HAIZEL DE LA CRUZ
(YUCATÁN, MÉXICO) Es maya. Nació en Ticul, Yucatán, el 25 de julio de 1993. Estudió su preparatoria en el Centro Educativo “Rodríguez Tamayo”. En 2018 participó en una exposición colectiva “Mujeres. Movimiento y perspectiva” en el marco del día internacional de la mujer, en el enrejado principal del Centro Estatal de Bellas Artes de Mérida Yucatán. Así mismo el 09 de agosto fue invitada a la exposición colectiva “Las memorias del Territorio Maya” en el Museo Maya Santa Cruz XBáalam Naj en Felipe Carrillo Puerto, QRoo. Es becaria del programa Jóvenes Creadores 2019-2020 del Fondo para la Cultura y las Artes (FONCA) en el Área de Artes Visuales Fotografía. Ha publicado sus fotografías en las revistas “La Ojarasca”, “Revista Sinfín”, en la revista italiana “La macchina Sognante” y en el periódico Mexico News Daily y el “Diario de Yucatán”. Acompaña y documenta procesos de lucha por la reivindicación de la lengua y cultura maya como integrante de la Asamblea de Defensores del Territorio Maya Múuch’ Xíinbal. Ha participado en dos ocasiones en las Compartidas de la agencia de fotografía y editora Cuartoscuro (dinámica que se realiza a través de facebook). Ha compartido sus fotografías en el facebook y en su blog para el alcance de las comunidades https://haizeldelacruzm.wixsite.com/misitio.
HALEH ANVARI
(IRÁN) Haleh Anvari es una artista y escritora con base en Teherán. Está interesada en la unión entre el arte y la política. Tiene una licenciatura en filosofía y política de la Universidad de Keele en el Reino Unido, y una maestría de la Escuela de Periodismo de Columbia.
HOLLIE MCNISH
(ESCOCIA / INGLATERRA) es una poetisa que vive entre Escocia e Inglaterra. Ha publicado tres colecciones de poesía Papers, Cherry Pie, Plum, una obra Offside, que relata la historia del fútbol femenino en el Reino Unido, y una memoria poética sobre la paternidad, Nobody Told Me, de la que The Scotsman sugirió "El mundo necesita este libro". Ganó el premio Ted Hughes por su nueva obra de poesía y fue la primera poetisa en grabar en los estudios Abbey Road de Londres. Los poemas de Hollie han sido traducidos al francés, alemán, español, húngaro, polaco y japonés. Su nuevo libro - Slug: y otras cosas que me han dicho que odio - se publica en mayo de 2021. Además de las lecturas en vivo, Hollie es una gran fan de las actuaciones en línea - sus videos de poesía han atraído a millones de espectadores en todo el mundo. Actualmente hace una lectura semanal en línea - Sunday Night Poems - en sus canales de facebook e instagram, leyendo algunos de sus propios trabajos y algunos de los de otros poetas. 





ISAAC NABWANA
(UGANDA, AFRICA) Isaac Nabwana Godfrey Geoffrey (IGG) produce, dirige, filma, escribe y edita películas de acción desde su casa en los barrios bajos de Wakaliga, Uganda. Como cineasta autodidacta, la educación cinematográfica de IGG consiste en un curso de reparación de ordenadores (se vio obligado a abandonarlo después del primer mes por falta de fondos) y sus propias experiencias de ensayo y error con cámaras y equipos de edición. Empezó a hacer cine a los 32 años, justo después del nacimiento de su primer hijo.Mientras se mantenía a sí mismo y a su familia como maestro de escuela, IGG fundó Ramon Film Productions (el nombre deriva de sus abuelas, Rachel y Mónica, que lo criaron y vieron a la familia a salvo durante la guerra civil de Uganda). Basado en la pequeña casa que comparte con su esposa y co-editora, Harriet, y sus tres hijos. RFP ha producido más de 44 largometrajes desde 2005 (hasta enero de 2015) y es más conocido por Quién mató al Capitán Alex: la primera película de Uganda llena de acción y Tebaatusasula. Los avances del trabajo de IGG se han hecho virales, pero las películas en sí mismas permanecen en gran medida sin ser vistas fuera de los barrios marginales que rodean Kampala, Uganda.IGG rueda sus películas en Luganda, el dialecto de Buganda, la tribu más grande de Uganda. Como es común en los guetos de Uganda, sus películas se presentan con un Video Jockey (VJ) en vivo, mejor descrito como narrador parcial, animador, comediante y guía turístico de los barrios bajos."Wakaliwood" es una combinación de Wakaliga, el barrio bajo que IGG llama hogar, y Hollywood. A lo largo de los años, IGG ha reunido un equipo dedicado de actores, técnicos, maestros de utilería, artistas marciales y especialistas en acrobacias que han viajado desde todas partes de Uganda para formar parte de sus películas de acción. Cuando no están rodando, se reúnen dos veces por semana para ensayar, desarrollar nuevos proyectos, construir equipos a partir de chatarra y distribuir DVD en los mercados locales. Sorprendentemente, el propio IGG Nabwana nunca ha estado en un cine.
ISABEL MEDINA GONZÁLEZ
(MÉXICO) Licenciada en Restauración de Bienes Muebles (ENCRyM-INAH, México); Maestra en Gestión de Patrimonio Arqueológico (University of York, Reino Unido) y Doctora en Arqueología, con especialidad en Patrimonio Cultural y Museos (University College London, Reino Unido). Desde el 1993 ha trabajado como restauradora, investigadora, docente y directivo del Instituto Nacional de Antropología e Historia (México). En el año 2000 fue galardonada con el Premio Internacional al Joven Americanista, del Congreso Internacional de Americanistas. . Cuenta con el reconocimiento de profesor de perfil deseable (PROMEP-SEP) y es parte del Sistema Nacional de Investigadores (CONACYT): SNI 1. Es la editora fundadora de Intervención, Revista Internacional de Conservación, Restauración y Museología, publicación académica, arbitrada e indizada de emisión semestral de la ENCRyM-INAH. Ha trabajado como consultora privada para conservación y gestión de sitios de patrimonio mundial en Centro y Sudamérica. Actualmente es profesor-investigador de tiempo completo en la licenciatura y posgrado de la ENCRyM-INAH. Ha publicado extensamente en temas de historia, teoria, gestión, formación en el sector patrimonial.
