme cantidad de fotos que producimos todos los días. La gente ve más imágenes antes del almuerzo de lo que alguien en el siglo XVIII veía en toda su vida “.

Kessels enfrentó este diluvio de contenido visual en 2011 con la exposición ahora icónica, 24 Hours in Photos. Descargó todas las imágenes subidas a Flickr durante un período de 24 horas, que ascendió a casi un millón, las imprimió y las “arrojó a un espacio de museo”. Mirando hacia atrás, cree que el espectáculo fue “una instalación bastante grandilocuente”, mientras que también fue “muy intimidante, mostrando que las líneas estaban borrosas entre lo público y lo privado”.

Hay una sensación de desperdicio y una desorganización enloquecedora para todo esto, que aparentemente son intencionales. Según Creative Review, Kessels dijo de su propio proyecto: “Estamos expuestos a una sobrecarga de imágenes en la actualidad”, dice Kessels. “Este exceso es, en gran parte, el resultado de los sitios para compartir imágenes como Flickr, sitios de redes como Facebook y motores de búsqueda basados ​​en imágenes. Su contenido se mezcla con el público y el privado, con un aspecto muy personal que se muestra abiertamente e inconscientemente. Al imprimir todas las imágenes subidas en un período de 24 horas, visualizo la sensación de ahogarme en representaciones de experiencias de otras personas “.

El trabajo de Kessels, humilde y ciertamente estimulante, desafía la idea de que todo puede y debe ser compartido, lo que se ha convertido en algo fundamental para la web moderna. Por otra parte, tal vez sea un desperdicio y abrumador cuando se imprimen todas las fotos y se las divorcia de su contexto original.

La instalación fue de su época, pre-Instagram y SnapChat, y marcó el inicio de un cambio cultural. “En 2017, en cierto modo sigue siendo el mismo, no ha cambiado. Quiero decir, es solo que hay más y más fotografías “, dice Kessels. “Habría más y más fotografías en esa instalación. Pero seguimos viviendo en ese mismo período de tiempo “.

Los variados experimentos de Kessels con las posibilidades narrativas de curación y apropiación continúan impulsando el lenguaje vernáculo del medio. En el centro de todo su trabajo está la responsabilidad que le otorga al consumidor, desafiándonos a considerar cómo vemos y contribuimos a los medios de comunicación visual. “Todos los días tenemos que tomar decisiones, de lo contrario explotamos casi porque entonces la información es demasiado para nosotros”, dice. “Muchos de los curadores reales pueden aprender de estos millones de curadores aficionados debido a qué tipo de opciones se están tomando. Y qué tipo de errores ”.

 24 Hours in Photos se ha mostrado en FOAM, en Les Rencontres d’Arles y en Pier 24 en San Francisco, entre muchos otros lugares.

 

 One Image, Erik Kessels

La profundidad de una imagen

 

Exposición “One Image”

 

“A medida que nos acercamos a la asfixia con la sobrecarga de contenido, es lógico pensar que una imagen única y aislada hace que uno se quede quieto.”

One Image, exposición realizada por Erik Kessels en 2016, es una pieza de resistencia, de una sola fotografía: una imagen borrosa, aparentemente intrascendente, de una niña sentada en una silla. “Esto es un experimento”, comenta Kessels a la revista TIME. “Tal vez es interesante hacer una pausa en una imagen en lugar de mirar 100 imágenes. Tal vez logres generar apego a esta imagen totalmente aleatoria y te veas obligado a investigar el significado detrás de ella. Y así, la imagen se enriquece “.

Para el espectador ocasional, la fotografía es aleatoria, pero la historia de fondo es personal y trágica; la niña es la hermana de Kessels que murió, a los nueve años, después de ser atropellada por un automóvil. Esta fue la última imagen que se tomó de ella; la niña está congelada en el tiempo, nunca conocerá la edad adulta. Antes de su muerte, la imagen carecía de importancia; tomada por el personal de un parque de vacaciones.

Pero la idea de que una imagen puede tener muchas vidas más allá de su propósito original es particularmente conmovedora aquí. Para los padres de Kessels, encontrar la imagen final de su hija fue un proceso catártico, al igual que su reapropiación. La recortaron y la convirtieron a blanco y negro, “para hacerla más icónica, menos realista”, dice. “Se re-apropiaron de la imagen incluso antes de que yo supiera el significado de la palabra”, agrega Kessels, quien después se construyó una carrera a partir de la re-apropiación de fotografías.

 

One Image, Erik Kessels

 

Kessels trabaja instintivamente, con cientos, a veces miles de imágenes todos los días. Kessels argumentaría que todos los que ingieren noticias en la escala que se escupen en línea, son curadores profesionales, aquello que evita que se ahogue en un mar de textos e imágenes. Kessels visualizó esta capa de contenido con su instalación 24hrs In Photos. En esa exhibición de 2011, los visitantes pudieron recorrer, tocar y examinar las fotografías, las cuales se juntaban y parecían sin sentido. Pero al aislar una sola fotografía, como en One Image, su valor se ilumina.

El desafío de investigar más a fondo la imagen es una característica del trabajo de Kessels, al igual que la forma disruptiva en que se presenta. La foto aparece en un espacio de la galería en Wroclaw, Polonia, pero también, sin explicación alguna, en carteles, andamios y carteles en las calles de la ciudad y en espacios publicitarios de periódicos. “Es agradable apropiarse de un espacio que la gente normalmente asociaría con los anuncios”, dice Kessels. “También fue una prueba para ver qué tipo de discusión surgía cuando la ciudad estuviera bastante llena con esta imagen”.

 

One Image, Erik Kessels

 

La experiencia de 25 años de Kessels en diseño y publicidad lo ha hecho “muy resistente a trabajos mediocres o imágenes estereotipadas”. En un ámbito comercial, esto lo ha llevado a producir anuncios de Diesel con modelos en “off-mode” , con un ojo cerrado, dándole una diferente autenticidad a un estribillo por lo demás trillado. En sus proyectos personales, esto significa a menudo gravitar hacia lo imperfecto y lo accidental.

“Una persona creativa debe comenzar con lo imperfecto, que es donde se pueden encontrar nuevas ideas”, dice. Es con ese espíritu de experimentación que Kessels se acercó a One Image, y le dio a esta fotografía imperfecta y amateur de su hermana pequeña una nueva vida, más de 30 años después.

 

 

Jump Trump, Erik Kessels & Thomas Mailander

Jump Trump – El humor y la crítica política

 

¿Quién no saltará sobre la cara del presidente omnipotente que separa a los niños migrantes de sus padres y los pone en una jaula?

Erik Kessels y Thomas Mailaender (Francia), dos artistas que trabajan con la reapropiación de imágenes, ofrecieron la oportunidad catártica de vengarse del hombre más influyente de la Tierra, aunque solo sea por unos pocos  efímeros segundos. Saltando de un trampolín a una estera que lleva un retrato gigante de Donald Trump, el espectador se convierte en parte de una instalación interactiva irreverente. Kessels y Mailaender están acostumbrados a trabajar con un sentido del absurdo, y han creado una atmósfera de diversión y crítica política que es simplemente irresistible.

Este trabajo original apunta a confirmar la idea de que hoy ya no es necesario tener una cámara para ser fotógrafo. En este caso, el mensaje conceptual se eleva por encima de la mera creación fotográfica y los visitantes incluso tienen la oportunidad de producir sus propias imágenes artísticas en un estudio muy poco ortodoxo.

Jump Trump fue presentado en el festival UNSEEN, Amsterdam 2017 y en Getxophoto 2018.

 

My feet, Erik Kessels

KESSELSKRAMER – una plataforma hacia la sociedad

 

En 1995 Erik Kessels funda junto con Tobias Kramer la agencia de comunicación KesselsKramer. Ubicada en una alucinante antigua iglesia gótica en Amsterdam, esta agencia se ha extendido a tener sedes también en Londres y Loa Ángeles, y cuenta con más de 50 participantes de todo el mundo. La diversidad de actividades de KesselsKramer va de campañas publicitarias extremadamente originales y provocativas, exposiciones y la publicación de libros.

 

 

KesselsKramer es conocida por un marketing innovador y de estilo guerrillero casi al borde de convertirse en antipublicidad: la campaña del hotel económico Hans Brinker, por ejemplo, hace que el hotel se promocione a sí mismo con lemas divertidos como “¡Ahora, aún más mierda en la entrada principal!” una gran cantidad de visitantes. Incluso el sitio web de la agencia no se mezcla con las tendencias de la publicidad y cuestiona las reglas de visibilidad dadas, por lo que intercepta los gustos alternativos de una generación más joven que creció con la publicidad y es plenamente consciente de sus mecanismos.

“Hacemos contenido humano y arriesgado. Una comunicación relevante pero irreverente que ayuda a nuestros clientes a impulsar negocios, construir comunidades leales y cambiar la forma de pensar”.

“En cierto modo, odio la publicidad, tal vez tanto como tú “, dice Erik Kessels, repitiendo una línea que casi se ha convertido en su eslogan. “Pero eso me impulsa a tratar de ir desde una dirección diferente. Todo es tan estereotipado: las ideas, las categorías, todas usan las mismas metáforas. Así que es muy fácil tomar una dirección diferente. Y la gente dice que es creativo, pero es un truco bastante simple.

La agencia también produjo una película premiada internacionalmente, ‘The Other Final’, que contó la historia de un partido de fútbol entre los equipos con la clasificación más baja del mundo que tuvo lugar el mismo día que la final de la Copa Mundial 2002.Nike, Levi’s, Diageo y desarrollaron las marcas citizen, Ben NL y Bol.com. Entre los clientes actuales se encuentran el Museo de Ciencias NEMO, Van Lanschot y el Festival Internacional de Cine Documental de Amsterdam.

 

The many lives of Erik Kessels

KESSELSKRAMMER – El proyecto editorial

 

En el campo del fotolibro KesselsKramer publica regularmente libros en varias colecciones que construyen un mosaico de diferentes miradas sobre el medio fotográfico a través de fotografías de diversos orígenes, como álbumes, pequeñas historias de fotógrafos amateur, narrativas inusuales que nos hablan de la fotografía y su vínculo con la identidad contemporánea.

El departamento de publicaciones de KesselsKramer produce libros sobre fotografía, arte y algo de ficción. Los creadores de estos libros son miembros del personal de KesselsKramer. Cada libro o revista expresa sus pasiones personales, ya sea una colección de fotografías encontradas, cuentos o una celebración de obras de arte inusuales.

 

The many lives from Erik Kessels

 

Su primer libro retrospectivo, The Many Lives of Erik Kessels, aborda sus 20 años de carrera en la que ha experimentado y desafiado el mundo visual que lo rodea con un ojo poco convencional e inconfundible. Su interés artístico radica en la imperfección y ha forjado una carrera celebrando el feliz accidente. “Estamos rodeados de imágenes de perfección e imágenes inventadas que están totalmente cerradas y que ya no se pueden abrir para que nadie fantasee”, Kessels le dice a TIME. “Así que en mi trabajo siempre trato de hacer una pequeña diferencia en eso”.

 

De niño pintó vorazmente, de adolescente soñaba con los adornos para las ventanas (el trabajo más creativo que se ofrece en su pequeño pueblo) y como un hombre adulto ha creado un imperio creativo que combina ingeniosamente lo comercial y lo abstracto. Kessels señala el comienzo de su educación visual con una tragedia personal. “Desde muy temprana edad, creo que a los once, me enfrenté a la mortalidad de una imagen y cómo las imágenes pueden sobrevivir y cuán importantes son”, dice. “Desde esa edad, mis padres buscaron en los álbumes familiares de mi hermana que [murió en un accidente automovilístico] y encontraron una imagen que se volvió muy importante para ellos”.

 

 

In almost every picture

 

Las fotos familiares de otras personas han demostrado ser una rica fuente para Kessels, algo que dice que comenzó “casi como una terapia”. Uno de sus proyectos más populares, In Almost Every Picture, comenzó en 2000 y ahora es su decimocuarto volumen.

Cada serie se centra en una obsesión fotográfica inusual por un aficionado; desde una pareja de Florida que comparte la pasión por la “aventura de la diversión húmeda” hasta los incansables intentos de una familia por fotografiar a su perro negro sin que parezca una mancha amorfa. “Todos los libros contienen historias o fotografías de aficionados muy personales que a menudo aún no se cuentan”, dice. “O bien están ocultos muy profundamente en algún lugar de Internet o están ocultos en un álbum familiar. Para mí es casi como un arqueólogo cavar en ellos e investigarlos y tratar de encontrar la historia o tratar de imaginar la historia “.

In Almost Every Picture, es una mirada a la fotografía desde la belleza vernácula de su creación y uso. Las intenciones de su manifestación pueden evolucionar y cambiar en el transcurso del tiempo. Los significados intrínsecos de las imágenes también pueden crecer y volverse más potentes a medida que cambia su contexto.

La fotografía se ha convertido en una parte integral de nuestras vidas y cuenta las interminables historias humanas que ocurren a nuestro alrededor, a menudo sin que lo sepamos, y marca las impresiones y experiencias que compartimos en casi todas las imágenes. “Cada libro siempre contiene series de fotografías hechas por aficionados: las encuentro en línea o en mercados de pulgas y luego las convierto en un libro porque de cierta manera las saco de su contexto original y luego las pongo en un nuevo contexto, dándoles otra dimensión.”

