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(Español) Self Publish, Be Happy y la felicidad de autoeditar

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Fundada en mayo de 2010 por Bruno Ceschel Self Publish, Be Happy, surgió como una iniciativa que centraría su esfuerzos en promover la autoedición de libros de fotografía y con la intención de posicionar esta alternativa como un camino viable y exitoso para mostrar propuestas innovadoras que utilizan el fotolibro como soporte. A pesar de sus actividades en publicaciones, la curaduría de exposiciones y eventos, así como la educación han ayudado a apoyar y promover la cultura fotográfica en el mundo.

Poco después del colapso financiero en el Reino Unido, en un tiempo en el que la revolución digital realmente estaba expandiéndose, se volvió claro para Bruno Ceschel que la industria tradicional de publicación en la que venía trabajando no duraría. Buscando respuestas, encontró una comunidad internacional de artistas jóvenes que estaban haciendo libros y fancines de fotografía que rompían con todos los esquemas. Una nueva cultura visual estaba emergiendo y necesitaba de una plataforma con la que la gente pudiera relacionarse: así que fundó Self Publish, Be Happy.

A pesar de contar con pocos años en el escenario fotográfico internacional Self Publish, Be Happy rápidamente se posicionó como el colectivo inglés dedicado a esta actividad con mayor presencia y prestigio a nivel internacional alcanzando ya casi 2 mil fotoensayos autoeditados.

Dalston Anatomy, Lorenzo Vitturi, SPBH, 2014.

Caracterizándose por abordar temas novedosos, tanto en su forma como contenido, los libros de SPBH también se distinguen por la combinación entre texto e imagen. Muchos de ellos han sido nominados a los más importantes premios internacionales en los últimos años. Te presentamos algunos de ellos en esta nota.

 

© Publicaciones, Self Publish, Be Happy

A lo largo de los años, Self Publish, Be Happy ha creado y apoyado una red de fotógrados emergentes en todo el mundo, acumuló una enorme cantidad de seguidores, compartidos con instituciones de gran trayectoria como Tate Modern, Foam y Aperture, y expandiendo su espectro para abarcar una cultura visual en constante cambio. Ahora contiene un sello editorial, una librería de más de 3,000 fotolibros autopublicados, un programa educativo y un estudio creativo experimental para dirigir y producir eventos sobre contenidos del estado del arte visual actual.

 

 Una librería de más de 4,000 libros autopublicados

 

 

Desde una convocatoria abierta en 2010, ha creado una librería que incluye más de 4,000 fotolibros y fancines autopublicados de fotógrafos de todo elmundo, y se han convertido en una fuente clave para académicos, investigadores y cualquiera interesado en fotografía contemporánea y cultura visual. Continúa abierta a envíos y cualquiera puede enviarles su libro.

 

El manifiesto
Bruno Ceschel

 

Manifiesto, Bruno Ceschel, Aperture y SPBH

Con motivo de su quinto aniversario, en 2015 Self Publish, Be Happy editó un manual y un manifiesto dirigido a todo aquellos que buscan que tienen ganas de mostrar al mundo su trabajo y que no siempre pueden acceder a las grandes editoriales. Un caso de éxito de esta dinámica de trabajo es el que protagoniza la española Cristina De Middel quien con los primeros ejemplares de su libro Los Afronautas alcanzó a cotizarlos en casi mil 500 euros. Libro autoeditado y creado en colaboración entre Cristina de Middel, Ramon Pez y Laia Abril, este libro se ha convertido en uno de los más conocidos fotolibros de los últimos años.

“Un ejército de fotógrafos que actúan como editores ha tenido un papel fundamental en el renacimiento actual del fotolibro”, dicen desde el colectivo inglés Self Publish, Be Happy, una plataforma de ayuda para quienes se animen con el hazlo tú mismo y opten por eliminar intermediarios en el trámite de la publicación.