ISHAN TANKHA
(INDIA) Fotógrafo independiente con base en Nueva Delhi cuyo trabajo ha sido presentado en varias publicaciones incluyendo Le Monde, The Financial Times, The Guardian , The Caravan entre otros. Su trabajo cubre una gama de temas que incluyen la política nacional, la vida y el medio ambiente en el centro de la India hasta la gira de cricket de la India a Pakistán. Fue miembro fundador de Goa Photo , un festival público de fotografía artística en Goa y fue el editor de fotografía consultor del libro "Witness": Cachemira 1986-2016" que fue uno de los 10 mejores libros de fotos del NYT (2017). Ishan ha sido fotógrafo de plantilla de importantes publicaciones indias, entre ellas India Today y la revista Open, y fue editor de fotografía en Tehelka de 2012 a 2013. Su trabajo también se ha mostrado en exposiciones y colaboraciones en el Noorderlicht Photo Festival, Groningen, Archive Nationales, París, la Berlinale 2019, FotoFest Houston ( 2018), Kathmandu Photo Festival , Japan Foundation y el Max Mueller , Nueva Delhi entre otros. Su proyecto "A Peal of Spring Thunder" sobre la vida y el medio ambiente en Chhattisgarh, en el contexto de un violento conflicto entre el Estado y las guerrillas armadas, recibió la subvención FIND en 2013, y su libro maniquí fue finalista en las convocatorias abiertas de Cosmos, Kassel, así como finalista en la Fundación Alkazi y la subvención de la Fundación Sher-Gil Sundaram en 2016 y 2019 respectivamente. Ishan ha sido nominado para la clase magistral del WPP Joop Swart en 2019.





JESSE LERNER
(EUA) Cineasta, escritor, y curador. Sus cortometrajes Magnavoz (2006), T.S.H. (2004) y Nativos (1991, con Scott Sterling) y sus largometrajes La piedra ausente (2013, con Sandra Rozental), Atomic Sublime (2010), El Egipto americano (2001), Ruinas (1999), y Fronterilandia (1995, con Rubén Ortiz-Torres) han ganado premios es festivales en los Estados Unidos, América Latina y Japón, y se han presentado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Bienal de Sydney, y los festivales de cine de Sundance, Rotterdam y Los Angeles, entre otros. La Cineteca Nacional de México, la Galería Nacional de Washington, D.C., y Anthology Film Archives de Nueva York han presentado muestras retrospectivas de sus documentales. Como curador ha organizado exposiciones para el Robert Flaherty Seminar, el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo de Oaxaca, el Museo de Arte Latinoamericano en California, la Casa Schindler, el Museo del Palacio de Bellas Artes de México y los Museos Guggenheim de Nueva York y Bilbao. Ha publicado diversos artículos sobre cine, foto y arte y libros como El impacto de la modernidad, Los Mayas de modernismo, The Catherwood Project, Ismo Ismo Ismo y F is for Phony: Fake Documentary and Truth’s Undoing. Actualmente da clases en el programa de Intercollegiate Media Studies de los Colegios de Claremont en California.
JIAXING CHAO
(CHINA) Estuvo involucrada en la práctica curatorial desde 2010. Entre 2011-2015, se desempeñó como curadora y directora gerente en el V ART CENTER, fundado por el Instituto de Artes Visuales de Shanghai, un espacio sin fines de lucro. Produjo más de 50 exposiciones y proyectos con artistas emergentes, la institución se convirtió en uno de los más importantes viveros de la escena artística de Shanghai. Los principales proyectos de exposición se centran en el arte participativo, las prácticas artísticas interdisciplinarias y los debates sobre la teoría y la práctica del arte en los últimos cinco años, entre ellos "Espacio abierto de Goethe 2016: Instituciones en movimiento" (Instituto Goethe), "Comunidad de célibes", en colaboración con el filósofo Lu Xinghua (Bund Three, Galería de Shanghai), "Take Me Out", comisariada conjuntamente con Davide Quadrio (Museo K11), "un todo que abarca todos los sonidos", en colaboración con el filósofo Jiang Yuhui (Museo de Arte de la CAFA). Y en 2017, se unió oficialmente al Museo Start, como conservadora principal, ubicado en el distrito de West Bund en Shanghai. Lanzó y curó un proyecto de investigación en curso titulado "Ser información". Sus intereses actuales de investigación y curaduría son las prácticas artísticas interdisciplinarias y el papel de los rituales en las latitudes históricas y contemporáneas. Recientemente el proyecto curatorial "Rituales en los Rituales del Futuro", que es una creación colectiva, depende de las investigaciones. La primera ronda fue un proyecto dentro de la exposición "Reesculpir" de Thomas Hirschhorn(McaM,2018)and el libro ha sido lanzado, 2019. Ganó el ACC Residency Fellow 2019 del Asia Culture Center, Gwangju, Corea del Sur, del 5 de agosto al 5 de noviembre de 2019. También concedió el subsidio de viaje para asistir a la Conferencia Anual CIMAM 2019, 2019 Sydney, Australia. A finales de este año, ella terminará y lanzará mi libro base sobre la investigación de los años pasados "2010 - 2020": La heterogeneidad de la práctica institucional basada en Shangai"
JOAN FONTCUBERTA
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JORGE JUANES
(MÉXICO) Filósofo y crítico de arte. Se desempeña como investigador, escritor, asesor, curador y conferencista en el marco de actividades relacionadas a la filosofía, el arte y la cultura. Es investigador de tiempo completo del Instituto de Ciencias Sociales y Humanidades de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP), sección arte y cultura. Ha publicado 26 libros sobre arte y filosofía además de múltiples artículos en revistas de arte y filosofía, y un sinnúmero de catálogos de artistas mexicanos y extranjeros. Ha contribuido a formar maestrías y doctorados en arte en diversas universidades e instituciones de Zacatecas, Querétaro, Puebla y Michoacán, San Luis Potosí, Ciudad de México. Curador de diversas exposiciones y conferencista tanto en México como en el extranjero. Coordinador de los coloquios internacionales de arte contemporáneo, en el Festival Cervantino con sede en la ciudad de Guanajuato. Es colaborador activo del INBA, participando en la creación de programas educativos, la curaduría de exposiciones, incluida la redacción
JUAN JOSÉ HERRERA
(MONTERREY, NL, MÉXICO, 1973). Estudió Comunicación en el Tecnológico de Monterrey obteniendo los títulos de Licenciatura y Maestría en Ciencias. Su trabajo parte del uso de la cámara para producir imágenes estáticas y en movimiento. Ha participado en múltiples exposiciones y colaborado en diversos proyectos. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas. Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.