LA IMAGEN Y LA SOCIEDAD – La vida útil de una imagen

 

Revista “Useful Photography”

 

La otra fascinación persistente de Kessels es la vida útil de una imagen y la importancia que le otorga el espectador. “El significado de una imagen ha cambiado totalmente”, dice. “Está ahí solo para compartir, tiene un ciclo de vida muy corto. La gente ya no guarda las imágenes. Simplemente los usan y los vuelven a tirar. Así que es un mecanismo totalmente diferente ”. Esta llamada era del“ renacimiento fotográfico ”es un estado temporal del ser, dictado por la disposición de la sociedad a inclinarse ante los Dioses de Internet. Pero Kessels tiene esperanzas. “Es gracioso que hace unos años la gente pensaba que en un momento dado ya nadie visitaría el cine”, dice. “Pero en este momento, hay más visitantes en los cines que nunca. La gente todavía quiere estar físicamente juntos “.

Un artículo en The Guardian comenta: “En su revista, Useful Photography, Kessels renuncia al arte y al documental por imágenes que son puramente funcionales. … El humor es la corriente principal, unificadora, que reúne la serie de álbumes de fotos de KesselsKramer.

 

Useful Photography #11

 

Por ejemplo, la undécima edición parte de ¿Qué miran los estadounidenses cuando disparan? Erik Kessels apunta a la obsesión de Estados Unidos con las armas de fuego al recopilar las imágenes reales encontradas en los objetivos de tiro de todo el país. La revista muestra la sorprendente variedad de objetivos de tiro disponibles.

“Esta historia construida a partir de objetivos humanos en forma de foto se ha recopilado de campos de tiro que dispersan a los Estados Unidos de América en sus decenas de miles. La serie abarca los tiempos recientes y las décadas pasadas, y describe el estado cambiante de una nación, uno cada vez más retenido por el crimen de armas pero aparentemente impotente para cambiar la forma en que se ven y usan las armas de fuego.Con la segunda enmienda que establece el derecho a tener y portar armas, hasta 55 millones de hogares se lo toman en serio al tener al menos un arma de fuego en su poder.La práctica de tiro en los Estados Unidos y esta colección toma muchas formas. De los intrusos enmascarados a los invasores terroristas; desde situaciones de rehenes hasta objetivos de anatomía; desde Osama Bin Laden blandiendo un rifle hasta agentes de la ley blandiendo una insignia; desde bombarderos hasta rottweilers. Encuentra tu favorito para obligarte a disparar y pensar. 

A lo largo de la serie, Usefull Photography # 11 hace la pregunta: en esta era de delitos con armas de alto impacto, ¿los participantes buscan protección o aceleran la violencia?”.

Erik Kessels

Useful Photography #4

 

Editado por Hans Aarsman, Claudie de Cleen, Julian Germain, Erik Kessels, Hans van der Meer, Useful Photography #4 se compone de carteles de terroristas suicidas palestinos antes de su misión se colocan después de que se cumpla su misión.

Documentación de los carteles, reimpresa en formato A3 en papel mate. Doblado por la mitad y encuadernado por el algodón, forma el contenido completo de esta ‘docartzine’. El pliegue central impreso en papel blanco hace referencia y traduce cada cartel.

 

One Image, Erik Kessels

 


Erik Kessels (Países Bajos). Es un artista, diseñador y cirador de los Países Bajos, y desde 1996 es Colaborador Creativo de la agencia de comunicación internacional KesselsKramer. Como artista y curador de fotografía, Kessels ha publicado más de 60 libros de sus imágenes “re-apropiadas”, es editor de la revista Useful Photography y ha escrito el bestseller internacional Failed It!

Realizó un DVD para el proyecto Loud & Clear, colaborando con artistas como Marlene Dumas, Ryuichi Sakamoto y Candice Breitz. Ha impartido clases en numerosas universidades, incluyendo la Gerrit Rietveld Academy en Amsterdam, la ECAL en Lausanne y en la Academia de Arquitectura en Amsterdam, donde ha curado una exposición dedicada a fotografía amateur. Fue co-curador de la exposición ‘From Here On’ con Martin Parr, Joachim Schmid, Clément Chéroux y Joan Fontcuberta, que se presentó en Rencontres in Arles.

Como artista Kessels ha realizado exposiciones como Loving Your PicturesMother Nature, 24HRS in Photos, Album Beauty, Unfinished Father y GroupShow.

En 2010 Kessles recibió el Premio de las Artes de Amsterdam, in 2016 fue nominado para Deutsche Börse Photography Prize. En 2017 se mostró una retrospectiva de su trabajo en Turin, Düsseldorf y en el MOMA.

 

LA SEDE DE KESSELSKRAMER EN AMSTERDAM

 

 

Conoce más sobre Erik Kessels en:

 

 

 

 

Sunday, Paul Kooiker. Editorial Van Zoetendaal, 2011

 

CONOCE MÁS SOBRE LA OBRA DE PAUL KOOIKER

Te compartimos extractos de varios artículos sobre su obra.

 

Nude Animal Cigar, Paul Kooiker. Art Paper Editions, 2015

 

Paul Kooiker

Nude Animal Cigar (Desnudo Animal Gigarro)

 

Paul Kooiker es uno de los fotógrafos conceptuales más interesantes que trabajan actualmente en los Países Bajos. Aunque su trabajo consiste completamente en imágenes fotográficas, no es tanto un fotógrafo, sino un escultor y un artista de instalación. Su fascinación por temas intrigantes como el voyeurismo, la inocencia y los clichés lo lleva a construir colecciones ficticias de imágenes de origen, sujetos y significado extremadamente inciertos. En su última instalación, Nude Animal Cigar, creada por invitación del Museo de Fotografía de La Haya, Kooiker repasa su carrera de veinte años en las artes visuales. El resultado es una serie desconcertante de doscientas obras fotográficas, en las que imágenes de desnudos y de animales se entremezclan con primeros planos de los incontables cigarros que ha fumado en su estudio a lo largo de los años.

 

Nude Animal Cigar, Paul Kooiker. Art Paper Editions, 2015

 

Paul Kooiker no está interesado en crear la imagen fotográfica perfecta. El valor de su trabajo no radica en sus fotografías individuales (que a veces están sobreexpuestas, borrosas por el movimiento de la cámara o granuladas), sino en lo que hace con ellas en la postproducción: el proceso posterior de selección y manipulación. En la fase inicial de su proceso creativo, es un fotógrafo deliberadamente “malo”, produciendo una masa de material exploratorio que a menudo se extiende a cientos de imágenes. Luego aborda este material como un artista visual, creando ‘colecciones’ en forma de instalaciones tridimensionales y álbumes de fotos. Estas colecciones ficticias parecen haber sido encontradas en algún lugar o han aparecido en una antigua maleta abandonada durante décadas en un desván. Para garantizar su credibilidad, Kooiker presta una atención meticulosa a la coherencia interna de forma y estilo. Esto contrasta fuertemente con el contenido de sus series, que a menudo son enigmáticas y vagamente inquietantes.

http://www.fotomuseumdenhaag.nl/en/exhibitions/paul-kooiker

 

 

Nude Animal Cigar, Paul Kooiker. Art Paper Editions, 2015

 

PRÓXIMA EXPOSICIÓN RETROSPECTIVA

DE PAUL KOOIKER

OMU Photo Museum Antwerpen | 29.06.2018 – 07.10.2018.

 

El trabajo de Paul Kooiker a menudo se centra en el desnudo femenino, que también es uno de los muchos clichés que suelen asociarse con el trabajo de Peter Paul Rubens. Kooiker, sin embargo, con sus imágenes quiere contar más acerca del espectador, que sobre su modelo. Sus imágenes convierten a todos en un voyeur. Piensas que estás mirando algo que no estaba destinado a tus ojos. ¿O tal vez lo estaba? En la exposición Kooiker está inspirado en el Barroco, durante la época de Rubens y Rembrandt, para esta exposición.

Voyeurismo
El trabajo de Paul Kooiker trata sobre “mirar”, sobre el voyeurismo, sobre la vergüenza y la distancia. Él parte de la tradición antigua, de preguntas sobre la relación entre el artista y su modelo. Sus series obsesivas puede ser confusas, humillantes, desestabilizadoras e invalidantes. Cuestionan su posición como fotógrafo, hacen preguntas sobre el espectador y sobre cómo Kooiker mira a su sujeto.

 

Nude Animal Cigar, Paul Kooiker. Art Paper Editions, 2015


El desnudo en las artes
Kooiker
ha estado creando imágenes dentro de la tradición del desnudo en las artes durante muchos años, desarrollando su propia aberrante historia del arte. Para el proyecto de esta retrospectiva, acordó desviar su mirada, una vez – solo por esta vez -, hacia el barroco de los siglos XVII y XVIII, el Barroco de Rubens y Rembrandt.

https://www.visitantwerpen.be/en/barok/paul-kooiker-en

 

Sunday, Paul Kooiker. Editorial Van Zoetendaal, 2011

 

Sunday

Ensayo por Brad Feuerhelm

1000 Words Magazine

 

El trabajo del fotógrafo holandés Paul Kooiker ocupa un peculiar espacio limítrofe entre el legendario cineasta David Lynch y el surrealista Hans Bellmer. Sin embargo, afirma que no apela a referencias directas de los antes mencionados. En cuanto a la inspiración, es “solo la vida misma”, dice.
Sin embargo, su exuberante y vívido uso del tecnicolor es fuente de falsas nostalgias, un anacronismo que resulta en una especie de nuevo noir. Tal paleta evoca la membrana de un ojo empapado de miel, parpadeando en la ardiente luz del sol en un día brillante. Cuando se vuelve a abrir el ojo, el color parece drenado, pero luego comienza a materializarse nuevamente en tonos de pantone que resuenan con intensidad. Es un efecto que optimiza la evocación de una memoria que quizás solo hayamos visto en una película.

Respecto a Hans Bellmer, el trabajo toma en cuenta la repetición y la forma escultural femenina, aunque desencarnada. “En general, no me interesa la imagen única”, explica Kooiker. “Me gusta mostrar el estudio de un proyecto. En primera instancia, el trabajo está hecho para el libro, la secuencia de páginas y los pequeños cambios del modelo tienen un buen ritmo, en una exposición tendría una forma distinta de construir la secuencia”.

 

Sunday, Paul Kooiker. Editorial Van Zoetendaal, 2011

 

El trabajo de Kookier, en cierto sentido, eleva su modelo al nivel del arte en la forma de una naturaleza muerta. (“Ella podría ser un objeto en lugar de una mujer”, observa Kooiker). Al mismo tiempo, el basamento escultórico sobre el que se fotografía el cuerpo de la mujer y desde el que es vista desde múltiples ángulos casi representa una suerte de ejercicio de varios fotógrafos trabajando al mismo tiempo en una sesión de práctica “amateur”, apartados de sus familias. Kooiker da fe de esto: “Este elemento de lo amateur (aficionado) que contiene la fotografía es aparente en todo mi trabajo”.

Los elementos eróticos permanecen en su lugar, pero las imágenes están lejos de ser explícitas debido a que los genitales representados. Tampoco existen las incursiones complicadas acerca de la identidad de la modelo ya que su cara está casi siempre ofuscada. Si bien tenemos al menos la suerte de escapar del problema de la edad modelo, el tema de la serie Sunday también recuerda a las mujeres de la serie Earthly Bodies (Cuerpos terrenales) de Irving Penn. Tanto Penn como Kooiker blanquean los modelos creando una sugerencia algo fantasmal. También hay un atisvo de Bill Brandt en estas distorsiones. También de André Kertesz. Como vemos, estas imágenes se ubican dentro de la tradición de cierta sensibilidad europea.

También existe la noción de que ellas iluminan un rincón de la mente de Kooiker sobre el que el autor está siendo increíblemente honesto. Uno también podría decir lo opuesto. Las imágenes se podrían leer como formas de explotación de una forma muy específica práctica de creación artística masculina, heterosexual y europea. Podría ser que el factor de objetivación y la pérdida de control a través de las poses de la modelo entren en conflicto con su intento de presentarla claramente fuera de la reorganización libidinal de la carne femenina repetida al infinito y siempre en espacios reducidos. No sería una evaluación injusta, pero el potencial no es tan resistente como el artista podría desear.

 

Sunday, Paul Kooiker. Editorial Van Zoetendaal, 2011

 

A pesar de sus sutiles matices, provocan y provocarán una reacción por parte de su audiencia. Más allá del enfrentamiento inicial con el gran formato del trabajo y el efecto de satirización del color, lo dejan a uno cuestionando el patrón y su insistencia en el cuerpo y el cuerpo politizado dentro de la tradición del arte y la cultura contemporáneos en la actualidad.

En posteriores conversaciones con el artista acerca de estos temas, Kooiker refuta la sugerencia de que el uso de una mujer más voluptuosa podría basarse en el formalismo de su trabajo, o en el hecho de que con una forma más grande y más suave, podría ser potencialmente más fácil producir una nueva naturaleza muerta. Tampoco tiene que ver, dice, simplemente con la modelo particular que estuvo disponible el día de las tomas. “Esta es una modelo muy especial”, dice. “Ella entiende lo que quiero. ¿Por qué usé una modelo más grande para esta serie? No puedo responder esto directamente. También es un misterio para mí”.

Asimismo, opta por no explicar sus intenciones – para bien o para mal. Incluso ha dicho que ser consciente al tomar las fotos de que el sujeto femenino debería ser examinado de una determinada manera llevando su significado al límite sin explotarlo, no es algo que a él le concierne. Claramente, sin embargo, la noción de lo abyecto no está perdida en Kooiker. Habla de su temprano interés en la fotografía médica que resultó en su fotolibro Utrecht Goitre – una increíble selección de imágenes históricas únicas de una clínica de patología en Utrecht reunidas junto a sus propias fotografías que muestran características extrañas pero no poco comunes como marcas de nacimiento y lunares, talones agrietados y calvicie. Los grandes temas de lo grotesco y lo abyecto son, por supuesto, formas válidas de moneda artística y la forma específica de voyeurismo de Kooiker remonta ciertas verdades incómodas.

