ASESORÍAS Y REVISIONES

Conoce las opciones en asesorías a largo plazo en tus proyectos o sesiones con especialistas nacionales e internacionales
Te ofrecemos diferentes tipos de asesorías personalizadas para tus proyectos fotográficos, desde revisiones de proyectos con invitados internacionales en modalidad presencial o virtual, hasta un plan a largo plazo para apoyarte en el desarrollo de tu trabajo con varios especialistas, dependiendo de tus necesidades.

ASESORÍAS PERSONALIZADAS A PROYECTOS A LARGO PLAZO

Te ofrecemos un plan de personalizado de asesorías a tu proyecto, cuya duración se adaptará a las necesidades de cada autor. Los proyectos pueden ser de producción, encontrando su forma final durante el proceso, o pueden ser específicamente para ser desarrollados como exposición, fotolibro, medios digitales, entre otros, 

De acuerdo al plan de trabajo personalizado, te ofrecemos un plan con de trabajo con alguno de los miembros de Hydra, así como incluir sesiones con uno o más tutores nacionales e internacionales. La selección de asesores, la duración y frecuencia de las reuniones se realizará confirme a las necesidades específicas de cada proyecto. 

También se puede considerar la posibilidad de asesoría a largo plazo con algúno de los colaboradores externos a Hydra. A partir de la recepción y preselección del proyecto, se consultaría desde Hydra al asesor solicitado, para ver la disponibilidad de tiempo y los costos.

Las asesorías pueden ser presenciales o virtuales, dependiendo tanto de la ubicación del participante, como de los diferentes profesores invitados.

SESIONES DE ASESORÍAS A PROYECTOS

Manda tu proyecto a enlace@hydra.lat para solicitar asesoría con alguno de los especialistas. que colaboran con Hydra y recibe retroalimentación sobre tu trabajo de algunos de los curadores, teóricos, editores, docentes y artistas más reconocidos a nivel nacional e internacional. 

Las citas con los asesores locales podrán ser presenciales, en el caso de los invitados internacionales, se realizarán en línea.Las asesorías tendrán una duración mínima de 40 minutos, y un costo variable según el asesor. Consúltanos escribiendo a enlace@hydra.lat