JUAN PERAZA
(CARACAS, 1987) Vive en Buenos Aires desde 2011. Es miembro de La ONG Buenos Aires , colectivo fotográfico fundado en 2014. Es autor, investigador y docente. Estudió la maestría en Estética y Teoría de las Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Es docente titular de los cursos de ArtesComparadas y Fotografía y Políticas de la Verdad de la Universidad del Salvador. Es docente de . común , proyecto de educación a distancia en fotografía. Lleva adelante el proyecto de investigación Historias marginales de la fotografía , el cual aborda la historia del medio a partir de los aportes de mujeres, de autorxs queer , de orígenes étnicos variados y provenientes de geografías periféricas.
JUAN SÁNCHEZ
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JUAN VALBUENA
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KAALI COLLECTIVE
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KAREN CORDERO
(ESTADOS UNIDOS / MÉXICO) Karen Cordero Reiman es historiadora del arte, curadora y escritora. Nacida en EEUU, vive y trabaja en México desde 1982. Ha sido profesora en el Departamento de Arte de la Universidad Iberoamericana y del Posgrado en Historia del Arte de la Universidad Nacional Autónoma de México, y es miembro fundador de Curare, Espacio Crítico para las Artes. Es autora de múltiples publicaciones sobre el arte de los siglos XX y XXI, sobre todo con respecto a las relaciones entre el llamado arte culto y el llamado arte popular en México; la historiografía y crítica del arte; cuerpo, género e identidad sexual en el arte mexicano, y políticas museísticas y curatoriales. Entre sus publicaciones recientes destacan: Anita Brenner: Luz de la modernidad (con Pablo Ortiz Monasterio), México: MUNAL y Arte&Cultura Grupo Salinas, 2020; “Between the Intimate and the Social: Body, Affect, Trauma and Resistance” en María Elvira Escallón: El estado de las cosas, Bogotá: Flora y Seguros Bolivar, 2018; “A Situated Gaze: Lola Álvarez Bravo” en Lola Álvarez Bravo: Picturing Mexico. New Haven y Londres: Yale University Press, 2018; “Cuerpo, género, afecto: alusiones y enunciaciones de lo in(re)presentado en la escritura de historia del arte” en Diego Salcedo Fidalgo, ed., Horizontes culturales de la historia del arte, Bogotá: Editorial Universidad Tadeo Lozano, 2018. También ha tenido una participación constante en el ámbito museístico, con actividades de curaduría, asesoría e investigación. Entre sus curadurías recientes destacan Anita Brenner. Luz de la Modernidad (Museo Nacional de Arte, Ciudad de México, 2019-2020); We Draw the Line: Works on War, Memory and Affection. Mónica Mayer and Víctor Lerma. (Londres, Chalton Gallery, 2019); Jusqu’a la fin des temps: Carmen Mariscal/Mercedes Gertz (Instituto Cultural de México, Paris, 2018). Actualmente trabaja como investigadora y curadora independiente, así como sobre proyectos creativos personales que entrelazan el arte, la literatura y la historia.
KAREN IRVINE
(ESTADOS UNIDOS) Curadora en Jefe y Directora Adjunta del Museo de Fotografía Contemporánea del Columbia College de Chicago. Ha organizado más de cincuenta exposiciones de fotografía contemporánea en el MoCP y en otras sedes como el Hyde Park Art Center; el Rockford Art Museum; el Festival Internacional de Fotografía de Lishui, China; la Bienal de Fotografía de Daegu, Corea del Sur, y el Festival de Fotografía de Nueva York. Irvine ha contribuido con textos a muchas publicaciones, entre ellas FOAM, Art on Paper y revistas y monografías contemporáneas, entre ellas Paula McCartney: Non-flights of Fancy (Princeton Architectural Press); Barbara Probst: Exposures (Steidl); Redheaded Peckerwood de Christian Patterson (MACK), y Stefan Heyne Speak to Me (Hatje Cantz), entre muchos otros. Tiene una licenciatura en francés y relaciones internacionales de la Universidad de Tufts, Medford, MA, un MFA en fotografía de FAMU, Praga, República Checa, y un MA en historia del arte de la Universidad de Illinois en Chicago.
KHIN KYI HTET
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KRISTIN TAYLOR
(ESTADOS UNIDOS) Kristin Taylor es la conservadora de programas académicos y colecciones del Museo de Fotografía Contemporánea (MoCP) del Columbia College de Chicago. Ha comisariado las exposiciones View Finder: Paisaje y Ocio en las Colecciones (2018) y Chicago Stories: Carlos Javier Ortiz y David Schalliol (2019) y Reproductiva: Salud, Fertilidad, Agencia (2021). Es la anfitriona de Focal Point, un podcast que involucra a los artistas en la discusión de los temas y procesos que definen y perturban el mundo de la fotografía contemporánea.