 

Sunday, Paul Kooiker. Editorial Van Zoetendaal, 2011

 

Hay tensiones intermitentes entre la subjetividad y la objetividad, la belleza y la fealdad, la seducción y el choque, observar y ser observado, que residen en toda la imagen. El trabajo de Kooiker es una revelación de que la obsesión y la búsqueda de imágenes de proyecciones personales, casi oblicuas y cotidianas, para crear una atmósfera de incertidumbre, tienen el valor de la identidad que asume dentro de esta serie. El cuestionamiento del trabajo se vuelve reflexivo. Obliga al público a pensar y lleva a preguntas dirigidas a nosotros mismos, a nuestras percepciones de la forma humana, de las mujeres, del “otro” y de nuestras propias nostálgicas forzadas creadas por el color o las percepciones sensoriales del sonido o el olfato.

 


Paul Kooiker (1964) nació en Rotterdam. Estudió en la Royal Academy of Arts en La Haya y en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Amsterdam. Desde 1995, enseña en la Academia Gerrit Rietveld en Amsterdam. En 1996 ganó el Prix de Rome y en 2009 fue galardonado con el A. Roland Holst Prize. El trabajo de Paul Kooiker ha sido ampliamente exhibido, incluyendo exposiciones colectivas en la Maison Européene de la photographie, París; Fotohof, Salzburgo; Museo de Arte Kumho, Seúl; Arsenale Novissimo, Venecia; Colección Zabludowicz, Londres. Sus exposiciones individuales desde 1996 incluyen las realizadas en Kunsthal, Rotterdam; Vleeshal, Middelburg; James Cohan Gallery, Nueva York; Fries Museum, Leeuwarden, Foam Fotografiemuseum, Amsterdam; Gemeentemuseum, La Haya; Museo Boijmans van Beuningen, Rotterdam. Paul Kooiker ha publicado varios libros: Utrecht Goitre (1999), Hunting and Fishing (1999), Showground (2004), Seminar (2006), Room Service (2008), Crush (2009), Sunday (2011) y Heaven (2012) . Entre 2007 y 2009 publicó catorce números de Archivo, un diario fotográfico bimestral curado por él y el galerista Willem van Zoetendaal. 

http://www.1000wordsmag.com/paul-kooiker%E2%80%A8/

 

 

 
Ponte City, Mikhael Subotzky and Patrick Waterhouse, Steidl, 2014, Diseño Ramon Pez

En el medio de los fotolibros, el diseñador Ramon Pez (Italia/España) ha construido un lugar especial.
Cuando Ramón Reverté trajo The Afronauts, libro casi mítico ya, a una clase, todos queríamos tocar, pasar sus páginas impresas sobre el papel de envolver quesos en España, tocar la liga que Cristina colocó manualmente en cada ejemplar, ver las fotografías cargadas de sentido del humor, y escuchar la historia que Ramón contaba sobre cómo se realizó el libro, entre anécdotas divertidas y una seductora descripción sobre una manera libre y audaz de hacer libros.

The Afronauts se convirtió rápidamente en un éxito internacional, proyectando a los fotolibros a una nueva forma de experimentación y juego. Un sello que caracteriza a Ramon Pez, quien ha desarrollado numerosos fotolibros, variados en concepto, formas, materiales y diseño, lo que ha hecho a cada uno especial y coherente al contenido de la obra.

Cuando en 2015 planeamos la primera edición del programa de HYDRA+FOTOLIBROS y preguntamos a Ramón Reverté, a Horacio Fernández y a otras personas, a qué diseñadores sería importante invitar, todos coincidieron en Ramon Pez. Hoy estamos a unos días para que venga por segunda vez a dar un taller en México.

Entre aquel primer acercamiento a Ramon Pez y este, su segundo taller en el programa Hydra ´+ Fotolibros, este increíble diseñador ha acumulado varios premios al mejor fotolibro a nivel internacional, como es el caso del libro Libyan Sugar del fotógrafo Michael Christopher Brown, publicado por Twin Palms, y que ganó el Paris Photo First Photobook Award en el 2016.

Para quienes no conocen personalmente a Ramon Pez, su figura resulta un tanto enigmática. Buscando en la red al primero lugar al que llegamos es a su página www.ramopez.com y nos encontramos con este texto:

Damos un click, entramos a Colors magazine, y el misterio se vuelve más interesante.

“Después de tres años rescatando personas y escalando montañas como soldado de la armada italiana en los Alpes, Ramon empezó a estudiar diseño gráfico en 2000. Se graduó con un título en comunicaciones visuales y multimedia por la Universidad de Venecia en 2003. Ese mismo año Ramon empezó a colaborar con Fabrica y La Granja Studio, y conoció a Paolo Vetta, su mentor y el fundador de Tassinari Vetta studio.

En 2005 Ramon se mudó a Barcelona donde, otra vez para La Granja, desarrolló diferentes proyectos de diseño de exposiciones mientras preparaba su tesis para un Masters en Artes (que nunca terminó). Desde 2006, Ramon ha trabajado como diseñador gráfico independiente, dividiendo su tiempo entre proyectos editoriales, campañas de comunicación, ilustración y video. Su última obsesión es la impresión de pantalla.

Ramon regresó a Fabrica en enero de 2012 para convertirse en director de Colors Magazine.

En 2012 Pez fundó, junto con Laia Abril, un “Equipo para hacer libros”, diseñando, editando y produciendo The Afronauts. El equipo también creó el muy reconocido libro The Epilogue (Dewi Lewis, 2014) y hace poco presentaron un nuevo libro sobre una serie acerca de los usuarios de las cámaras sex-webcam Tediousphilia (Musée de l’Elysée).

Seguimos buscando y nos topamos con esto:

Ramon Pez es el director de arte de Colors magazine y un hacedor de libros. Su procedencia combina el diseño y las artes visuales con la publicaciones ilustradas underground. Pez está particularmente interesado en proyectos donde las historias y estructuras narrativas mezclan diferentes medios. Sus proyectos más recientes son : Ponte City (Steidl, 2014), The Brightest Light Runs Too Fast (Editions Bessard, 2014) y Back to the Future (autopublicado, 2014). En 2012 Pez fundó, junto con Laia Abril, un “Equipo para hacer libros”, diseñando, editando y produciendo The Afronauts. El equipo también creó el muy reconocido libro The Epilogue (Dewi Lewis, 2014) y hace poco presentaron un nuevo libro sobre una serie acerca de los usuarios de las cámaras sex-webcam Tediousphilia (Musée de l’Elysée).

Y si esa liga nos conduce a:

Tediousphilia, Laia Abril, Musée de l’Elysée, Lausanne, 2014

Tediousphilia  “Miles de jóvenes parejas en cada esquina del planeta están iniciando negocios, de forma rápida y sencilla, desde el confort de sus propios dormitorios. Los miembros de la “Generación del Facebook”, usualmente desempleados, afectados por la desesperanza de la crisis de nuestro tiempo, y sin temor a exponer su intimidad por unos cuantos dólares por semana; estas parejas de empresarios ofrecen espectáculos de sexo en línea. Sus pep-shows virtuales a demanda pueden ser encontrados en diferentes páginas en la red, donde los puedes mirar esperando “listos para tener sexo para ti” en transmisión en vivo, hasta el momento en que tu desees pagar por la acción.

La proyección Tediousphilia es un proyecto multimedia en colaboración con el director de arte Ramon Pez, basada en series fotográficas que documentan el aburrimiento y tedio que sufren las parejas que se dedican al sexo para las cámaras web caseras en los tiempos detenidos, de espera antes de los momentos del sexo en la no-tan-virtual vida paralela.

Ramon Pez es conocido y reconocido por su trayectoria como director de arte, editor y diseñador de algunos de los fotolibros más importantes que se han editado en los últimos años, entre los que destacan Ponte City y The Ephilogue.

Su formación, la cual combina el diseño y las artes visuales, le ha permitido experimentar y establecer diversos procesos creativos basados en la colaboración en las que enfatiza la importancia de cada una de las etapas de producción que conlleva producir un fotolibro, destacando de manera particular el diseño y la puesta en página, y logrando establecer una dinámica de trabajo particularmente enriquecedora y creativa.

El trabajo colaborativo es una de las apuestas de Ramon para que un buen fotolibro tome su cauce. Pez se ha vuelto reconocido por su labor en equipo con los fotógrafos y otros miembros que colaboran en el proceso del desarrollo de fotolibros.

“En cada proyecto adaptamos nuestras habilidades, responsabilidades, investigación, y motivación, dependiendo de los que pensamos que cada proyecto necesita”- comentan Laia Abril y Ramon Pez en una entrevista en el PhotoBook Review de Aperture #9- “Nuestro proceso se basa en investigar continuamente cada aspecto de la edición. Encontramos inspiración y las respuestas para las dificultades de cada proyecto buscando nuevas formas de estructuras narrativas”, escribe Laia Abril.

Ramon Pez comenta “Si un fotógrafo sabe como hacer una buena edición, y llega con un concepto claro del libro, sigue siendo interesante colaborar y crear una lluvia de ideas para desarrollar nuevas propuestas. Con The Epilogue, Laia ya estaba dándole forma al proyecto incluso antes de iniciar con la toma de fotografías, lo que realmente hace una diferencia al ayudar a estructurar el libro-la edición en este caso, es igual al concepto y la historia”.

© The Afronauts, Cristina de Middel


Cristina de Middel comenta en una entrevista sobre el proceso de trabajo en The Afronauts:

Pregunta del entrevistador: “En la realización del libro la dirección de arte corre a cargo de Ramon Pez y Laia Abril, y la edición la ha llevado también Laia. ¿Puedes explicar como desarrollasteis el libro y que jerarquías tenías establecidas entre vosotros para la toma de decisiones? ¿Qué influencia crees que ha tenido el hecho de los tres seáis muy amigos para la realización del libro?”

“No utilizaría la palabra jerarquía para referirme a la relación que construimos durante ese periodo. Creo que todo fue muy bien porque cada uno respetó el espacio de los demás pero al mismo tiempo podíamos dar nuestra opinión o hacer sugerencias. Creo que todos fuimos muy flexibles y se convirtió en algo parecido a un juego, porque todo era posible. No nos asustaba proponer ideas descabelladas y los resultados que obtuvimos fueron tan emocionantes que creo que mantendremos esa filosofía para el próximo proyecto.

El fotolibro es una obra en la que, sin duda, lo importante es el contenido fotográfico pero en la que interviene el diseño, el texto (si lo hay) el grafismo, la tipografía, la impresión, que sin dejar de ser complementarios, también son decisivos.

Para alcanzar los mejores resultados deben tomarse las mejores decisiones en cuanto a diseño edición, los papeles, técnicas  de  impresión,  posibilidades  de  encuadernación, etc.”


Estos elementos son centrales al programa de HYDRA+FOTOLIBROS. Durante años el diseño se volvió protagónico en la realización de proyectos editoriales, y en muchas ocasiones pasaba a un primer plano frente a la misma obra del autor, cuyas fotografías, pinturas, ilustraciones, etc., pasaban a un tercer plano y para convertirse en objetos que los libros meramente reproducían. O bien el diseño era tan rígido y poco fluido que las publicaciones se volvían acartonados catálogos.

El auge y la proyección por la cual atraviesa el fotolibro a nivel internacional obedece, sin duda, a diversos factores que han creado las sinergias óptimas para que esto suceda.

Si bien es cierto que para que un fotolibro sea exitoso se necesita un trabajo visual potente, hay otros factores que son claves para su posicionamiento sea una consecuencia. Edición, diseño e impresión son algunas las piezas claves que han contribuido a que cada vez un mayor número de festivales, editoriales y encuentros entorno a la fotografía dedican diversas actividades y premios al fotolibro.

En los últimos años los avances en la tecnología han cambiado la forma en que producimos y circulamos la fotografía. Cada vez más autores hacen de la fotografía el medio con el que se comunican y construyen su obra. Todo ello, aunado al desarrollo de nuevas y más baratas formas de impresión, y a una falta de espacios de exposición, han convertido al fotolibro en un medio ideal para dar salida a la obra.

Computadoras, cámaras, impresoras y otros equipos brindan una nueva independencia a quien desea realizar un libro. Aparecen plataformas digitales para hacer libros a demanda y sistemas de impresión que permiten hacer libros en tirajes cortos con costos menos elevados.

Este nuevo panorama transforma el papel tradicional de editores, diseñadores y autores. Para hacer un libro ahora hay diferentes estrategias que se pueden seguir según las necesidades y deseos del autor.

Sin duda, uno de los escenarios ideales es un trabajo de colaboración entre aquellos quienes participan en la creación de un fotolibro. Y es en este terreno donde se abre un espacio particularmente interesante que rompe con las estructuras a las que en muchos sentidos estábamos acostumbrados, permitiendo que nuevas formas de trabajo y colaboración generen nuevos discursos.

En Hydra+Fotolibros nos interesa ofrecer a quienes participan en los talleres una perspectiva sobre estas diferentes formas de trabajo en el desarrollo de una obra en forma de libro. La colaboración y el diálogo como una manera de tomar una postura frente al tiempo en que vivimos. Hacer del libro una manera de explorar el medio de la fotografía, de reflexionar sobre el arte y el mundo a partir de una práctica más libre, autogestiva e independiente.


Algunos fotolibros en los que ha trabajado Ramon Pez

The Afronauts, photographs by Cristina De Middel


The Afronauts

El libro Afronautas de Cristina de Middel recrea un excéntrico programa espacial dirigido en 1964 por un profesor de secundaria zambiano, que sin demasiado éxito, buscó financiación y entrenó a unos cuantos lugareños y a un gato para mandarlos al espacio. Para ello el libro incluye, además de las fotografías realizadas por De Middel, supuestos facsímiles de diferentes documentos, fotografías de archivo y preciosos dibujos realizados por la autora.