CONOCE A ALGUNOS DE LOS ASESORES

También puedes consultar nuestra página de colaboradores y solicitar una asesoría con alguno de ellos. Escríbenos a enlace@hydra.lat y consultaremos la disponibilidad de los diferentes colaboradores.
ANNA FOX
(REINO UNIDO b.1961) Es una de las fotógrafas británicas más aclamadas de los últimos treinta años y es profesora de fotografía en la Universidad de las Artes Creativas. Trabajando en color, Fox primero ganó atención para las estaciones de trabajo: Office Life in London (1988), un estudio sobre la cultura de la oficina en la Gran Bretaña de Thatcher. Es más conocida por Zwarte Piet (1993-8), una serie de retratos realizados durante un período de cinco años que exploran las tradiciones folclóricas de los holandeses de cara negra asociadas a la Navidad. Sus proyectos de colaboración Country Girls (1996-2001) y Pictures of Linda (1983-2015) desafían nuestras opiniones sobre la vida rural en Inglaterra, mientras que sus obras más íntimas My Mother's Armboards and My Father's Words (1999) y Cockroach Diary (1996-1999) exponen las relaciones disfuncionales en el trabajo en el hogar familiar de una manera cruda y a menudo sorprendente. Anna Fox Photographs 1983 - 2007, fue publicada por Photoworks en 2007. Las exposiciones individuales de Fox se han visto en la Photographer's Gallery de Londres y en el Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago, entre otros lugares, y su trabajo se ha incluido en exposiciones colectivas internacionales, entre ellas la del Centro del Universo Creativo: Liverpool and the Avant Garde en la Tate Liverpool y How We Are: Fotografiando a Gran Bretaña en la Tate Britain. Fue preseleccionada para el Premio de Fotografía Deutsche Borse 2010. Fox trabaja actualmente en el proyecto de investigación Fast Forward; women in photography por el que ha sido galardonada con una beca de Leverhulme International Networks. www.fastforward.photography.com
ANSHIKA VARMA
(INDIA) Es una fotógrafa y curadora con un interés en las historias personales, colectivas y míticas. Combinando su curiosidad por estudiar la evolución cultural y social con la narración de historias, su trabajo a menudo se centra en la conexión emocional entre el individuo y su entorno. Con la fotografía y la creación de libros, le interesa explorar la intrincada relación entre la memoria y el objeto como marcadores de la propia identidad. Es la fundadora de Offset Projects, una iniciativa que trabaja para crear canales de compromiso con la fotografía y la creación de libros a través de charlas, talleres, una biblioteca itinerante y residencias.Las obras y las curadurías de Anshika se han mostrado en Goa Photo (2019 y 2017), Photo Kathmandu (2018), la Bienal de Fotografía de Chennai (2016, 2019), el Festival de Fotografía de Angkor (2018), la Noche de Fotografía de Tbilsi (2018), la Bienal de Kochi (2014), la Bienal de Arte Contemporáneo de Nueva York (2013), la Feria de Arte de la India (2012, 2013) y la Bienal de Florencia (2009) y han sido publicadas por diversos medios de comunicación nacionales e internacionales. Anshika cree firmemente en el poder de la educación inclusiva y ha llevado a cabo programas de terapia artística para niños de estratos sociales y económicos difíciles, como mentor de los niños de Anjali House, Camboya (2013-Presente) , Clicking Together (Punjab y Chennai, 2017) y el Festival de Fotografía de Delhi (2013-2015).
BEATRIZ NOVARO
(MÉXICO) Doctora en Historia, maestra en Historia del Arte y licenciada en Sociología por la UNAM. Es profesora-investigadora titular en la Fototeca Nacional del Instituto Nacional de Antropología e Historia. Las colecciones fotográficas del siglo XIX que resguarda la misma institución han sido una de sus principales materias de trabajo desentrañando su valor cultural y aportando estrategias metodológicas para historiar y leer fotografía. Es responsable académica del Seminario: Estudio del Patrimonio Fotográfico de México, que promueven, en colaboración, el INAH y el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM y es miembro del consejo asesor de Alquimia.
BENJAMIN FÜGLISTER
(SUIZA) Benjamin Füglister es un artista y empresario cultural nacido en Suiza en 1978. Ha vivido en Berlín, Alemania, desde que terminó sus estudios en el Colegio de Arte de Basilea en Suiza, y en el Colegio de Arte de Utrecht en los Países Bajos. En su práctica artística cuestiona las convenciones sociales y explora sus transformaciones visuales. Su interés particular es la fotografía como medio para visualizar los cambios en la imagen humana.Füglister es codirector del IAF Basilea - Festival de Arte Contemporáneo. Benjamin Füglister es miembro de la redacción de la revista European Photography desde 2006, y en 2009 estableció Piclet, una plataforma para carteras fotográficas seleccionadas a mano y un directorio para festivales de fotografía, revistas e instituciones. Es el fundador del Premio CAP, el Premio de Fotografía Africana Contemporánea, que se concederá por primera vez en 2012. Füglister es uno de los nominadores del renombrado Prix Pictet, y forma parte del consejo asesor artístico de Photo Basel. Trabaja regularmente como crítico en festivales internacionales de fotografía, como el Mes Europeo de la Fotografía en Viena o el de Uganda.