LAURO LÓPEZ-SÁNCHEZ
(MÉXICO) Estudió Filosofía en la Universidad Iberoamericana. Asistió a los seminarios de Video-Instalación y Arte Contemporáneo en el Centro de la Imagen, en el 2002. En el 2005 asistió al taller de Iluminación en la escuela de Escenotecnia. En el 2014 adquiere la residencia para realizar un proyecto específico en la Ciudad de Bogotá, Colombia, otorgada por el Programa de Residencias Internacionales del FONCA. 2014. Fue becario del programa Jóvenes Creadores 2010-2011. Cuenta con varias exposiciones entre las que destacan: SONORAMA 2013 del Hi-Fi al IPOD en el Museo Universitario del Chopo (pieza comisionada). Persistencias del Sismo del 85 en el Museo de Arte Moderno en el 2012, Orbe en el MUCA ROMA 2011, Dos o Tres Voces que Se de Ella. Programa de Radio Arte para Ibero 90.9, 2011. Arkheia Spectro, (2009), Galería Traeger & Pinto, México DF. 2015, escribió y dirigió el programa de radio: Una ojeada a las instrucciones de los babuinos pringosos. Pieza comisionada para el Centro de Cultura Digital. Ha impartido cursos y seminarios en diferentes espacios: Centro de la Imagen, Filomoteca UNAM, Universidad de la Comunicación, CENTRO de Diseño, Cine y Televisión. Editor de la revista y del site electrónico falsoraccord.org . Ha dado varias conferencias en Universidades y Museos: Instituto Politécnico, Sala Arte Público Siqueiros. Universidad de la Américas, Plataforma, Bogotá, Librería EXIT, HYDRA-FOTOGRAFÍA. Articulista en varias revistas, ibero 90.9, Picnic, Ecoosfera.
LIZ WELLS
(REINO UNIDO) Liz Wells, escritora, conservadora y profesora de prácticas fotográficas, editó The Photography Reader y The Photography Culture Reader (2019; 2003 1a ed.) y Photography: A Critical Introduction (2015, 5ª ed.; nueva ed. 2021) y es coeditora de fotografías de las revistas Routledge. Sus publicaciones sobre el paisaje incluyen Land Matters, Landscape Photography, Culture and Identity (2011) y ha contribuido con muchos ensayos en libros de artista, catálogos de exposiciones, revistas y otras colecciones editadas. Es editora de la serie "Photography, Place, Environment" (Fotografía, lugar, medio ambiente), www.routledge.com/Photography-Place-Environment/book-series/BLPHOPPE. Las exposiciones como curador incluyen: Paisajes de semillas: Future-proofing Nature (Impressions Gallery, Bradford, Yorks, sept. a dic. 2020; tour 2021); Layers of Visibility, Nicosia Municipal Arts Centre, 2018/9 (co-curador, Yiannis Toumazis); Light Touch, Baltimore Washington International Airport (febrero-junio 2014); Futureland Now - John Kippin, Chris Wainwright (Laing Gallery, Newcastle, septiembre de 2012 - enero de 2013); Sense of Place, European Landscape Photography (BOZAR, Bruselas, junio - septiembre de 2012); y Landscapes of Exploration, British art from Antarctica (Plymouth, febrero/marzo de 2012; Cambridge, octubre/noviembre de 2013; Bournemouth, enero/febrero de 2015). Es profesora emérita de cultura fotográfica en la Facultad de Artes, Humanidades y Negocios de la Universidad de Plymouth (Reino Unido) y miembro del grupo de investigación sobre la tierra/agua y las artes visuales. www.landwater-research.co.uk. Es ex miembro electo del Consejo de Administración de la Sociedad para la Educación Fotográfica (2011-18). Se le otorgó un Doctorado Honorario de la Universidad de Gotemburgo, Suecia, en 2017. Es británica y reside en el Reino Unido.
LUANA NAVARRO
(BRASIL) Luana Navarro desarrolla proyectos con fotografía, vídeo, performance, lecturas y textos. Participó en varias exposiciones en Brasil y en 2015, 2016 y 2017 de la Develar y Detonar realizada en España, México y USA. En 2016 publicó Cuerpo sin sinónimo y Biblioteca para cuerpos en expansión. En 2018 publicó Estalactitas en la garganta. Es una de las creadoras del espacio Alfaiataria, en Curitiba/Brasil. www.luananavarro.com
LUCY SOUTTER
(REINO UNIDO) La Dra. Lucy Soutter es una artista, historiadora de arte y crítica. Es directora del curso de fotografía en la Universidad de Westminster. Su trabajo se centra en cuestiones de valor y significado en el arte y la fotografía. Ha escrito críticas para publicaciones como Afterimage, Aperture, Source, Frieze y 1,000 Words y es la autora de Why Art Photography? (Routledge, 2ª ed. 2018). Lucy está investigando actualmente la expansión de la fotografía contemporánea en otras formas y actividades artísticas, incluyendo la instalación, la actuación y la escultura.
LUKAS BIRK
(AUSTRIA) Lukas Birk es un fotógrafo. Un narrador de historias. Un conservador. Y editor. Su trabajo ha sido exhibido en 4 continentes y ha tomado muchas formas diferentes. Sus proyectos multidisciplinarios se han convertido en películas, crónicas y libros. Una gran parte del trabajo de Lukas trata de material de archivo que recoge mientras viaja o mientras profundiza en su propio fondo. Estos archivos no son ambiguos ni son imágenes encontradas. Lukas investiga sus imágenes a través de investigaciones y exploraciones muy a menudo en áreas que han sido afectadas por el conflicto y que no han tenido aún la oportunidad de presentar el material existente en una forma artística. Sus narraciones abordan la historia registrada creando historias y elementos ficticios alternativos, junto con hechos comúnmente aceptados. Lukas fundó programas de exposiciones de artistas en China con el Programa de Artes Austro Sino, un programa de artistas en residencia en Indonesia (SewonArtSpace), co-fundó el Afghan Box Camera Project y más recientemente el Myanmar Photo Archive, un esfuerzo para reinterpretar y contar la historia de Myanmar a través de fotografías recopiladas durante las últimas 6 décadas. La colección ahora contiene 20.000 imágenes. Fraglich Publishing, su propia editorial publica proyectos de Lukas y trabajos seleccionados centrados principalmente en la historia de la fotografía.