Ceschel advierte, en relación al manual y manifiesto lanzado el año pasado, que no se trata de un “grandes éxitos”, sino de “‘una llamada a las armas, a la acción, y una lista de recursos”, para que los fotógrafos manejen por sí mismos la edición, difusión y venta de sus obras.

El manifiesto ofrece consejos y tutoriales para el fotógrafo interesado en la auto-publicación. Se añade una encuesta entre autores que han autopublicado con éxito —entre ellos De Middel— que aporta una visión general del panorama contemporáneo de la autoedición de fotolibros en un momento en que ya se habla de una edad de oro, dado que las obras de este tipo “nunca antes habían sido omnipresentes en nuestro paisaje cultural”.

También se incluye los procesos de 75 libros algunas obras que ya son nuevos clásicos, entre ellos Gomorrah Girl, de Valerio Spada, un ensayo fotográfico sobre una chica que vive en un ambiente de violencia mafiosa en Nápoles, Getting to Know My Husband’s Cock, de Ellen Jong.

Nuevos artistas se siguen sumando a la lista de éxitos Self Publish, Be Happy que además de fotolibros publica panfletos y folletos de fotografía. Muchos son los paradigmas que Ceschel rompe con la publicación de su manifiesto entre ellos es el que surge de la pregunta que muchos fotógrafos se hacen: ¿Cómo voy a ser capaz de hacer un fotolibro?

“La primera cosa que debe hacer es desmitificar la idea del álbum de fotos. Tan pronto como se descarte la idea convencional sobre lo que debe ser un fotolibro, te liberarás y forjarás algo nuevo, emocionante y, lo más importante, totalmente factible. Por supuesto, a quién no le gusta el fotolibro clásico, impreso en offset, tapa dura pero no es la única vía para hacerlo. Los artistas son a menudo a la vanguardia de las revoluciones culturales que desafían el status quo así que ahora más que nunca, las herramientas que se necesitan para producir libros son justo las que se tienen enfrente. Las herramientas digitales de impresión y difusión permiten hacer publicaciones a menor costo y con mayor rapidez.”

Sobre cómo editar las fotografías para un fotolibro el manifiesto aconseja hacerlo seleccionando edición-significado. “Seleccionar las imágenes irán en el libro es un trabajo cruel, especialmente si usted es el que hizo las fotografías por lo que a veces se debe ser fuerte y brutal y dejar atrás su vínculo emocional con las imágenes con el fin de servir al interés de su proyecto de libro.” Para el trabajo de edición hay que tener dos cosas en mente: la calidad intrínseca de cada fotografía, y su función o rol en el proyecto general. A veces una buena fotografía simplemente no encajan en el mensaje o concepto que está tratando de retratar así que hay que estar dispuesto a eliminarlo. A menudo los libros autoeditados sufren de fotógrafos auto-indulgente que no pueden ser objetivos y mantienen demasiadas fotos en la edición lo que compromete el resultado final de su proyecto.

Fotografía, realidad aumentada, instalación y performance

Making Memeries, Lukas Blalock, Tate Modern, Londres 2016.

Self Publish, Be Happy amplía su espectro y sus publicaciones se convierten en proyectos donde la imagen se expande en interesantes direcciones.Presenta un programa de eventos que explora los difusos límites que rodean la existencia y distribución de las fotografías en línea y fuera de líne (“on/offline”). En 2016 realiza el evento Making Memeries, con el artista Lukas Blalock, en Tate Modern durante la feria de libro de arte Offprint London 2016.

Antes de la llegada del internet, el acto de tomar una fotografía frecuentemente pretendían crear memorias; almacenar y preservar nuestro pasado en imágenes fijas, impresas. En la era digital actual, el acto de tomar fotografías puede ser suficiente para que las toma. El acto se agota en el proceso. Esto puede ser visto en la forma en que una cámara de un teléfono móvil ofrece una satisfacción inmediata, produciendo un archivo que probablemente nunca sea mirado de nuevo.