Se trata de una publicación de una factura impecable, financiado en parte gracias al programa de exposiciones de la Sala Kursala de la Universidad de Cádiz y al dinero que destinan a la producción de catálogos para dichas exposiciones. Y por otro lado, a la inversión económica de la propia autora.

El libro fue seleccionado como uno de los veinte Mejores Primeros Libros del premio que convocan Paris Photo y Aperture y fue parte de las listas de los mejores libros del año 2013. Con The Afronauts Cristina fue nominada para el prestigioso Deutsche Börse Prize 2013 junto a otros destacados innovadores fotógrafos como son Mishka Henner, Adam Broomberg & Oliver Chanarin y Chris Killip.


Ponte City, Mikhael Subotzky and Patrick Waterhouse, Steidl, 2014, Diseño Ramon Pez


Ponte City

Ponte City, es un fotolibro de Mikhael Subotzky y Patrick Waterhouse, diseñado por Ramon Pez.
Ponte City fue reconocido con el Premio Deutsche Börse de Fotografía 2015. En el los fotógrafos Mikhael Subotzky y Patrick Waterhouse documentan el ascenso y la caída de los rascacielos residenciales más altos de África. “Este proyecto es de largo recorrido y creativamente ambicioso, también sirve como una inmejorable metáfora sobre la sociedad sudafricana y su transición desde el Apartheid a la era post-Apartheid, aunque lo más importante es que investiga temas más amplios, en este caso, relacionados con los actuales movimientos globales de migración de personas” apunta Brett Rogers, director de The Photographers´Gallery en Londres, cuando el premio fue revelado.

En 2015, el jurado del Deutsche Börse Photography Prize estuvo integrado por Chris Boot, director ejecutivo de la Aperture Foundation, la artista holandesa Rineke Dijkstra, Peter Gorschlüter, subdirector del MMK, Museum für Moderne Kunst, y Anne Marie Beckmann, comisaria de la Art Collection Deutsche Börse.


The Epilogue, Laia Abril, Dewi Lewis 2014, Diseño Ramon Pez


The Epilogue

“Un epílogo es aquello que a veces viene al final de una novela, una suerte de capítulo extra, que permite al lector curioso enterarse qué ha sido de los protagonistas del libro. Laia Abril respeta al pie de la letra esta definición en su primera publicación con la editorial Dewi Lewis.

“La historia que de la que es epílogo The Epilogue es la vida y muerte de Cammy Robinson, una joven mujer de Estados Unidos que murió a causa de la bulimia en 2005 a la edad de 26 años. La fotógrafa no conoció a Cammy, y el proyecto se desarrolló ocho años después de su muerte. Esto quiere decir que, para poder contar la historia, Laia Abril no tuvo otra opción que usar a quién y qué había quedado, refiriéndose a los miembros de la familia y los amigos que la sobrevivieron, así como los objetos y documentos que pudieran ser pertinentes a su historia.

Cualquier historia narrada fotográficamente es por esencia subjetiva. Es la visión y comprensión de una persona de una situación. Esta noción va un paso más allá en este caso por el hecho de que la autora no está traduciendo lo que experimentó de primera mano, pero está transmitiendo/traduciendo las experiencia de testigos de primera mano. Es esta multiplicidad de subjetividades la que da al proyecto su validez e impacto. Es porque la madre, el padre, los amigos, la tía, etc., cuentan sus propias historias acerca del último periodo de vida de Cammy, que el espectador logra entender la increíble complejidad de lo que es la bulimia y cómo puede afectar el microcosmos familiar. El libro deja al lector la responsabilidad de sacar sus propias conclusiones.“

The Epilogue está compuesto por tres capítulos , cada uno de ellos definido por una fecha. El primer capítulo se enfoca en como la vida de la familia Robinson se desarrolla años después de la muerte de Cammy. Es en el presente, con el hecho inconcebible de que la vida continúa. Regresamos a la definición de un epílogo, lo que sucede después de que la historia termina: si la historia de Cammy terminó, la de su familia continúa, a pesar de lo insoportable que resulte este hecho para ellos. Simples, tristes y hermosos retratos de los miembros de la familia le dan cuerpo a sus testimonios. Capítulo dos es un flash back en el tiempo y nos cuenta sobre el personaje principal de esta historia: Cammy. El título del capítulo es su cumpleaños. Por supuesto esta reconstrucción tiene cierta flexibilidad, lo que permite que diferentes tipos de contenidos se desplieguen juntos en el libro. Seguimos su vida desde sus primeros días hasta el muy difícil periodo de su preparatoria cuando tiene sobre peso y es algo como un paria, hasta sus años de universidad, donde su condición toma una forma diferente y pierde su peso y su salud, hasta su historia de amor final. El último capítulo de tres desplegables trata la muerte de Cammy. La complejidad del contenido es trasladado en una manera que es a la vez fácil de captar todavía muy atractiva (Oh las páginas doblemente dobladas!). Puesto de forma simple, el libro pide que se juegue con él, El diseño del libro, realizado por Laia Abril y Ramon Pez,  combina una formación de diferentes fuentes de materiales: entrevistas con la familia y amigos de Cammy (que permanecen los suficientemente cortos para no reprender al lector, pero suficientemente confrontantes para enfatizar las discrepancias de cómo cada personaje puede haber percibido ciertos momentos), imágenes antiguas y objetos (re fotografiados sobre un lienzo blanco como fondo) y fotos originales. Esta combinación de fuentes coloca al espectador en la posición de un detective que tiene que recrear una historia que sucedió hace mucho tiempo y que solamente puede ser reconstruida mediante estas piezas de evidencia: una pelota inflable desinflada, un historial médico, una carta de su hermano, fotos de fiestas, etc… “


Continúa el artículo: “Pez ha logrado exitosamente un juego similar al hacer encajar fuentes de diferente naturaleza en Ponte City, proyecto de Mikhael Subotzky y Patrick Waterhouse publicado en 2014 por Steidl. Todos los libros que se relacionan con la publicación del excelente Raised by wolves de Jim Goldberg publicado por Scalo en 1995. En esta narración sobre niños que viven en Los Ángeles y San Francisco después de huir de sus hogares, el autor mezcla de una forma similar objetos (retratados en el estudio), testimonios (orales y escritos), imágenes encontradas y fotos originales.

The Epilogue cuenta una historia mucho más simple que estos dos últimos ejemplos, la historia de una solitaria muchacha que se sentía diferente al resto de su familia, quizás inadecuada, quien pronto trasladó sus problemas emocionales en subir de peso (225 libras) hasta que balanceó sus atracones con purgas, que la redujeron a la mitad de su peso (120 libras) y la llevaron a una serie de ataques la corazón y convulsiones hasta que uno del que ya no se recuperó. Esta historia es específica y brutalmente honesta. Y al ser así, paradójicamente gana un eco bastante universal para la gente que puede estar enfrentándose a desórdenes alimenticios en su familia o círculo cercano de amigos.“

Continúa diciendo Laia Abril en esta entrevista: “Ramon Pez y yo empezamos un “equipo para hacer libros” en 2012, haciendo el diseño, la edición y producción de The Afronauts, seguido por Thinspiration fanzine y más recientemente Tediousphilia. También trabajé con él por casi 3 años en la revista COLORS, donde yo era una de las fotógrafas del equipo y asistente de edición de fotografía mientras él era el director de arte. Además de ser el director de arte, Pez tiene un amplio conocimientos de fotografía y narrativa visual, así que comprendió perfectamente la intención de esta historia.

Nuestro proceso de trabajo es bastante similar en cada proyecto: primero estudiamos y examinamos todo el material y encontramos una estructura narrativa que funcione para narrar la historia.


Después la documentación y la investigación es enorme para lograr encontrar los materiales y la forma del objeto, el cual nos va a permitir contar ese tipo de historia. Para esa parte del proceso también obtuvimos inspiración en los diarios, de álbumes genealógicos, de reportes sicológicos, documentos de investigación, una selección específica de películas norteamericanas de los 80´s buscando atmósferas geo-demográficas similares, canciones country, cualquier cosa que pudiera ayudarnos a sugerir al lector el tipo de entorno en el que la historia de Cammy se desenvolvía y hacer a la gente involucrarse con las diferentes emociones que la historia podría evocar en ellos.
 

El proceso de edición fue un elemento clave porque yo literalmente tenia cajas de sus cosas. Obviamente como fotógrafo quieres entrar en cada detalle, piensas que todo es esencial para hacer a la gente entender, pero esta es la parte más ardua de nuestro trabajo: explicar y hacer a la gente involucrarse todo lo posible con una cantidad mínima de información necesaria para dejar suficiente espacio a la propia interpretación de los lectores. Era importante tener un balance ente las historias de la familia de Cammy y su propio proceso de duelo, la correcta reconstrucción del tiempo de vida, todos los aspectos de la batalla de la bulimia, los diferentes factores desencadenantes… y todo ello sin aplicar mi opinión en el libro, dado que no soy nadie para juzgar. Pero al mismo tiempo, yo necesitaba sumergirme en los momentos más oscuros respetando la memoria familiar.
En términos puros de diseño (y por supuesto de narrativa visual) teníamos el gran reto con la composición del texto y la fotografía. El texto era esencial, pero de nuevo el ritmo del libro era muy importante, así que al final siempre era cosa de encontrar el balance adecuado entre el contenido y el flujo narrativa. Finalmente era esencial encontrar una traducción de la narrativa en el diseño y un excelente ejemplo de eso podría ser cómo logramos realzar los cuatro “momentos de ruptura” de la vida de Cammy (dos ataques al corazón y dos convulsiones) al “romper el libro” con cuatro despegables especiales que ayudan a parar al lector cuando lo necesitábamos.


El libro no hubiera sido posible sin la libertad, confianza y apoyo que tuvimos de Dewi Lewis desde el primer día; nos dejaba a cardo del diseño y la producción del libro. Estaba muy interesado desde el inicio después de solo ver unas cuantas imágenes y escuchar la historia. Unos meses después, le enseñamos una maqueta bastante avanzada. Durante los siguientes 6 a 8 meses trabajamos muy intensamente y nos reunimos con él un par de veces en Venecia para mostrarle la evolución y producción. Pero, como dije, nos dio 100% de libertad y confianza. También comprendió que el proyecto era una pieza de investigación/documentación, lo cual yo deseaba mantener como viable para accede a la mayor cantidad de gente posible. Fue solamente al estar en el proceso de impresión, que me di cuenta cuán rápido había sido todo el proceso. De la tomas fotográficas a la impresión, solo había pasado un año. La idea de este capítulo de mis series había estado en mi cabeza por dos años, la investigación tomó dos meses, pero el verdadero hacer el libro fue bastante rápido”.


Del artículo Book of the Week: A Pick by Baptiste Lignel en PHOTOEYE BLOG. 11 de noviembre, 2014


 

Mucho se ha escrito sobre el boom o fenómeno del fotolibro. Diversos foros, espacios, muestras, encuentros han surgido en diversos países, los festivales más importantes y consagrados a la fotografía cada vez dedican mayor espacio en sus programaciones para abordar las diversas áreas de producción y realización del fotolibro.

Carlswerk. The PhotoBookMuseum. Alemania, 2014

 

Con todos estos antecedentes era más que necesario que el fotolibro contara con un espacio permanente para su exhibición, difusión y análisis. El reconocido editor y especialista en fotolibros, Markus Schaden tuvo clara esta necesidad y después de muchos esfuerzos The Photobook Museum (PBM) es hoy una realidad. Gracias a una campaña de crowdfunding lanzada en Indiegogo en la que se recaudaron 27.080 euros, la fundación Schaden.com ha podido crear, en la ciudad de Colonia, este museo pionero, cuya función principal será la de mostrar al gran público la importancia del libro para los fotógrafos.

Que este espacio sea hoy una realidad se debe, en gran medida, a la dedicación y persistencia de Markus Schaden, quien cuenta con una importante trayectoria en la que se encuentra la creación de la legendaria editorial y librería Schaden.com, alrededor de 1995.

Desde este espacio, Schaden ha publicado más de 100 libros y ha participado en incontables festivales y ferias internacionales. Además, ha organizado más de 250 exposiciones, imparte clases y talleres regularmente y es profesor en la Academy of Media Arts de Colonia y en la Fachhochschule de Dortmund además ha sido jurado de varios certámenes internacionales sobre fotolibros.

Carlswerk. The PhotoBookMuseum. Alemania, 2014

 

The PhotoBook Museum, organización sin ánimo de lucro, pretende promover la cultura del fotolibro y la literatura visual. Es el primer museo del mundo centrado en la exposición de fotolibros desde un punto de vista comisarial.

Inaugurado coincidiendo con la conmemoración del 175 aniversario de la invención de la fotografía, The PhotoBook Museum pretende reivindicar a lo largo de sus 6.000 metros cuadrados el estatus del fotolibro como un medio artístico independiente y con identidad propia.

“A veces, un libro de fotos es una cosa compleja. Se diferencia del libro ilustrado que reúne una colección de fotografías, a través de su declaración artística. El editor no sólo determina la selección y el orden de las imágenes, sino que también determina el tamaño y la disposición. Igualmente importante es la combinación integral de la escritura, elementos gráficos, papel, y unir el sobre. Una vez impresa, la composición del libro de fotos es inmutable.”, señala Schaden.

Carlswerk. The PhotoBookMuseum. Alemania, 2014

 

The The PhotoBook Museum tiene como sede lo que fuera una antigua fábrica y en sus primeros meses exhibió el trabajo de grandes autores como Susan Meiselas o Todd Hido. The PhotoBook Museum contará además con una versión online que documentará esta exposición y servirá para que todo el que no pueda desplazarse a su espacio físico disfrute de las muestras desde su casa.