LUIS CARLOS HURTADO
(MÉXICO) Licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda (1998-2003). Estudios profesionales de Arquitectura en el Instituto Tecnológico de Campeche. (1988-1994). Co-fundador de “Central Sureste”, espacio independiente para el arte en la ciudad de Campeche. Su trabajo se mueve entre los límites del espacio público, lo escultórico y el dibujo. El enfoque de su obra ha derivado hacia el análisis crítico de situaciones propias de Campeche -donde vive actualmente-, en relación a la idea de la velocidad y el tiempo en el sureste del país y las hipotéticas funciones del arte, tomando como referencia la presencia del artista Robert Smithson en la península de Yucatán, la significación del viaje y la concepción actual de monumento. Su proyecto articula espacios urbanos y geográficos, situaciones sociales y aspectos políticos del sureste del país.Ha participado en exposiciones individuales y colectivas, dentro y fuera del país, entre las que destacan:“XIX Bienal de Pintura Rufino Tamayo”, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO) 2020. “Al Aire Libre. Chile-Brasil-México”, proyecto curatorial de Tiago de Abreu 2020. “Ciclónica”, instalación colectiva en el paisaje urbano de CDMX 2018. “Are We Moving?”, METASITU, Beyond place, en Atenas, Grecia. 2017Su libro “Bitácora de viaje. Un recorrido por el río Candelaria” fue publicado en 2006 por el Gobierno del Estado de Campeche, CONACULTA y el Programa de Desarrollo Cultural del río Usumacinta. 




MANUEL HERNÁNDEZ
(CIUDAD MEXICO, 1963) Practica el psicoanálisis desde hace más de veinticinco años. Ha publicado dos libros, Lacan en México, México en Lacan. Miller y el mundo (Navarra Editores-Anchomundo, 2016), El sueño de la inyección a “Irma” (Litoral Editores, 2016), Subjetivaciones neocoloniales (Litoral Editores, 2019), Localización del analista. La “formación psicoanalítica” de Freud a Lacan (Litoral Editores, 2020) además de múltiples artículos en revistas mexicanas y extranjeras.Actualmente dirige Litoral Editores, que publica libros en papel y digitalmente, así como la revista litoral, que actualmente cuenta con 48 números.Ha traducido varios libros del francés al castellano, entre los cuales destacan, y son los más recientes, Lacan (Freud) Lévi-Strauss. Crónica de un encuentro fallido (Epeele, 2015) de Carina Basualdo y El pase de Lacan de Francis Hofstein (Litoral Editores, 2020).Es miembro de la École lacanienne de psychanalyse (www.ecole-lacanienne.net) de la que fue el director en el período 2004-2008.
MANUEL LAVANIEGOS
(MÉXICO) Nací en la Ciudad de México, el 4 de marzo de 1953. Ya llovió. Mi infancia y adolescencia transcurrieron en esta misma ciudad, a la que he visto transformarse hasta volverse irreconocible. En este lapso fue determinante para mí la vida de mi padre, al que vi siempre trabajar de sol a sol, y emprender los más descabellados experimentos (fabricación de champiñones, de espárragos, de fruta confitada, una imprenta, elaboración artesanal de chocolates, etc.), para dejar de ser empleado a cuenta de otros; nunca lo consiguió, fueron quiebra tras quiebra, pero sus esforzadas aventuras nos formaron a mí y a mis hermanos. Fue también influyente la presencia de mi tío que era pintor, y el cual murió prematuramente, convirtiéndose en el olimpo de mi memoria en un héroe al que había que emular. Claro, que también asistí a la escuela, que no me gustaba. Esto cambio hasta la preparatoria, en que entré al Instituto Luís Vives, sus maestros eran notables refugiados republicanos de la Guerra Civil Española, y el colegio era mixto, laico, y con chicas muy guapas y de brillante inteligencia. Esto represento una revolución de la mente, ello unido a la cercanía de los movimientos estudiantiles que sacudieron al país. Todos estos estímulos, me llevaron a cursar talleres de pintura en la Academia de San Carlos y a estudiar filosofía en la UNAM. Luego, viví, de modo intermitentemente, seis años en Pátzcuaro, Michoacán, y sentí que era más mi tierra que cualquier otro lugar – después esto me sucedería también, más por añoranza, con otros rincones que he tenido la fortuna de visitar en otros países. Asimismo, me casé por primera vez, y tuve una hija. Tiempo después, me casé por segunda vez, y tuve un hijo. Ambos, junto a mi esposa actual, constituyen la máxima felicidad de mis días. Así, por ahora, resido la mayoría del tiempo en Jiutepec, Morelos, yendo y viniendo a la Cd. de México; pues soy investigador de tiempo completo en el Instituto de Investigaciones Filológicas, y profesor en el Posgrado de Filosofía, en la UNAM. A partir de hace mucho ya, la orientación de mi trabajo es esquizofrénica; pues versa sobre temáticas tanto del arte como de la filosofía. A lo último, habría que agregar que el doctorado que realice en antropología y arte, en la ENAH, afianzó en mí el interés fundamental por las cuestiones de la dimensión “sagrada” del arte; sobre las metamorfosis de lo mítico/ritual en el arte arcaico, antiguo, y en el contemporáneo. Por milagro de las Musas, he escrito también tres breves poemarios.
MARGARITA MARTÍNEZ
(CHIAPAS, MÉXICO) Lingüista antropóloga y artista visual (fotografía, video e intervención textil) Nativo-hablante del tsotsil. Originaria de Huixtán y residente en Chamula, Chiapas, México. Estudió la Licenciatura en Sociología por la UNACH. Posteriormente, realizó la Maestría y Doctorado en Lingüística Indoamericana en CIESAS, CDMX. Realizó una estancia doctoral por la Universidad de Santa Cruz, California, E.U. Reconocida por el Premio INAH 2017: Wigberto Jiménez Moreno en la categoría de tesis doctoral. Desde el 2005 hasta la actualidad realiza investigación etnográfica y de documentación lingüística entre los mayas tsotsiles de los Altos de Chiapas. Actualmente es Profesora-investigadora de la Facultad de Humanidades de la UNICACH y Co-dirige el colectivo Stsebetik Bolom, de fotografía y activismos con mujeres jóvenes de comunidades mayas tsotsiles de Chiapas. Paralelamente ha realizado traducciones de diferentes textos, entre ellas, la Declaración de las Naciones Unidas sobre los Derechos de los Pueblos Indígenas. Asimismo, ha sido asesora pedagógica en distintas Zonas y Centros Escolares de Educación Bilingüe en los Altos de Chiapas y ella es ponente (tanto en el ámbito académico como artístico) a nivel nacional e internacional.