Hoy en día una foto tiene una ancla en el tiempo, siendo mucho más en el “ahora” que en “esto ha sido” de los antepasados pre´internet de los siglos 19 y 20. En cambio, nosotros vivimos en una cultura del presente contínuo, en un mundo dirigido por los memes donde la fotos pueden ser compartidas sin esfuerzo, pero donde la mayoría desaparecen en el olvido digital.

¿Cómo producen y operan fotógrafos contemporáneos en un entorno como este? ¿Cómo lo desafían?

 

 

My birth
Carmen Winant

 

Un libro de texto e imagen, My Birth entrelaza fotografías encontradas de la madre de la artista Carmen Winant pariendo a sus tres hijos con otras imágenes, anónimas, mujeres pasando por la misma experiencia física. Al progresar la narrativa pictórica, desde la labor de parto al nacimiento, las posturas de las mujeres se funden cada vez más unas en las otras, creando un cuerpo colectivo que se transforma y libera al unísono.

 

 

Adicionalmente a la secuencia fotográfica, My Birth—un facsimil del propio diario de Winant— incluye un texto original de la artista explorando la propiedad compartida, pero solitaria, de la experiencia del parto. My Birth pregunta: ¿Qué sucedería si se hiciera visible el largamente oculto y parodiado acto de parir? ¿qué pasaría si existiera un lenguaje confortable y dinámico para describirlo? ¿Qué pasaría si, retratando el proceso tantas veces una y otra vez, e insistiendo en su extrema subjetividad, entendiéramos el nacimiento y su representación como un acto político?

My Birth, coincide con la instalación on-site en el Museum of Modern Art: Being: New Photography 2018. Los proyectos complementarios fueron concebidos juntos, directamente después del nacimiento del primer hijo de la artista y mientras estaba embarazada del segundo.

 

Hola Mi Amol
Karla Hiraldo

Hola Mi Amol, Karla Hirlado Voleau, SPBH, 2019.

 

La fotógrafa francesa-dominicana Karla Hiraldo Voleau creció con una advertencia constante: “Nunca salgas con un dominicano”. En Hola Mi Amol, Hiraldo Voleau vuelve a la República Dominicana para experimentar con su mirada sobre los cuerpos de los numerosos hombres que encuentra, la mayoría de ellos hombres que trabajan en el sector turísitco. Allí, la artista explora el deseo, sexo, y amor en este delicioso, tierno y sexy debut.

Sus imágenes sensuales, no posadas, generalmente desnudos, fotografías de los hombres con los que se conecta, están marcadas por autorretratos de sus encuentros íntimos. En la República Dominicana acompañada de su madre, tía, o abuela (todas ellas que se enamoraron, casaron, o tuvieron un hijo allí), y lejos de la mirada de sus parientes masculinos, Hiraldo Volaeu se libera a sí misma a la frontera de lo que se percibe como “permitido” en el amor, la sexualidad y amistas. Inevitablemente, su documento de esta frontera conlleva una huella de la muchas veces brutal soledad de nuestro tiempo. La curiosidad de Hiraldo Voleau acerca del erotismo, la virilidad, las identidades culturales y raciales, y el status de la mirada femenina, vibran a través de las páginas de este astuto y sorprendente debut.

Hola Mi Amol fue nominado para el Aperture – PARIS PHOTO Photobook Award 2019.

Hola Mi Amol, Karla Hirlado Voleau, SPBH, 2019.

 

Dalston Anatomy
Lorenzo Vitturi

Dalston Anatomy, Lorenzo Vitturi, SPBH, 2014.

Entre sus publicaciones se cuentan títulos extraordinarios como Dalston Anatomy de Lorenzo Vitturi, un fotolibro que está agotado hace mucho tiempo y que sorprende tanto en las imágenes como en su impecable factura. Fue nominado para los premios de Aperture y Mack’s First Book Awards, y fue nominado como uno de los mejores fotolibros del año por Martin Parr, Erik Kessels, Alec Soth, The New York Times, The Guardian, entre otros.