Otra de las grandes iniciativas de este espacio es la Cargo Edition, es una selección de exposiciones en contenedores industriales que itinerarán por distintas ciudades del mundo con el objetivo de promocionar el trabajo de The PhotoBook Museum. Y por último, la cuarta es el establecimiento de una sede fija para el museo.

Museo Móvil. ThePhotobookMuseum

 

The PhotoBook Museum supone la consagración definitiva del libro como forma de expresión artística y confirma su idoneidad como soporte para la fotografía.

Schaden está convencido de que los fotolibros son el esperanto visual de nuestro tiempo, pero está consciente de que es necesario instruir en este lenguaje al público para ampliar su alcance. Por este motivo, la función didáctica juega un papel fundamental en The PhotoBook Museum. Sus fundadores pretenden que este espacio sirva para enseñar a leer un fotolibro, desde un punto de vista formal y también en lo que respecta al contenido y a la función. Para ello, además de exposiciones, se han incluido en la programación talleres, charlas y conferencias que completan la oferta cultural y educativa.

La vocación del centro es convertirse en un laboratorio, un archivo, un lugar de estudio y de intercambio de información, un espacio donde hacer contactos y una sala para exposiciones y eventos dedicados al mundo del fotolibro.

Joan Fontcuberta.

Nacido el 24 de febrero de 1955 en Barcelona, Joan Fontcuberta recibió su primera cámara fotográfica en la infancia, sin embargo no empezó a utilizarla de manera seria hasta que comenzó sus estudios en Ciencias de la Información en Universidad Autónoma de Barcelona en 1972. En esos años combinó el estudio con un trabajo de periodista y publicista, actividad que ya se desarrollaba en su entorno familiar.

Al principio su trabajo combinaba la fotografía directa y la manipulada. El fotomontaje también fue un interesante vehículo para la experimentación visual. Conforme pasaron los años se desempeñó en múltiples actividades como editor, curador, arquitecto técnico, profesor, escritor, traductor, extra cinematográfico, vendedor, crítico gastronómico y un largo etcétera.

Además a través de sus trabajos es sencillo adivinar su afición a la botánica, la astronomía o la arqueología entre otras disciplinas. A pesar de tener un carácter reflexivo, Fontcuberta desarrolla su trabajo no en la fotografía documental pura, sino en la exploración de temas como la  verosimilitud de las imágenes y los dispositivos de transmisión de ideas.

Influido en gran medida por el ambiente político y cultural al que Francisco Franco sometió a España, Fontcuberta se sintió animado a imprimir en todo su trabajo un fuerte espíritu crítico:

“Viví 20 años bajo el régimen de Franco así que como toda mi generación padecí por la falta de transparencia y de documentos que ayudaran a reconstruir la historia”.

Su extensa obra fotográfica presenta una visión crítica de la realidad, de las verdades fotográficas, históricas o ficticias a través de la fotografía y su contexto. Sus proyectos se caracterizan por el uso de herramientas informáticas en su tratamiento y su presentación de manera interactiva con el espectador. En múltiples ocasiones ha abordado el concepto de la postfotografía, que nos confronta al reto de la gestión social y política de una nueva realidad hecha de imágenes. Sumidos en su producción masiva y apabullante, las imágenes abandonan su rol pasivo de mediadoras entre nosotras y el mundo y circulan con tal fuerza que desbordan su “habitación” y salen de su sitio (de su “quicio”). Entonces, sin sitio, sin lugar al que replegarse, quedan des-quiciadas y se vuelven furiosas.

Aparte de fotografías muchos de sus proyectos incorporan también instalaciones, foto-libros y material audiovisual complementario y en más de una ocasión, estos proyectos de presentan en colaboración con otras sedes de manera simultánea.

Durante su extensa carrera ha sido reconocido en distintas ocasiones con preseas como el premio David Octavious Hill por la Fotografisches Akademie GDL de Alemania en 1988, Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura en Francia en 1994, Premio Nacional de Fotografía, otorgado por el Ministerio de Cultura de España en 1998 y Premio Nacional de Ensayo en 2011.

“La fotografía de Fontcuberta es en sí misma acerca del trabajo de la fotografía y con cada serie reta la confianza de la audiencia en la veracidad del medio y su función como un sistema de representación.  Confrontando nuestras ansiedades acerca de ese sistema, las cuidadosas invenciones de Fontcuberta  están enlazadas con claves e inconsistencias-el propio fotógrafo aparece disfrazado como Hans von Kubert o Joan Fontana. Exponiendo los múltiples artificios posibles del medio fotográfico cuestiona porque la fotografía adquiere una seductora veracidad en el espectador”.-  Hasselblad Foundation

Acerca de Fontcuberta, su trabajo, sus medios y sus motivaciones se ha escrito mucho, en esta ocasión hemos seleccionado algunos de sus trabajos para compartir con nuestros lectores un vistazo a su labor:

 

 

Serie Herbarium,1984, 1.Guillumeta polymorpha 2.Flor miguera 3.Lavandula angustifolia

 

Herbarium, 1982

Este proyecto, uno de los más reconocidos al principio de su carrera, está compuesto por un tratado de botánica, donde el autor analiza, mediante la metodología convencional, una serie de hallazgos. Junto a la fotografía de cada planta especifica la localización, características generales, etc., combinando datos reales con otros inventados. Las plantasson, en palabras del autor “pseudoplantas: pequeños assemblages efímeros construidos con detritus industriales, piezas de plástico, huesos, pedazos de plantas o miembros de animales de muy diversa ralea que encontré deambulando en los entornos industriales del cinturón de Barcelona”.

 

 

Sputnik, 1997

La historia cuenta que Ivan Istochnikov fue un cosmonauta ruso que desapareció  en plena misión espacial a bordo del Soyuz2, en 1968. Como las autoridades soviéticas no eran capaces de explicar los hechos y no se podía perjudicar la imagen la URSS durante la carrera espacial, el astronauta fue borrado de la memoria colectiva: se le eliminó de las fotografías oficiales y su familia fue exiliada a Siberia.

 

Es cierto que en los registros de la URSS no aparece ningún Ivan Istochnicov y eso es porque nunca existió. Es una creación de Fontcuberta, que se introdujo en la historia espacial rusa modificando fotografías originales de la época para añadir al cosmonauta, que aparece recibiendo condecoraciones, visitando escuelas, acompañado de sus colegas ante el Kremlin o despidiéndose antes de embarcar en la Soyuz.

Entre los visitantes del CosmoCaixa de Barcelona, un museo de ciencia donde Sputnik se presentó, se  mezclan las reacciones: niños decepcionados cuando se les explica la verdad, personas sorprendidas por la vileza de los soviéticos, algunos enfadados con el museo por acoger una muestra que induce a equívoco e incluso otros que despiertan y se replantean lo que daban por seguro. “Estos últimos son mi público ideal, por ellos hago lo que hago”, reconoce Fontcuberta.

Sputnik reflexiona sobre la importancia de cuestionarlo todo, porque dice el autor: “si yo he podido conseguir esto sólo con una cámara, qué no podrá conseguir un gobierno con recursos ilimitados”.

 

Milagros  y Co., 2000

El monasterio ortodoxo de Valhamönde, en Karelia, región finlandesa que linda con Rusia, está formado por una pequeña comunidad monacal. A este secreto centro acuden candorosamente monjes de todas las religiones para aprender a hacer milagros.

Fontcuberta acude a este monasterio haciéndose pasar por un pope ortodoxo y durante un año recoge información para desenmascarar el fraude. El material resultante de la investigación, que él dice haber recopilado en el monasterio, junto con imágenes en las que él mismo aparece realizando diferentes milagros, conforman el proyecto.

En Milagros & Co. aparece con frecuencia Munkki Juhani, ataviado con una rasputina o barba ceremonial, en el interior y alrededores del monasterio, y sobre todo el testimonio personal de los milagros. La nómina de los milagros es amplia, algunos dramáticos y otros irónicos, como los milagros del trekking acuático, de la invisibilidad, de la ignición fatua, de Carroll Lewis, de la carne, de lacrimación sanguificada, de la pensamientografía, de la levitación, de la feminidad, de la cefalopodización.

Las imágenes se completan con una historia en la que se entremezclan la literatura, la leyenda y la realidad social, completando un conjunto de intensa belleza. Pero además, muestra el tema del incremento de algunas formas de ocultismo y de falsas manifestaciones de espiritualidad.

Como en otros trabajos, después de una detenida observación resulta claro que es Fontcuberta quien creo el relato de este monasterio inexistente en el que, con ayuda de la tecnología digital documenta sus milagros. Se trata de la ficción dentro de la ficción

El fotógrafo propone un estudio crítico y lúdico de la superstición. “Me interesan las plataformas institucionales que transmiten conocimientos desde la autoridad, la ciencia o el arte, con presentaciones científicas o parodias de museos de arte, con un contenido ideológico que actúa sobre nuestra percepción. La religión es una gran institución que interactúa con la verdad y capacidad sacralizada de las creencias”.

La serie es además un homenaje a la fotografía de espíritus y al lenguaje del cómic. Lleva a cabo con su obra una poética de lo esperpéntico, con una fuerte dimensión teatral. Es un trabajo en el que el artista a través  de documentos, fotografías, videos y objetos desdramatiza la fuerza irracional de los sentimientos religiosos, su mercantilización económica y su instrumentalización política.

 

Sirenes, 2000

Un gran reportaje hecho por encargo de la publicación de divulgación científica Scientific American presenta evidencia fotográfica documental acerca del sacerdote y geólogo Jean Fontana quien descubrió múltiples fósiles de “Hydropithecus” una especie desconocida de homínidos acuáticos en la reserva geológica de Haute Provencein al sur de Francia. Los Hydropithecus tenían un gran parecido a las sirenas de los cuentos fantásticos de nuestra infancia y el religioso tenía un gran parecido… a Joan Fontcuberta.

Poco después de que el proyecto se hiciera público, el autor recibió mensajes de profesores descontentos “Decían que ya era bastante difícil enseñar a los estudiantes cómo funciona la evolución sin que hubiera personas jugando con los antecedentes de los fósiles; para mí Sirens es una herramienta que nos ayuda a explicar la evolución, los maestros podrían impulsar a sus estudiantes a entender cómo construimos modelos para comprender la realidad”

 

 

Deconstructing Osama, 2007

En noviembre de 2006 Mohammed ben Kalish Ezab y Omar ben Salaad, dos fotoperiodistas de la agencia de noticias Al-zur en Qatar seguían el rastro del brazo armado de Al Qaeda el Dr. Fasqiyta Ul-Junat cuando descubrieron la verdad acerca de este oscuro personaje: en realidad es un actor y cantante llamado Manbaa Mokfhi quien regularmente participaba en telenovelas y era el rostro de la campaña de MeccaCola en Algeria y Marruecos. Después del descubrimiento de su identidad Mokfhi admitió haber sido contratado para actuar como terrorista. Su paradero actual es desconocido.

Deconstructing Osama se trata de un trabajo irónico, de parodia de situación, en el que el artista se disfraza de terrorista islámico, con barba e indumentaria árabe. Mediante la manipulación de videos y fotos procedentes de la cadena Al Yazira, el artista se introduce en ellos, uniendo su cara al cuerpo de Bin Laden. Mientras se escucha la voz del terrorista y aparecen los subtítulos en árabe recita en realidad el poema La canción del pirata, de Espronceda.

En palabras del artista: “Juego con la idea de que todos estos terroristas fueran en realidad actores contratados por servicios de inteligencia para representar a los villanos. Ésa es una idea que le ha pasado por la cabeza a mucha gente. Sencillamente parece imposible que ese mundo de la cueva en algún lugar de Afganistán, esos vídeos caseros, de estética tan doméstica, sea todo algo real. Resulta increíble que a unos tipos que tuvieron la capacidad tecnológica suficiente para montar y realizar el 11-S, la sofisticación y el dinero no les alcance para grabar unos vídeos como Dios manda”

 

¿Por qué elaborar estos fraudes tan elaborados?

La idea es confrontar a disciplinas que claman tener autoridad para representar lo real- la botánica, topología, cualquier discurso científico, incluso la religión. He elegido la fotografía porque es una metáfora del poder.

Joan Fontcuberta en entrevista con Stuart Jeffries, The Guardian.

The Gaia Hypotesis. Martín Bollati

 

“El foto-libro es un mutante. Aquí y allá. Mutante porque no tiene sus límites claros y porque está vivo y cambiando. Al menos así lo leo yo. Entiendo que es un momento muy rico y orgánico en el devenir de la creación de proyectos en este formato: hay una figura de libro por inventar y también un lector que aprende y enseña nuevas lecturas de este producto novedoso y viejo a la vez.”. – Martín Bollati

Martin Bollati nació en Buenos Aires en 1986. En 2012 recibió de EFTI su título de Master en Fotografía Conceptual a partir de la adjudicación de la XI Beca Roberto Villagraz. Actualmente vive y trabaja entre Buenos Aires y Madrid. Trabaja en la producción, edición y educación, vinculada al ámbito de las producciones visuales.

The Gaia Hypotesis. Martín Bollati

 

En el año 2015 la editorial Riot Books publica su primer libro de fotografía titulado A Kind of Loop. Ese mismo año participó en una serie de exposiciones colectivas: Secrets & Lies, JÄÄLPHOTO, Madrid; Divergentes, Sala Rigoberta Menchú, Madrid y Ficciones (duo con Christiane Peschek), Galería Matienschön, Buenos Aires. También fue elegido finalista en: The Vevey International Photography; Premio Nexo Iberoamericano; 1st Gomma Photography Grant y FotoPres La Caixa 20º Primera Edición, por su reciente proyecto La Forma Bruta y reelegido en la prestigiosa beca FotoPres La Caixa 20º Segunda Edición con su proyecto La Sonrisa de Monsanto.