MARIA DO CARMO RAINHO
(BRASIL) Investigadora del Archivo Nacional (Brasil), desde 1988 trabaja en proyectos de investigación y difusión de colecciones. Doctorado en Historia (Universidade Federal Fluminense - UFF). Autor de libros y artículos sobre la historia de la fotografía, la producción y los usos de las imágenes; la fotografía de moda; la historia de la moda, entre otros: Moda y revolución en los años sesenta (Contra Capa, 2014); La ciudad y la moda: Río de Janeiro, siglo XIX (Ed. UnB, 2002); Retratos modernos (con Heynemann, Cláudia, Arquivo Nacional, 2005).
MATHEW LEIFHEIT
(CHICAGO, ESTADOS UNIDOS, 1988) es un fotógrafo, editor de revistas y profesor estadounidense con sede en Brooklyn, Nueva York. Es el editor jefe de la revista MATTE, una plataforma para nuevas ideas en fotografía fundada por Leifheit en 2010. Anteriormente fue director de fotografía de la revista Vice, y ha escrito críticas y entrevistas sobre arte y fotografía para Aperture, Vice, Art F City y Time. Leifheit tiene una licenciatura de la Escuela de Diseño de Rhode Island y un máster de la Escuela de Arte de Yale, donde fue galardonado con el Premio Richard Benson en 2017. Actualmente es profesor en el Instituto Pratt en Brooklyn.
MAURICIO ORTIZ
(MÉXICO) Es médico, fisiólogo, editor y escritor. Es autor, entre otros, del libro Del cuerpo (2ª edición, Tusquets, 2016), del capítulo «El cuerpo roto», del libro Frida Kahlo. Sus fotos (RM, 2010) y de una decena de artículos publicados en la revista Luna Córnea. Ha sido maestro del Seminario Internacional de Fotografía del Centro de la Imagen (ediciones 2012 y 2013) y formó parte del grupo curatorial de la exposición Punto/Contrapunto, Fotografía Mexicana Contemporánea (2017), del Museo de Artes Fotográficas de San Diego, California. Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (generación 2012).
MAYRA CITLALLI ROJO
(MÉXICO) Artista e investigadora interdisciplinaria. Doctorado en Historia del Arte, Investigación Post-doctoral en ciencia y textil. Fue seleccionada para residencias artísticas sobre Ciencia y Arte en Portugal (2021), en el Programa Europeo Biofricción Finlandia (2020), Suiza (2019) y otros. Junto con el artista mexicano Víctor Martínez desarrolló el Laboratorio de acciones en el espacio público (Berlín, 2019). Actualmente forma parte del Seminario de Alteridad y Exclusiones (UNAM) y escribe artículos sobre cine y política y arte contemporáneos en El Salto Diario (España), Animal Político (México), WereMagazine, Iconica (México), Amazona (México, Brasil y Argentina) y otros. Ha realizado exposiciones nacionales e internacionales en América Latina y Europa: Apuntes para un Atlas de anatomía-botánica (15éme edición Feria de Arte Contemporáneo, Montreux, 2019), Ophelia's Dead (Vevey, 2010), Sem Censura (Florianópolis, Brasil 2017), seleccionado 30º Encuentro Nacional de Arte Joven (2010), así como en el Festival Internacional de Videodanza de Río de Janeiro Dança em Foco (2014), artista invitado en el marco de la exposición Faunas del fotógrafo Joan Foncuberta en el Museo del Chopo y el Museo Nacional de Historia Natural (2011). Curador invitado en el Proyecto Traslados en Chile bajo el tema curadurías colectivas y migración (2016), Investigación y curador en la exposición María Félix: la Diva a través de los ojos de Héctor García (2014). Entre los trabajos destaca El monstruo como figura de una economía de la destrucción de la forma en el arte contemporáneo: Cabeça do avesso de Lia Menna Barreto. Publicaciones teóricas recientes: El retorno del monstruo: poder subversivo, (Revista Exotopías, México, 2019), Zombi, Zumbi, Zombie: El sonido de la multitud, (Revista Utopía, España, 2019). Tejiendo historias en Ciudad de México y Berlín (Berlín, 2018). Publicaciones gráficas: Labio Asesino (España, 2020), Este País (México, 2020), Intempestiva (Brasil-Portugal, 2019) y otras.
MERCEDES MARTÍNEZ
(MÉXICO) Es diseñadora industrial por la UAM Xochimilco; maestra en Diseño Industrial por la Scoula Politecnica di Design (Milán, Italia); maestra en Arte por Computadora por Thames Valley University, Londres, Reino Unido; y doctora en Antropología por la UNAM. Actualmente es profesora de carrera, tiempo completo, en la Escuela Nacional de Estudios Superiores, unidad Morelia, UNAM. Pertenece al SNI con el nivel de Candidato (2018-2020) y es PRIDE C. Docente de la licenciatura en Arte y Diseño desde 2013 y forma parte del cuerpo académico de la maestría en Antropología, en su sede de la Enes Morelia. Ha trabajado en diversos proyectos de diseño industrial y multimedia, en despachos como Design Center Asesores y Corporación Milenio III, además de haber colaborado como profesora para distintas instituciones privadas y públicas del país como la Universidad Tecnológica de la Mixteca, la UAM Xochimilco y la Universidad Claustro de Sor Juana. Es autora del libro Tejiendo destinos. La antropología y el diseño en el estudio de los objetos de palma, México: UNAM, ENES, Morelia, 2017. Compiladora y editora del libro Cuentos que cuentan. Historias sobre Cuanajo, Michoacán, México. México: UNAM / Laboratorio Nacional de Materiales Orales, 2019.
MERCEDES ROJAS
(CHILE) Soy Ma. Mercedes Rojas Herrera, nacionalidad chilena. Tengo 44 años. Licenciada en Artes Visuales y Maestra y Doctora en Historia del Arte, de la Universidad Nacional Autónoma de México, con especialidad en Arte Prehispánico y su devenir histórico en el Siglo XVI. Actualmente me dedico a la joyería de autor. Por otra parte, difundo mis conocimientos académicos en diferentes espacios académicos y educativos.