La obra de Lorenzo Vitturi se encuentra a menudo en la intersección de la escultura y la fotografía. Para su último proyecto, Dalston Anatomy, el autor pasó tiempo en Ridley Road Market de Londres tomando fotos, haciendo esculturas y creando collages con materiales y objetos que encontró entre los escombros del mercado.

El proceso de Vitturi se centra principalmente en la creación, el consumo y la conservación de las imágenes. Las esculturas improvisadas que parecen imitar la naturaleza orgánica y temporal del mercado, y su documentación es la forma en que tienen para perdurar.

El libro está encuadernado con telas Vlisco que son llamativas por los patrones brillantes que recuerdan a los mercados africanos y acompañado por un poema de Sam Berkson que parecen capas de voces del mercado, se basan en su atmósfera desarticulada y surrealista. Cada libro es diferente porque se utilizaron varias telas distintas, en incluso dentro de cada una de ellas, el patron de las telas siempre cae en otro lugar, haciendo cada ejemplar único.

Dalston Anatomy, Lorenzo Vitturi, SPBH, 2014.

 

 

La segunda edición de Dalston Anatomy potenciará la naturaleza cambiante del mercado y, como las esculturas, en él, se transformará silenciosamente. Presentando todos los mismos personajes, esculturas y objetos de la primera edición, será como ver el mercado de un ángulo sutilmente diferente, o ehando una segunda mirada. Manteniendo la naturaleza siempre cambiante del mercado, los libros estarán encuadernados en nuevas y diferentes telas.

Lorenzo Vitturi (Venecia, 1980) es un fotógrafo y escultor que vive entre Venecia y Milán. Originalmente pintor de escenarios de cine, Vitturi trajo esta experiencia a su práctica fotográfica, que reñune antre juguetonas intervenciones en el lugar en la intersección entre fotografía, escultura y performance. Ha tenido exposiciones individuales en FOAM, Amsterdam, y dos performances en vivo en la Unseen Photo Fair in Amsterdam, and the Victoria & Albert Museum, London.  En 2014, Vitturi fue finalista en el Hyeres International Festival, y preparando The Photographer’s Gallery.

 

Money must be made
Lorenzo Vitturi

 

Money Must Be Made es el altamente esperado segundo libro de Lorenzo Vitturi, y nos lleva directamente al mercado de Balogun, en Lagos, Nigeria. Continuando con la exploración de temas como la globalización, urbanización, el colonialismo y el capitalismo, Vitturi pasó los últimos tres años trabajando en este proyecto.

Las múltiples calles que alojan al mercado Balogun se extienden bajo la sombre de un edificio de veintisiete pisos llamado Finantial Trust House. Por mucho tiempo este fue el edificio más alto de la isla, alojando a corporaciones occidentales y bancos en apogeo. Actualmente la construcción permanece, pero está desocupada. La multitud del mercado creció y multiplicó por pùra ósmosis a lo largo de los años, tragándose esa área. Agencias inmobiliarias predicen que el edificio permanecerá desocupado mientras el mercado siga sin ser regulado. Aquí nos encontramos con la paradoja que tanto interesa a Vitturi – dónde su previo libro Dalston Anatomy encuestó la gentrificación que ha ido matando los pequeños negocios en Londres, en Lagos se encontró con lo opuesto: gentrificación en reversa.

Volviendo a Lagos en múltiples viajes, Vitturi se sumergió en la vida callejera del mercado y estudió cómo las multitudes se funden en una masa frenética, caótica de cuerpos y objetos. Fotografió las cosas que veía – productos, tapetes de oración, ropa – y la gente que encuentra – compradores locales, vendedores y dueños de puestos. Siendo la mayoría de los productos importados de China, se muestra el alcance del control económico de China sobre África en el contexto del mercado. A través de conversaciones con vendedores, aprendió el carácter del mercado como un lugar donde la gente va a hacer dinero. Y considerando su propia posición de hombre blanco occidental trabajando como artista en el mercado, imprimió partes del libro y volvió para mostrarlas a la multitud. Le llamaban “Oyinbo!” – un término usado para la gente blanca.