Preguntas a la historia

 

Historia Diagonal es una breve colección de esculturas en su momento potencial y transitorio de lectura histórica. Un lapsus diagonal que antecede la caída, dando espacio a una nueva forma cultural que late, en simultáneo, entre lo que fue, lo que está siendo y lo que pasará a ser.

Diagonal History. Martín Bollati. 2017

Los golpes utilizados por los militantes de ISIS en la “destrucción” de las piezas arqueológicas del museo Mosul (Irak) reproducen en un movimiento distinto, pero de igual origen y consecuencia, aquellos objetivos de quienes las forjaron en el pasado: inscribir en la piedra un mensaje. Aunque ISIS hace mucho más. Porque toda destrucción activa, inevitablemente, tres mensajes: el de lo construido, previo a su destrucción; el de la destrucción misma; el de los restos. Toda estatua destruida, es en realidad, la construcción de varias estatuas. Ve el video aquí.

 

La forma Bruta. Martín Bollati. Cuadernos de la Kursala 2016

La forma bruta

 

Este trabajo mira hacia nuestros orígenes, investigando la representación a través del Museo. El proyecto relaciona objeto, dispositivo de exposición y el punto de vista de quien observa. Se trata de (re) imaginar la Historia a través de las imágenes, entendiendo que el presente lleva la marca de múltiples pasados y que nuestra historia tiene el poder de cambiar.

Trabajando en museos e interpretando los objetos dentro de una serie de metáforas perfectamente solipsistas, la obra plantea preguntas sobre los valores del lenguaje, la jerarquía cultural y el significado que atribuimos a la imagen dentro del museo. Empujando los límites de la percepción de estas imágenes, Bollati entra en un discurso propio con los objetos, jugando no sólo con su santidad, sino también el potencial para la iluminación espiritual a través de estos objetos. Él menciona a Aby Warburg en este proyecto, quien fue un pionero de la comprensión de cómo nos relacionamos con las imágenes en un nivel individual y casi místico. Su significado, de alguna manera arraigado dentro de nosotros mismos, insinúa lo que históricamente y quizás incluso se almacena genéticamente dentro de nuestros cuerpos y cómo percibimos el valor de la imagen historicizada dentro de este paradigma.

La forma Bruta. Martín Bollati. Cuadernos de la Kursala 2016

 

“Bollati es parte de una ola de fotógrafos que miran lo que estoy percibiendo como una práctica de “Nueva Museología” en la fotografía donde las preguntas de representación de objetos culturales son desafiadas con el lente de la cámara a través del discurso muy subjetivo con el artista controlando el nuevo Imagen y sus cualidades representativas”. – Brad Feuerhelm

A decir de Bollati, el movimiento primario que impulsó el proyecto fue liberar historias posibles guardadas latentes en piezas expuestas en museos. Una fe personal y la creencia en la necesidad de ampliar nuestra comprensión simbólica de objetos culturales. La masa de tiempo, los conceptos, la definición, la estructura, las connotaciones metafóricas políticas y religiosas pasan por cada pieza que vemos o leemos.  “Mi experiencia al encontrar obras en los museos era que yo me encontraba ahí, frente a ellas, y permanecían en su lugar, silenciosas; mientras yo, con la descripción proporcionada por el museo les construía un significado. Ellas se relacionaban conmigo con una sensación de volumen negativo, porque las atravesaba con mis propios significados de su producción y no tenían ninguna oportunidad de replicar. Quiero invertir este sentimiento, que las piezas puedan responder, defenderse”.-Martín Bollati  La Forma Bruta intenta humildemente agregar misterio e imaginación a la forma en que entendemos nuestro pasado.

 

La forma Bruta. Martín Bollati. Cuadernos de la Kursala 2016

 

Desde 2015 incursionó también en la edición de publicaciones, algunas propias:La Forma Bruta“, publicada por Cuadernos de la Kursalau y Love as a Forest (we imagined) Love as a Forest (we remember)“.

En 2016 comenzó a funcionar la editorial hispano-argentina Chaco en donde, junto a Verónica Fieiras, coedita y selecciona proyectos, cuyos libros Soft Touch y Muestrario fueron seleccionado finalista para Libro del Año en el festival Les Rencontres d’Arles, Edición 2016 y 2017. En Agosto de 2017 publica Fin del Mundo del fotógrafo argentino Nicolas Janowski en el cual participa de la conceptualización, edición y producción.

Este mismo año comienza también una colaboración con la plataforma educativa TURMA donde ejerce como tutor del Programa Turma Anual, Segundo Año. Este año está trabajando en la edición de su nuevo libro Los hijos del Neón, otro libro de su inédito proyecto La Hipótesis Gaia y en el desarrollo de su proyecto fotográfico Ruinas Sin Título. A su vez está trabajando en varios libros para la editorial CHACO.

 

Exposición: Fenómeno Fotolibro. Moritz Neumüller 2017

 

A propósito de la exposición Fenómeno Fotolibro, el más reciente proyecto organizado con gran éxito por Moritz Neumüller, este curador y docente señala: “El fenómeno de fotolibro es algo global, es gente que vive la fotografía a través del libro. Los fotógrafos se dan cuenta que colaborando con diseñadores, con editores, con curadoros, con escritores pueden hacer mucho más rico el contenido que quieren presentar.”

Cuando se le pregunta Moritz Neumüller sobre quién en el ámbito profesional dentro de la fotografía, principalmente en el campo del fotolibro, éste responde: “No soy un fotógrafo, así que no puedo ayudar a hacer mejores imágenes, técnicamente hablando. De lo que sí me siento confiado en hacer es en entrenar a los creadores de imágenes para que se conviertan en mejores artistas y cuenten historias que importan para evitar clichés y encontrar nuevas maneras de mostrarlas y, por qué no, cambiar el mundo en que vivimos y con ello desarrollar todo su potencial para sacar más partido a los temas que han elegido.”

Si bien es cierto que a su lista de cualidades se suma el de curador, docente y escritor, este austriaco establecido en Barcelona desde hace varios años, ha fincado una sobresaliente trayectoria en el ámbito de la fotografía y las nuevas tecnologías.

Arriba: From Where I Stand. Chocolate Factory
Izq:Dublin Camera Club Annual exhibition.
Der: Fergus. Inspirational Arts
Photoireland 2016

 

Para este Licenciado en Historia y Economía del Arte con un Doctorado interdisciplinario en Nuevos Medios de la Universidad de Viena, Moritz la fotografía siempre ha sido una prioridad profesional, lo que lo ha llevado colaborar en el Departamento de Fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (1999-2000) y supervisar varios proyectos internacionales de libros y exposiciones sobre fotografía.

Acostumbrado al trabajo colaborativo, Neumüller ha sido Consejero Curatorial de PhotoIreland en Dublín, director un programa de estudios denominado Maestro Europeo de Fotografía de Bellas Artes en Madrid, da clases en la Escuela IDEP de Barcelona, ​​realizando principalmente tutorías de proyectos para fotógrafos y desde 2010, dirige The Curator Ship, una plataforma para la fotografía y la cultura de la imagen, y un programa de accesibilidad para las artes llamado ArteConTacto.

New Irish Works. 2016 – 2017

 

El fotolibro ha sido también una arista importante dentro del quehacer profesional de Moritz Neumüller. Un ejemplo de ello es la exposición Fenómeno Fotolibro, que actualmente se presenta con gran éxito en España, en la cual se profundizaba en las nuevas perspectivas, importancia e impacto que ha tenido el fotolibro en la cultura visual de nuestro tiempo, trazando un recorrido desde sus inicios hasta la producción contemporánea.

La muestra cuenta con la participación nueve comisarios internacionales —Martin Parr, Gerry Badger, Markus Schaden, Frederic Lezmi, Horacio Fernández, Ryuichi Kaneko, Erik Kessels, Irene de Mendoza y Moritz Neumüller, este último en calidad de comisario ejecutivo— la muestra reúne siete secciones diferentes que dialogan entre sí para aproximar al público a lo que es un fotolibro desde ópticas muy diversas. También involucra a artistas, colectivos, editores, especialistas y libreros del ámbito internacional y local.

Organizada en siete apartados temáticos, la exposición arrancará con los mejores fotolibros según Martin Parr y seguirá con una selección de libros de denuncia y propaganda. El tercer apartado profundizará en New York, de William Klein, obra seminal de la historia del fotolibro. En “La biblioteca como museo” se entrelazarán libros y fotografías de tres pioneros en la reivindicación del fotolibro: Álvarez Bravo, Cualladó y Cartier-Bresson. El quinto apartado estará dedicado al fotolibro japonés y el sexto presentará una instalación de Erik Kessels. El último capítulo reunirá una colección de los mejores fotolibros de los años 2015 y 2016 y siete proyectos de siete artistas contemporáneos.

Promise. Mandy O’ Neill, 2013 – 2016. New Irish Works

 

Moritz Neumüller, es parte del grupo de especialistas que estará participando con talleres y foro de diálogo sobre edición dentro del programa de Hydra+Fotolibros 2017. Su taller se centrará en apoyar a los participantes en la reflexión sobre el contenido de su proyecto, ubicarlo en el contexto de la fotografía contemporánea, y que su realización en un fotolibro sea coherente y tenga la potencia que cada obra puede desarrollar.

 

Videos acerca del fenómeno fotolibro:

El catálogo de la exposición “Fenómeno Fotolibro”, una original publicación
https://www.youtube.com/watch?v=K2zSlISl4MM

Exposición Fenómeno Fotolibro, la cultura visual actual desde el fotolibro
https://www.youtube.com/watch?v=6bshaSUBGYM

Nota de prensa acerca del fenómeno fotolibro
http://www.hoyesarte.com/evento/2017/03/fenomeno-fotolibro/

Salitre. Juan Valbuena 2014. PHREE

 

“Hay proyectos de todo tipo, el orden cambia según las circunstancias, pero lo que con el tiempo hemos aprendido es intentar controlarlo todo siempre que sea posible, nos gusta ser los dueños de todas las decisiones: ¿QUÉ FOTOGRAFIAR? ¿CÓMO FOTOGRAFIAR? ¿CÓMO SER VISTO? y ¿DÓNDE SER VISTO?…”

Juan Valbuena es un autor, editor, docente y gestor de un perfil muy especial. Desarrolla una enorme y diversa variedad de actividades, pero todas tienen en común el cuestionamiento de la práctica fotográfica, la relación con el otro, la manera en que constuimos narrativas, las compartimos ya sea en imágenes, como en publicaciones, y el lugar que toma el autor en este escenario.

Nacido en Madrid (1973) es Licenciado en Física Teórica por la Universidad Autónoma de Madrid y Titulado CAP por la Universidad Complutense de Madrid.

Ha recibido la Beca Fotopres´01, la Beca-Residencia del Atelier de Visu en Marsella, la Ayuda Intermediae del Ayuntamiento de Madrid y la Ayuda a Proyectos Culturales de Impacto Social de la Fundación La Caixa.

 

Navigator. Juan Valbuena 2004 – 2010

 

Fue Premio Descubrimientos PHotoEspaña en 2001; en 2008 participó en el festival con la exposición No era aquí en la sede madrileña del Instituto Cervantes, y en 2010 presentó durante el certamen Juntos/Together, en la Fundación Antonio Pérez en Cuenca.

Ha desarrollado proyectos para entidades públicas y privadas como AECID, Amnistía Internacional, Ayuntamiento de Madrid, British Council, Casa Árabe, Consejo Nacional de las Artes de Chile, KPMG, Ministerio de Cultura, El País Semanal, Fnac, Fundación La Caixa, FGV, Fundación Telefónica, Instituto Cervantes, La Casa Encendida, La Fábrica, Nokia, TBWA España  y Público.

Es Coordinador del Master Internacional de Fotografía Contemporánea. Asesor Cultural en donde imparte los cursos de Fotoperiodismo y Reportaje y el Master Internacional de Fotografía Contemporánea y Gestión de Proyectos.

En 2005, junto con otros doce colegas fundó la agencia NOPHOTO, un colectivo de fotografía que nace para hacer viables proyectos individuales y colectivos no convencionales.

“Lo que hacemos en NOPHOTO es un formato híbrido. Generamos historias, imágenes metafóricas, recreaciones, fotografías artísticas… algo ligeramente diferente a la fotografía plenamente periodística”. (http://madrilanea.com/2013/04/02/juan-valbuena-o-como-ser-fotografo-sin-morirse-de-hambre/)

También es coordinador de PROYECTA (una iniciativa independiente que utiliza la proyección como forma de difusión de trabajos de jóvenes autores).

 

JUAN VALBUENA EDITOR: PHREE

 

The Pigs. Carlos Spottorno 2013. PHREE + RM

 

Además de su propia obra, Juan Valbuena se caracteriza por ser un incansable impulsor de iniciativas y proyectos colectivos. Entre ellos, está la creación de PHREE, una editorial especializada en fotografía documental, libros de viaje y álbumes familiares.

“La idea de PHREE es: fotografía documental, pero de proyectos personales. Proyectos basados en el mundo real, en los que los fotógrafos han hecho un esfuerzo de interpretación de tipo personal. No sólo nos enseñan lo que pasa, sino que están ahí dentro. Que veas que el fotógrafo domina un tema y ha hecho una aportación significativa al género.”

La mayoría de sus publicaciones abordan temas sociales, políticos, desde una postura crítica. Un ejemplo particularmente interesante es The Pigs de Carlos Spottorno, que aborda con una mirada extremadamente crítica e irónica la realidad de Portugal, Itala, Grecia y España en la actualidad.