MRIDU RAI
(DARJEELING, INDIA, CONFLUENCE COLLECTIVE) Es escritora, curadora e investigadora independiente que reside en Sikkim, India. Es la conservadora de Through Her Lens, un programa de investigación visual en colaboración con Zubaan Publishers Pvt Ltd y la Sasakawa Peace Foundation, cuyo objetivo es ampliar las prácticas fotográficas de las mujeres en los ocho estados del noreste de la India y en las colinas de Darjeeling. Mridu es un ex-alumno de la Universidad de las Artes de Londres y ha trabajado en varias publicaciones, entre ellas India Today y ARTEM. Es miembro del Colectivo Confluencia, una colaboración de fotógrafos e investigadores de Sikkim y Darjeeling Hills.
MUNIRA MUTANER
(SRI LANKA) Es una fotógrafa y practicante cultural de Colombo. Su trabajo se basa en su experiencia en la narración de historias y en el espíritu empresarial social y creativo. Entre 2016 y 2018 trabajó en el libro Voces de Paz para documentar íntimamente las historias de 10 ex cuadros y 10 militares de Sri Lanka que lucharon activamente en el frente. También fundó Tell a Tale, un proyecto fotográfico participativo para reformular las narraciones de las jóvenes marginadas de Sri Lanka. Su cámara tiende a seguir su curiosidad mientras documenta y reflexiona sobre los encuentros culturales y personales, subrayados por el ritmo de vida moderno. Actualmente se centra en proyectos a largo plazo sobre los temas de la amistad y los rituales públicos, y recientemente se ha dedicado a iniciativas de archivo y a la creación de comunidades en torno a las prácticas visuales. Munira trabaja con HistoricalDialogue.lk. Aquí, es co-curadora de un museo de historia itinerante en Sri Lanka y gestiona el Archivo de la Memoria, que utiliza el texto y la narración visual para reflexionar sobre los 70 años transcurridos desde la independencia de Sri Lanka.
MYNA MUKHERJEE
(EUA / INDIA) Es productora cultural, curadora y fundadora y directora de Engendered, una organización de artes transnacionales y derechos humanos con sede en Nueva York y Nueva Delhi que se centra en las intersecciones entre el género y las marginaciones en el sur de Asia. Está interesada en la curaduría de arte como una práctica feminista, una instigación/investigación y reflexión de la estética y el espectáculo visual, como medios hacia la subversión de una cultura hegemónica. Consultora de estrategia de gestión por formación, Myna dejó una exitosa carrera en Wall Street, para producir y comisariar lo mejor del arte contemporáneo del sur de Asia, el cine y los festivales de performance en Nueva York. Ha sido curadora internacional en el Lincoln Center, la Asia Society, el Tribeca Film Center, el Queens Museum y otros. Para el capítulo de la India de Engendered, inició el primer y único espacio de arte alternativo de Delhi que sirvió como una de las primeras galerías y residencias de artistas dedicadas a incubar un espacio para la producción cultural en torno a cuestiones de género, sexualidad y derechos de los marginados durante más de 5 años. Ha sido comisaria de algunas de las exposiciones de artes visuales itinerantes más prolíficas de la India y ha llevado a Delhi el mayor festival de cine de derechos humanos de Asia meridional, I View World, en 2016. En 2019 la revista Life Style Asia la incluyó en la lista de los 5 mejores curadores que revolucionaron la escena artística de la India. En 2020 fue invitada a cofinanciar Hub India, un programa de estudio que representa el arte contemporáneo y el ecosistema de la India para Artissima, una de las ferias de arte más importantes de Italia.



NAIEF YEHYA
(MÉXICO / ESTADOS UNIDOS) Ingeniero, narrador, crítico cultural y pornografógrafo. Ha publicado las novelas Obras sanitarias (Grijalbo, 1992), Camino a casa (Planeta, 1994), La verdad de la vida en Marte (Planeta, 1995) y Las cenizas, y las cosas (Random House, 2017), los libros de cuentos Historias de mujeres malas (Plaza y Janés, 2002) y Rebanadas (Conaculta, 2012), los libros de ensayos: El cuerpo transformado, Cyborgs y nuestra descendencia tecnológica en la realidad y en la ciencia ficción (Paidós, 2001), Guerra y propaganda, medios masivos y el mito bélico en los Estados Unidos (Paidós, 2003), Pornografía. Sexo mediatizado y pánico moral (Plaza y Janés, 2004), Tecnocultura. El espacio íntimo transformado en tiempos de paz y guerra (Tusquets, 2009), Pornografía. Obsesión sexual y tecnológica (Tusquets, 2012), Pornocultura. El espectro de la violencia sexualizada en los medios (Tusquets, 2013) y Drone Visions (Hyperbole Books, 2020). Yehya colabora en el suplemento El Cultural, del periódico La Razón, en las revistas Letras Libres, Literal y Zócalo. Su trabajo se centra en el impacto de la tecnología y el fenómeno pornográfico en los medios y en la cultura. Yehya vive en Brooklyn desde 1992.@nyehya Blog: http://naiefyehya.blogsome.com/
NAYANTARA GURUNG KAKSHAPATI 
(NEPAL, ASIA) NayanTara Gurung Kakshapati vive en Katmandú (Nepal) y trabaja en las intersecciones de la narración visual, la investigación, la pedagogía y la acción colectiva. En 2007, cofundó photo.circle, una plataforma independiente dirigida por artistas que facilita el aprendizaje, la realización de exposiciones, la publicación y una variedad de otros proyectos de colaboración transdisciplinarios para los profesionales visuales nepalíes. En 2011, fue cofundadora de Nepal Picture Library, una iniciativa de archivo digital que trabaja para diversificar la historia social y cultural de Nepal. NayanTara es también cofundadora y directora del Festival de Fotografía de Katmandú, un festival internacional que se celebra en Katmandú cada dos años.