 

 

Posturing

 

 

 

Editado por Holly Hay and Shonagh Marshall

Photos por Andrea Artemisio, Bibi Cornejo Borthwick, Blommers & Schumm, Brianna Capozzi, Casper Sejersen, Charlie Engman, Charlotte Wales, Coco Capitán, Estelle Hanania, Hanna Moon, Johnny Dufort, Joyce Ng, Lena C. Emery, Mark Peckmezian, Marton Perlaki, Pascal Gambarte, Reto Schmid, Suffo Moncloa, Tim Elkaïm, Tyrone Lebon, y Zoë Ghertner

Desde el inicio de los años 2000s ningún grupo de fotógrafos de moda se había convertido en un movimiento. Ahora, en el siglo 21, los fotógrafos contemporáneos de moda se han reunido para Posturing, el libro sobre un nuevo movimiento. Mostrando su trabajo editorial, destaca la forma en que usan el cuerpo y la postura para contar nuevas historias en nuevas formas. A través de 58 fotografías, así como entrevistas con fotógrafos, estilistas,  diseñadores de sets y editores comisionados, Posturing explora la manera en que el movimiento está modificando la forma en que la moda es presentada.

 

Editado por Holly Hay y Shonagh Marshall, Posturing celebra la rareza estética cuestionando la función esencial y el significado de la imagen de moda. Es un estilo de fotografía que rechaza el cuerpo hyper-sexualizado y la obsesión por el glamour y las celebridades que glorificaron en los 2000s el más desnudo consumismo. Un estilo que está transformando las ideas tradicionales de la vestimenta, el casting y las imágenes, así como recontextualizando lo que el cuerpo significa para la moda, y la moda para el cuerpo. Posturing es un registro de ese cambio y este nuevo movimiento, capturando las voces y visiones de aquellos que participan de forma más integral en su creación.
Holy Hay es directora de fotografía de Wallpaper*. Ella era parte del grupo fundador de Garage, y posteriormente trabajó como editora de imagen en AnOther. Conocida por apoyar nuevos talentos, Holy Hay ha comisionado sesiones con la mayoría de los fotógrafos incluidos en este libro durante el inicio de sus carreras.

Shonagh Marshall es un curador independiente. Previamente trabajó en Somerset House donde curó Isabella Blow: Fashion Galore!, Utopian Voices, Here and Now, y Hair by Sam McKnight. La perspectiva de su trabajo curatorial está centrada en el rol de la moda en la cultura contemporánea y la desmitificación del proceso detrás de la realización de la imagen.

 

Fire in Cairo
Matthew Connors

 Fire in Cairo, Matthew Connors, SPBH, 2015.

 

El fotolibro Fire in Cairo surge de Egipto como un documento oblicuo y fragmentario de la lucha revolucionaria. El libro traza el difícil compromiso de Connors con la confusión política que se apoderó de  la nación durante su rápida y cambiante historia. La complejidad de la situación se resistía a las explicaciones comprensibles, pero invitó la especulación metafórica.

En sus imágenes Fire in Cairo se revela así mismo, como un enorme estudio del cambio social, maduro, con restos visuales, escultóricos y atmosféricos de resistencia. Connors entreteje los retratos de los egipcios de todo el espectro político con su propia ficción experimental. El resultado es un libro que oscila entre el reportaje, la poesía y el surrealismo para potenciar la tensión entre la belleza, la amenaza y la consecuencia histórica.

 

Ver más en: www.20minutos.es/noticia/2620642/0/autoedicion/libros-fotografia/edad-de-oro/#xtor=AD-15&xts=467263

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