Esta especialización y vocación de trabajar en la publicación le otorga a PHREE una excelente calidad en términos de producción y de comunicación y negociación con los autores para alcanzar un producto final que les deje satisfechos. En el otro lado, reconocen el reto que tiene como una editorial especializada en acercarse al gran público, no sólo a los especialistas del género y librar el gran obstáculo que en ocasiones implica lograr una producción de gran calidad a un precio accesible y además hace crecer el coleccionismo del fotolibro ofreciendo publicaciones cuyas imágenes, diseño e historias capturen al lector.

La editorial busca siempre nuevos modelos para pagar sus publicaciones, por ejemplo la reciente Nación rotonda, un interesante catálogo de glorietas absurdas, coronadas por tomates, jamones u otras aberraciones urbanísticas de cualquier rincón de la geografía español. Esta publicación encontró financiación inicial gracias al crowdfunding superando todas las expectativas. De los 18.000 € iniciales necesarios para poder editar 1.000 ejemplares del libro, finalmente han superado los 28.000 €.

 

DÚO: UNA PROPUESTA ORIGINAL

Carlos Luján + Juan Millás + Eduardo Nave + Juan Valbuena

 

DÚO es una publicación muy especial, que plantea preguntas al formato del periódico, al fotolibro, a la imagen documental, su relación con el texto, y a la forma en que todas ellas circulan y son consumidas por el público. Abordando generalmente contenidos sociales y políticos, DÚO propone el periódico como un formato que se transforma y abre nuevas posibilidades de trabajo colaborativo y de circulación.

En la página de PHREE DÚO es definido como: “Periódico monotemático de aparición imprevisible que explora y reivindica el formato reportaje desarrollado entre un escritor y un fotógrafo”.

 

Revista DÚO. 2014 – 2016

 

DÚO es un periódico que se entrega en blanco a un fotógrafo y a un editor para que despñlieguen en sus 48 páginas un reportaje realizado por ambos sobre un mismo tema. Nos interesa el ejercicio periodístico entendido como una actividad no solo informativa y documental, sino también expresiva y creativa”.

 

DÚO 05. Sobre la Ley Mordaza. Daniel Mayrit & Ignacio Trillo. 2016

 

Los diferentes números de DÚO abordan temas como La ley mordaza en España, el último cine X de la ciudad, la historia de la inmigración en las fronteras de Ceuta y Melilla, los 10 años pasados desde los atentados M-11 en Madrid, los accidentes de tráfico y sus consecuencias.

DÚO pone en cuestión los medios de comunicación actuales, aprovechando un soporte antiguo genera una nuevos contenidos. es como un periódico vacío para volverlo a llenar de otra manera”.

 

DÚO 05. Sobre la Ley Mordaza. Daniel Mayrit & Ignacio Trillo. 2016

 

“Hemos elegido el formato periódico por una parte porque nos parece que es el formato natural para desarrollar un reportaje y sus amplias dimensiones permiten un despliegue muy grande a nivel de textos, a nivel de imagen.”

DÚO 02. Sobre los accidentes de tráfico. Pablo Chacón & Isabel Navarro. 2014

 

DÚO se restringe a tirajes cortos, lo cual es un contrasentido. La dea del antiperiódico queda reforzada con estos elementos. Un periódico para minorías.

Al igual que cualquier periódico, DÚO se imprime por las noches, en la misma rotativa, con las mismas máquinas, con el mismo papel y la misma tinta.”

Te invitamos a ver el video sobre DÚO en http://nophoto.org/duo-01

DÚO. Sobre el último cine X. Laura Brito & Sara Martínez. 2015

Las distintas publicaciones en PHREE están divididas en categorías:

Ary, Libros de foto documental contemporánea: donde se encuentran publicaciones como Nación rotonda, Salitre y Wealth management: WTF Bank.

PHfriends, libros de amigos: La grieta y Discordia

DÚO periódico hecho por un escritor y un fotógrafo que ya ha publicado seis números.

ALBUM, Albumes familiares: ¿Quién te tuvo?, Me acuerdo y Nosotros.

Away, Libros de viaje que ha publicado Península, V. y Noray.

OPH, es la división dentro de Phree de libros por encargo: Vecinas y Aquellos que Esperan.

Su trabajo como editor en Phree, le ayuda a enfatizar su propio trabajo como fotógrafo encargado de sus propias publicaciones:

“Es normal que no se nos dé bien gestionar lo que hacemos… hay toda una colección de vínculos emocionales e inercias autorales con nuestras propias imágenes, es lo que alguna gente llama CONTRAFOTO, que son como unos metadatos que ha metido uno mismo y que sólo puede leer uno mismo… por eso es mucho más fácil editar el trabajo de los demás… yo me sigo empeñando en editarme a mí mismo, pero tengo un truco: nunca edito el trabajo que estoy fotografiando y dejo pasar mucho tiempo desde que paro de hacer fotos hasta que publico el libro, soy lento y eso me viene bien: es como si editara a otro, al fotógrafo que ya fui, no al que soy…”

 

Valbuena fotógrafo, inseparable del Valbuena editor

 

En algún lugar en La Mancha. Juan Valbuena. Proyecto en progreso

 

“Parece que el devenir de los tiempos ha hecho que lo contrario de profesional no sea amateur, sino personal. Y llega la hora de la verdad: ya no hace falta traer imágenes de los grandes acontecimientos porque para eso ya está la televisión y las grandes agencias, y tampoco merece la pena gastar el tiempo en fotografiar lo pequeño y lo individual porque ahora cualquiera lleva una cámara encima todo el tiempo.

Es por tanto, el momento de fotografiar lo que uno, únicamente uno, puede fotografiar y hacerlo de la manera que uno, únicamente uno, crea mejor”

Sus proyectos tienen que ver con el viaje, el territorio y la memoria y conviven con otras disciplinas como la edición, el video y la literatura. En estos momentos está especialmente interesado en contar historias sobre la relación entre el ser humano y la fotografía.

Concluyó su trabajo sobre La Ancha Frontera (1999-2009) con el libro de viajes Noray (2012), un recorrido de más de diez años por esa ancha frontera que es el Mar Mediterráneo. Un lugar con una identidad tan fuerte que se ha convertido en un continente intermedio, un espacio que asume siglos de cruce donde se cuentan miles de historias.

Otro de sus proyectos más reconocidos es Salitre, que aborda el tema de la inmigración contada por 12 migrantes senegaleses. Valbuena nos lleva al interior de un pequeño apartamento de Madrid donde se superponen una densidad de historias vividas y soñadas por estas doce personas que habitaron en esta casa-patera de la calle Salitre en Lavapiés desde el 2007 hasta el 2012 cuando se les obligó a abandonarla.

Se trata de una invitación al viaje, a ese mismo que les llevó lejos de sus casas, al de sus aspiraciones y de sus vidas en Madrid pero también un viaje para interrogarse sobre los usos de la fotografía.

Cuando le es concedida una beca para realizar este proyecto, Juan Valbuena decide que cada uno de los participantes debe contar su propia historia, en vez de ser él el autor único del libro. Así, cada uno de los 12 inmigrantes realiza su propio libro, que juntos en una cuidada caja, cuentan una historia desde 13 puntos de vista diversos.

Es esta forma de trabajo honesta, que conduce a más preguntas que respuestas, la que caracteriza a Juan Valbuena.

 

Todas direcciones. Varios Autores 2014

 

El último verano (2012)

Este blog y video que más tarde se convirtió en publicación se desarrolló con NOPHOTO, como respuesta a las distintas medidas de austeridad que el gobierno español puso en marcha en el verano de 2012. El grupo se dedicó a documentar detalladamente “el último verano” que pensaron que podrían ver; dada la precariedad económica, las protestas sociales y la desalentador apercepción que tenían los españoles de su propia democracia. Las publicaciones del blog (que provenían del trabajo de los distintos miembros del colectivo) estuvieron activas entre los meses de julio y septiembre. También incluyeron videos, concebidos como minidocumentales que incluían recorridos y conversaciones con lugareños de localidades como Cádiz, Tanger y Orán.

 

 

El último verano concluyó como un libro de 72 páginas (los días transcurridos en el blog) y que se presentaba por capas, avanzando del amanecer al anochecer, de lo claro a lo oscuro. “Empieza luminoso, pero la cosa se empieza a torcer. Empiezas a ver cosas raras, barcos torcidos, peces decapitados… pues eso, que empiezas bien, pero por la noche el mismo callejón está lleno de malos. Es un viaje que se va tornándose oscuro, oscuro. Un poco como bucear a pulmón. Se coge aire al principio y se va hacia abajo, y cada vez con menos aire.”

Al mismo tiempo el proyecto se conformó también como una exhibición que se inauguró el 28 de septiembre en el Palacio de Cibeles Centro Centro de Madrid con la llegada del otoño.

 

Juan Valbuena participa en el Programa HYDRA + FOTOLIBROS impartiendo dos talleres: uno en el contexto de INCUBADORA DE FOTOLIBROS y otro para un segundo grupo.

Manda tu aplicación para INCUBADORA DE FOTOLIBROS o para solicitar BECAS y DESCUENTOS HASTA EL 2 DE JUNIO. Si te inscribes a más de un taller hasta esa fecha recibirás descuentos. Además, puedes aplicar a una de las 14 medias becas que te ofrecemos: 2 en Incubadora y 12 en los talleres.

 

 

Choli Cholie, Walter Pfeiffer, RVB Books

 

Cuando los proyectos fotográficos no tienen oportunidad de llegar hasta el público a través de una muestra en museo o galería, o cuando desde su origen no son concebidos como un despliegue en muros blancos, el fotolibro se convierte en una opción narrativa y de amplia exploración que asegura la supervivencia del proyecto. Hasta este punto todo bien, sin embargo el esfuerzo que es lograr la edición de un libro cuyo diseño, calidad de impresión y tiraje alcance los sueños de sus autores, diseñadores y gestores culturales a veces parece inalcanzable.

Circunstancias como estas han orillado (afortunadamente) a la búsqueda de nuevos caminos que hagan posible estos proyectos: la auto publicación y los tirajes cortos con editoriales que se involucran verdaderamente con los artistas y generan estrategias más orgánicas de distribución nos brindan ahora posibilidad de conocer y llevar a nuestra casa las propuestas de múltiples artistas de casi todo el mundo.

SU HISTORIA

La  escena francesa de hace casi una década tenía los mismos problemas, el interés por lograr la publicación de libros de arte únicos unió a Mathieu Charon, con experiencia en ediciones de Leo Scheer; así como en distintas publicaciones monográficas de autores como Jean-Christian Bourcart y Claude Leveque; y a Rémi Faucheux cuya dirección de arte en el proyecto Clinic 8- que incluía trabajo de Oivier Amsellem Constant Anee, Eric Baudelaire, Geoffroy de Boismenu, Christophe Bourguedieu, Jacqueline Hassink, Albrecht Kunkel, Ville Lenkkeri, Matthew Monteith, Mario Palmieri, Stefan Ruiz y Useful Photography (Hans Aarsman, Claudie de Cleen, Julian Germain, Erik Kessels, Hans van der Meer) fue transformándose de exhibición a publicación.

2010 fue el año en que se encontraron y en el  2011 vio la publicación de sus primeros volúmenes. Su decisión de crear libros de arte únicos, en concordancia con los estándares de reproducción de color y calidad de imagen que los artistas persiguen, los ha hecho crecer sin parar.

Anthill(meteorites), Agustín Rebetez, RVB Books

 

 SU ESTILO

A decir de Faucheux en entrevista con The Steidz, el crecimiento de RVB Books fue posible gracias a múltiples intercambios con artistas internacionales, además del constante interés que tiene la editorial por dar cabida y difusión a las propuestas de artistas emergentes y otros que no formaban parte del panorama institucional de Francia. Por otro lado, se interesaron también por brindar apoyo al trabajo fotográfico autoral y experimental, cuyos espacios consideraban menoscabados a favor de la fotografía documental.

En la misma charla, Charon define su sistema de trabajo como una colaboración constante en donde el diálogo e intercambio de ideas y propuestas entre la editorial y el artista son proceso obligado antes de llegar a la impresión.

2013 fue un año importante para la editorial, en Octubre, durante la Frankfurter Buchmesse, la mayor feria comercial de libros del mundo, Faucheux fue invitado en compañía de Jane Hyne, Directora de producción de la National Gallery Company y Francis Atterbury socio de Hurtwood Press a la mesa de especialistas La Belleza del Libro.

Out of Order Bad Display, Penelope Umbrico, RVB Books

En esta ocasión, el cofundador de RVB Books compartió con los asistentes y medios de comunicación cómo el trabajo conjunto no sólo con artistas sino con gigantes de la industria como HP les había permitido crecer y consolidar la editorial con esquemas que les permitían publicar fotolibros con excelente calidad de impresión en mucho menos tiempo y con menores riesgos de inversión para la editorial.

Lo mejor estaba por venir. Un mes después, el fotolibro Karma, de Óscar Monzón, recibió el First Photobook Award  otorgado por Paris Photo y Aperture Foundation, premio que trae consigo un apoyo monetario con valor de 10,000 dls y el innegable reconocimiento de sus pares. Posteriormente RVB Books y Archive of Modern Conflict fueron reconocidos con el Premio al mejor Fotolibro PhotoEspaña 2015 por el fotolibro Illustrated People de Thomas Mailaender, siendo en esa ocasión Ana Casas Broda miembro del jurado de este premio. Y finalmente ese mismo año Illustrated People recibió también el Paris Photo Aperture Foundation Photobook Award de 2015.