NELSON GARRIDO
(CARACAS, VENEZUELA) Nelson Garrido 1952, Caracas, Venezuela , aun no ha muerto.Cursó estudios de primaria y secundaria en Italia, Francia y Chile y estudios de Fotografía en el taller del artista Carlos Cruz Diez, en París, en los años 1966-67. La ONG (Organización Nelson Garrido) Espacios para la Creación, recoge sus experiencias y metodología propia como docente de fotografía. La ONG, escuela de fotografía, centro cultural alternativo, se ha convertido en punto de referencia obligada en la práctica artística venezolana actual, expandiéndose cada vez más hacia toda Latinoamérica.Garrido ha creado en su trabajo artístico un lenguaje iconográfico mezcla de religión, sexo, humor e imaginería popular. Violenta e irreverente, su obra se basa en una constante experimentación de medios expresivos y un profundo cuestionamiento del sistema de normas y creencias socialmente aceptado. La puesta en escena fotográfica es su punto de partida; la estética de lo feo, el erotismo revisado en términos de sacrificio religioso y la violencia como detonante de reacciones, son algunas constantes en su obra. Es el primer fotógrafo venezolano distinguido con el Premio Nacional de Artes Plásticas
NELSON MORALES
(UNIÓN HIDALGO, OAXACA. MEXICO) Estudió Comunicación. Durante ocho años se ha dedicado a la fotografía y ha cursado programas de fotografía contemporánea en México. Su obra se enfoca a temas de diversidad sexual, género e identidad. Cursó el Seminario de Fotografía Contemporánea en el Centro de las Artes de San Agustín y el Centro de la Imagen (2015), Incubadora de Fotolibros en Hydra + Fotografía (2016), talleres con Antoine D´Agata, Yumi Goto y otros profesores internacionales. Exposiciones individuales y colectivas en países como: España, Colombia, Portugal, Alemania, Malasia, Argentina, Estados Unidos, India, Brasil, Países Bajos y México. Exposición FOAM X HYDRA, 2015, Amsterdam y Países Bajos., Borrador de un cuerpo Intervenido, galería ARTEXARTE, Argentina. Residencia artística en McColl Center for Art + Innovation en Charlotte, Carolina del Norte, 2017. Publicación en el número "Future gender", Aperture. Seleccionado en la revisión de portafolios del New York Times 2017 que publicó un reportaje monográfico sobre su obra. Seleccionado XXVIII Bienal del Centro de la Imagen. Participa en festivales de fotografía en La India, Brasil y EUA .
NICOLÁS POUSTHOMIS
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NIDA MEHBOOB
(PAKISTAN) Es una fotógrafa y cineasta con sede en Lahore, Pakistán. Se graduó como farmacéutica pero dejó el campo para dedicarse a la fotografía en 2012. Su trabajo documental la llevó a varios talleres y becas internacionales a lo largo de los años, incluyendo un taller de cine de un año de duración del Goethe-Institut y el Fondo Príncipe Claus. También recibió una beca de la Fundación Magnum para su programa de justicia social en Nueva York en 2019. Ha sido seleccionada como una de las dos únicas paquistaníes que asistieron al Festival de Cine de Berlinale como Talento en 2020. Sus cortometrajes se han proyectado en festivales de cine internacionales como Locarno Open Doors 2018. Sus temas de interés incluyen la injusticia social, la persecución religiosa y la discriminación de género en Pakistán. Hará una residencia artística de 3 meses en la Academia de Artes en Berlín 2020.
NINFA ALVARADO
(CIUDAD DE MÉXICO, MEXICO, 1978) Realice mis estudios medios superior en el Colegio de Ciencias y Humanidades Azcapotzalco donde me involucré en el trabajo con perspectiva social y de género, colaborando con diferentes colectivos estudiantiles, dentro y fuera de la escuela. Posteriormente ingrese a la carrera de de Ingeniería Civil en la ENEP Acatlán. En el año 2005 comencé a capacitarme en encuadernación artesanal, y aunque esta capacitación ha continuado constante hasta la fecha, durante el 2010 me decidí a realizar este trabajo de encuadernación artesanal para particulares donde ofrezco servicios para la realización de encuadernación en general contemporánea y antigua, albums, fotobooks, cajas de conservación y fotográficas, libros de la sombras, asesorías y clase de encuadernación particulares y grupales, y he participado con mis libros en dos exposiciones en CDMX. A la par de este trabajo desde 2003 colabore en un proyecto de intervención participativa en el altiplano del Estado de San Luis con el colectivo 5ta Brigada ¡ay Carmela! que posteriormente en el año 2011 derivaría en la formación de la A.C. Ofrenda Restableciendo El Equilibrio de la que soy miembro fundador y está dedicada a labor social, participando en diferentes proyectos en la misma zona del altiplano. Mi labor dentro de esta A.C. es administrativa y operativa en los voluntariados y como tallerista en temas de género. https://ofrendablog.wordpress.com/


LA ONG
(CARACAS, VENEZUELA) La ONG (Organización Nelson Garrido) es un espacio cultural autogestionado donde se conjugan diferentes actividades relacionadas con el arte. Su eje fundamental es la fotografía y por esta razón desde el año 2002 están formando fotógrafos a través de sus talleres que funcionan en cuatro ciclos anuales, al mismo tiempo que en sus tres salas de exposición están continuamente exhibiendo el trabajo de los artistas que hacen o han hecho parte del espacio, fungiendo como caja de resonancia para las minorías y dando a conocer distintas propuestas.En la ONG se encuentra una biblioteca pública con una gran variedad de títulos especializados en fotografía, lo que la ha hecho de gran importancia como referencia del área tanto en el país como en Latinoamérica. Cuenta, además, con un estudio de grabación de audio, un taller de serigrafía, un laboratorio fotográfico.Brinda sus espacios para grupos de teatro y danza, ofrece ciclos de cine en su azotea y, a lo largo del año, distintas personalidades del mundo de las artes dan charlas gratuitas para el público en general.Son los artistas los que se apropian del espacio, son las alianzas que se hacen las que conforman el dinamismo y la diversidad de la ONG. Detrás de todo lo que sucede hay un equipo de personas que hacen posible que todo suceda: los pasantes, los asistentes y su directora Gala Garrido.En este espacio para la reflexión de ideas, fundado ya hace más de una década por Nelson Garrido, las puertas están abiertas para todos aquellos que no han encontrado su lugar, y para esos que están buscando encontrarse con nuevos lenguajes. La ONG como proyecto no ha parado desde su fundación; crece y se fortalece con el paso del tiempo

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