Illustrated People, Thomas Mailaender, RVB

 

BUSCANDO NUEVOS PROYECTOS

 El equipo de RVB Books permanece en búsqueda de nuevos artistas y nuevos proyectos. Este mismo año, durante el mes de marzo, presentó el taller Self-Publishing and Independent Publishing: From A Body Of Work To The Right Book (Autopublicación y publicación independiente: desde un cuerpo de obra hasta el libro correcto), cuyo objetivo principal era informar a los autores acerca del fotolibro como un vehículo ideal para sus proyectos, pero también mostrarle todos los procesos artísticos, técnicos y de mercado que implican. Este taller tuvo un convocatoria a todo el público y fue gratuito.

INTERESANTES RESULTADOS

A la fecha, su esquema de creación conjunta y sus distintas estrategias de financiación, alianzas de producción y distribución han llevado a RVB Books a la publicación de 54 títulos, cuyos tirajes oscilan entre los 250 y 750 ejemplares. Entre ellos destacan, junto a sus títulos galardonados, objetos sorprendentes como Entrar en la pirámide de Olivier Cablat o Sans Titre, M. Bertillon de Stéphanie Solinas cuyas páginas permiten reconstruir la cara en 3D del inventor de la foto antropométrica.

 

Sans Titre, M. Bertillon, Stéphanie Solinas, RVB Books

 

ALGUNAS OTRAS PUBLICACIONES DE RVB BOOKS SON:

Choli Cholie, Walter Pfeiffer

El mundialmente reconocido fotógrafo suizo Walter Pfeiffer aceptó la invitación de ECAL (Escuela Cantonal de Arte y Diseño de Lausana) para hacerse cargo de su taller en el periodo 2014-2015 y sin embargo durante el taller no necesariamente se dedicó a enseñar a los alumnos alguna técnica de producción en particular o los impulso al desarrollo de conceptos específicos, lo que hizo fue invitarles a tomar posesión de su mundo ofreciéndoles pistas, sugerencias pero sin declarar una meta final específica. Choli Cholie es el resultado de ese viaje, una interesante recopilación de referencias y homenajes a la obra de Pfeiffer.

Choli Cholie, Walter Pfeirffer, RVB Books

 

Unfinished father, Erik Kessels

En 2014, el padre de Erik Kessels sufrió un derrame cerebral que lo dejó casi incapaz de hablar o moverse, circunstancia que lo obligó a dejar inconclusa la restauración uno de cinco autos Fiat 500, popularmente conocidos como topolino. Tras el cambio tan radical y sorpresivo en la vida de su padre, llena de actividad y proyectos bien planeados y concluidos, Kessels se dedicó a reunir la documentación fotográfica que su padre hizo para la restauración del topolino inconcluso y generó también su propia documentación del despliegue del trabajo de un hombre que como el auto quedara siempre incompleto.

Unfinished Father, Erik Kessels, RVB Books

 

The house that burns every day, Marina de Gadonneix

Fotografiando las habitaciones de la construcción de una casa ficticia que utiliza un cuerpo de bomberos durante su preparación para compartir incendios, Marina Gadonneix recolecta ficciones entre las ruinas artificiales donde el fuego ha dejado marcas de su paso. El resultado es una muestra de la compleja relación entre lo documental y la ficción a través de imágenes.

The House That Burns Every Day, Marina de Gadonneix, RVB Books

 

Pixel stress, Anouk Kruithof

El 18 de abril de 2013, Anouk Kruithof y dos asistentes fueron a Wall Street en la ciudad de Nueva York y construyeron una instalación temporal de 14 impresiones enmarcadas de diferentes tamaños en el borde del pavimento de la ciudad. Kruithof pidió a las personas involucradas si les gustaría comprar una impresión, tanto como un gesto comercial y condenándolo a la escasez de los habitantes de la ciudad. Ella vendió 8 de los 14 impresiones, compradas por 7 participantes cuando un día lluvioso evitó mayores esfuerzos. A Kruithof no se le permite realizar transacciones monetarias, por lo que una vez que un participante le proponía un precio por una impresión, ella se las entregaba de forma gratuita, creando así una venta imaginaria.

Pixel Stress, Anouk Kruithof, RVB Books

Hydra + Fotografía es la única distribuidora de las publicaciones de RVB Books en la Ciudad de México, conoce nuestro catálogo completo en nuestra libreria

Archive of Modern Conflict (AMC) es una organización y editorial independiente con sede en Londres, Reino Unido. Se inició en los inicios de los años 90´s y mantiene un archivo de material fotográfico vernáculo relacionado a la historia de la guerra, principalmente fotografías, pero también manuscritos y objetos. Este material abarca los siglos XIX y XX y ha sido adquirido de una variedad de fuentes tanto nacionales como internacionales. Han publicado numerosos libros, algunos de los cuales han ganado importantes premios, han presentado curadurías de exposiciones a partir de su archivo en todo el mundo, y han invitado a varios artistas a colaborar haciendo curadurías y ediciones con el material de su colección.  

El archivo contiene principalmente fotografías de los siglos XIX y XX, nacionales e internacionales, que suman un total de cerca de 4 millones de fotografías profesionales y amateur; instantáneas y descartes, fotos anónimas, que cruzan eras y tiempos, medios y materiales; álbumes personales desechados, fotos de prensa y archivos personales completos de instituciones y publicaciones abandonados. También contiene álbumes, tarjetas postales, posters y objetos. Este material viene de una variedad de fuentes que incluyen subastas, ferias y mercadillos.

El archivo principal de Archive of Modern Conflict está en Holland Park, Londres, pero también tiene archivos en Toronto, Canadá; y en Beijing, China a través de Thomas Sauvin. Su colección ha sido descrita como “ecléctica y muchas veces subversiva” y “que contiene un rango excéntrico de fotografías”.

Los libros de Archive of Modern Conflict han ganado y sido seleccionados en numerosos premios incluyendo Deutsche Börse Photography Prize (2014, 2013, 2010), Rencontre d’Arles Historical Book Prize (2014, 2009, 2008), PHotoEspana Best Photography Book Prize (2014), Paris Photo Aperture Foundation Photobook Award (2013), Kassel Festival Best Photobook (2013), Dali International Photography Festival Best Book Award (2011) y el New York Photo Fair Awards (2008).

ALGUNAS DE SUS PUBLICACIONES

Archive of Modern Conflict número 11: una guía para la protección del público en tiempos de paz.
Publicado en noviembre 2014 el cual fue seleccionado para el catálogo del año de Aperture de Paris Photo 2015.

Publicado para coincidir con la contribución de Archive of Modern Conflict para la exposición: Conflicto. Tiempo, Fotografía, en Tate Modern, Londres, el número 11 de Amc2 presenta los paisajes de la Guerra por aquellos que han sido cooptados, quebrados, desplazados, marchitados, conmocionados, sorprendidos, emocionados, corrompidos y desbalanceados por este proceso. Explora la psique del conflicto desde el tribalismo primario con pintura y plumas, por los caballeros guerreros hasta el clínico cientificismo de disparadores y conmutadores. Las fotografías incluyen nombres de amas de casa tanto como muchas de las personas olvidados que capturaron instantáneas de momentos a la zona de la discordia.

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The Whale’s Eyelash: A Play in Five, de Timothy Prus.
El gran salto tecnológico que tuvo lugar en el siglo XIX en cuanto a sistemas de lentes ópticos, como el microscopio significó que en la segunda mitad del siglo, la exploración del microcosmos fuera una actividad común en la comunidad científica. Las personas a menudo se interesaban en un área o tema en particular y eran capaces de aumentar considerablemente el conocimiento ya existente sobre un tema. Y aún mucho más que esto, se abrieron otro universo y otra dimensión para soñar y viajar.


Timothy Prus
ha editado algunas de estas exploraciones históricas integrándolas como un obra teatral –una obra que se desarrolla a través de una serie de portaobjetos de microscopio del siglo XIX. Cada diapositiva contiene un momento dramático específico, y juntos cuentan una historia acerca de lo que sucede entre la aparición de la humanidad y su extinción.


• Seleccionado por Photo-Eye como uno de los Mejores Fotolibros de 2014
• Elegido por Teun van der Heijden y Azu Nwagbogu el Fotolibro de 2014 por Vogue Italia
• Nominado por Les Rencontres d”Arles Author Book Award 2015

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Silvermine, editado por Thomas Sauvin.

• Nominado para el Mejor Fotolibro 2013 en el 6th International Fotobook Festival, Kassel.
• Nominado para el Paris Photo Aperture Foundation First Photobook Award 2013.
• Nominado para el premio Deutsche Börse Photography 2014
• Elegido por Martin Parr como el mejor Fotolibro del año para el British Journal of Photography
• Seleccionado por Tim Clark como uno de los mejores fotlolibros de 2013
• Elegido por Matthew Carson para ICP como uno de los mejores fotolibros de 2013
• Seleccionado como uno de los mejores fotolibros de Photo-Eye de 2013

Silvermine es un set de cinco álbumes que en cada tomo contiene 20 impresiones. Los negativos fueron salvados de una planta recicladora de las afueras de Beijing, donde fueron enviados para ser filtrados para recuperar su contenido de nitrato de plata. Entre 2009 y 2013 el coleccionista Thomas Sauvin, radicado en Beijing, archivó y editó más de medio millón de negativos destinados a ser destruidos.

Los álbumes de Silvernime ofrecen un retrato único de la capital china y sus habitantes, cubriendo un periodo de 20 años – desde 1985, cuando la película de plata/gelatina se hizo común en China, hasta 2005 cuando la fotografía digital la sustituyó. En estas instantáneas de recuerdo, capturadas por gente común en China, nos convertimos en testigos privilegiados del nacimiento de la China post-socialista.

Cada álbum se concentra en un tema diferente:

• Álbum azul: Televisores y refrigeradores
• Álbum verde: Uno y dos

• Álbum naranja: Marilyn y Ronald
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Álbum rosa: Fiestas y travestis 
• Álbum amarillo: Ocio y trabajo

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Illustred People, editado por Thomas Mailaender es la traslación en forma de libro del performance de Thomas Mailaender. Aplica a la piel de los modelos  23 negativos originales seleccionados del Archivo de la colección de Modern Conflict antes de proyectar una lámpara de UV de gran alcance sobre ellos, lo que revela una imagen fugaz en la superficie de la piel. Maileander luego fotografía a cada uno de sus modelos antes de que el sol haga que la imagen desaparezca  El libro comprende los disparos resultantes combinados con una serie de documentos fotográficos que se encuentran en la colección del AMC.
 

Esta publicación fue nominado entre los mejores fotolibros en ParisPhoto 2015 y obtuvo el Premio al mejor Fotolibro Internacional del festival Photoespaña 2015, donde Ana Casas Broda participó como miembro del jurado.

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Holy Bible de Oliver Chanarin y Adam Broomberg. “Desde el principio, casi cada aparición que él hizo era catastrófica… Catástrofe es su medio de operación, y su instrumento central de gobernanza”

Adi Ophir
La violencia, la calamidad y la absurdidad de guerra son registradas extensamente dentro del Archivo de Conflicto Moderno, la colección fotográfica más grande de su clase en el mundo. Para su trabajo más reciente, Holy Bible, Adán Broomberg y Oliver Chanarin exploraron este archivo en base al principio central del filósofo Adi Ophir: l Dios se revela predominantemente por medio de la catástrofe y aquellas estructuras de poder dentro de la Biblia tienen correlación con aquellos dentro de los sistemas modernos de gobierno.

El formato de la Santa Biblia ilustrada de Broomberg y Chanarin imita tanto la estructura exacta, como la forma física de la versión del Rey James de la Biblia. Al permitir que los elementos del texto original dirigieran su selección de imágenes, los artistas exploraron los temas de autoría, y los criterios tácitos para mostrar de forma aceptable los conflictos modernos.

Inspirado en parte por las anotaciones e imágenes que Bertolt Brecht añadió a su propia Biblia personal, la publicación de Broomberg y Chanarin cuestionan los clichés que están en juego en la representación visual de conflicto.

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Talking to Ants, de Stephen Gill.

Las fotografías de esta serie fueron realizadas entre 2009 y 2013 al Este de Londres. Muestran objetos y criaturas que provienen de los alrededores de la zona y fueron colocados ante el objetivo de mi cámara.
 

Esperaba que este método ayudara el espíritu del lugar a colarse en las imágenes y ser encapsulado en la emulsión de la película, como si fueran objetos incrustados en ámbar. Mi meta era evocar la sensación que transmite esta zona de la ciudad, y a la vez describirla como un tema, que está a la vez delante como detrás de la lente de la cámara.

Me gusta pensar en estas fotografías como fotogramas formados en la misma cámara, donde el conflicto o armonía se construyen al azar en la imagen final, dependiendo de donde cayeron los objetos.

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Best Before End, de Stephen Gill.

El cansancio de verdad puede matar – Este trabajo es un intento de reflejar y responder a la intensidad de la vida interior de la ciudad, centrándose en el aumento fenomenal de las bebidas energéticas. Estos estimulantes potentes y potencialmente peligrosas se venden y se consumen en cantidades cada vez mayores como las exigencias de la vida moderna y el crecimiento de una sociedad de 24 horas, casi nos impiden llegar a estar cansado.


EXPOSICIONES

Aunque las contribuciones en el campo del fotolibro han sido de gran importancia, las exposiciones en las que ha participado también han jugado en papel clave en la consolidación y difusión de su archivo. Entre las muestras más importantes destacan:

•  Collected Shadows, Museum of Contemporary Canadian Art, Toronto en junio del 2013 curada por Timothy Prus.

•  The Great Refusal: Protesting 1948-1984, Hayward Gallery, en Londres también en 2013.

• Amore e Piombo: The Photography of Extremes in 1970s Italy, Brighton Museum & Art Gallery, en 2014.

• A Guide for the Protection of the Public in Peacetime, part of Conflict, Time, Photography, en la Tate Modernde London de  Noviembre de 2014 a marzo de 2015.