CALIN KRUSE
(ALEMANIA) Calin Kruse estudió Diseño Gráfico. Es el fundador y creador de la revista de fotografía dienacht y de la editorial dienacht, y él mismo es un fotógrafo. Calin también es comisario de fotografía, da charlas, conferencias, realiza talleres (Viena, Berlín, Lagos, Georgetown, Estambul, Moscú, Ciudad de México, Rangún, Copenhague, Bucarest, Barcelona, ...) sobre diseño de fotolibros y reseñas de portafolios. EDITORIAL dienachtLa Editorial Dienacht es una editorial independiente de libros de fotos. Nuestro objetivo es mostrar fotógrafos cuidadosamente seleccionados a través de una circulación limitada de libros únicos, bellamente producidos y altamente coleccionables.Dienacht y Dienacht Publishing han recibido varios premios por sus publicaciones: Premios al Mejor Libro de Fotos Alemán, Mejor Libro del Año, Lista de Selección en el Premio Paris Photo - Aperture, y una serie de LeadAwards.
DARIA TUMINAS
(PAISES BAJOS, n San Petersburgo / Rusia - con sede en Rotterdam) es una curadora en FOTODOK. A partir de 2017 y hasta 2020, Tuminas ha estado trabajando como directora del Mercado de Libros No Vistos en Unseen Amsterdam. Obtuvo una maestría en Estudios de Cine y Fotografía en la Universidad de Leiden. Daria contribuye regularmente con textos a varios medios de comunicación. En 2017, fue la editora invitada de The Photobook Review #12 publicado por Aperture; o en 2018, contribuyó con un capítulo al libro How We See: Photobooks by Women por 10 x 10 Photobooks.Daria Tuminas (St. Petersburg / Russia - based in Rotterdam / the Netherlands) is a curator at FOTODOK. Starting from 2017 and until 2020, Tuminas has been working as the head of Unseen Book Market at Unseen Amsterdam. She obtained an MA in Film and Photographic Studies at Leiden University. Daria regularly contributes texts to various media. In 2017, she was the guest editor of The Photobook Review #12 published by Aperture; or in 2018, she contributed a chapter to the book How We See: Photobooks by Women by 10 x 10 Photobooks.
GERARDO MONTIEL KLINT
(MÉXICO, 1968). Fotógrafo, docente y articulista especialmente interesado en confrontar la imagen fotográfica como un fenómeno de transición ideológica y sus repercusiones en el imaginario público. Su obra se encuentra en museos de EE.UU, Japón, China, Brasil, España, Dinamarca, Hungría y México. Miembro del Sistema Nacional de Creadores del Arte, Premio de adquisición en la XIII y XI Bienales de Fotografía México, Medalla de Plata Bellas Artes 2008. Co-fundador de plataforma Hydra. Asesor de la revista EXIT (España), asesor de Getty Foundation y San Diego Museum of Photographic Arts MOPA SD 2013-2017 (EEUU), miembro del consejo consultivo de la revista Alquimia (Sistema Nacional de Fototecas, México). Su actividad profesional, siempre en torno a la fotografía y la imagen, oscila entre las exposiciones de su obra, la curaduría, asesorías a museos - editoriales y la producción teórica.
GISELA VOLÁ
(ARGENTINA, Buenos Aires) Fotógrafa, docente, curadora y gestora cultural. Miembro de Cooperativa Sub, Vist project,Women Photograph, Foto Féminas. Nominadora 6x6 Global Talent Program del World Press Photo. Actualmente es codirige el Laboratorio de investigación y creación visual en Sub, plataforma Educativa. Buenos Aires. 2012/2020, es docente del Master de fotografía de Efti (Centro Internacional de fotografía y Cine) Madrid, España, es Activadora de MUFF,programa de estudios y Festival de fotografía del CDF (Centro de fotografía de Montevideo, Uruguay) 2020/2021 y Mentora del Women Photograph Mentorship Program 2021. Primer premio POYLATAM Picture of the year Latinoamérica (2019/ 2011/ 2012) , Primer premio Bienal de Arte de Cuenca, Ecuador 2009, Primer premio No es igual, no da igual organizado por La Defensoría General de la Ciudad a través del Programa de Género de la Secretaría General de Derechos Humanos (2013) entre otros. Ha participado en numerosas exposiciones en países como Ecuador (2019), Buenos Aires, Argentina (2018). J. Paul Getty Museum Los Angeles, EEUU. Centro de Fotografía de Montevideo, Uruguay (2018, 2011). C.C Recoleta Buenos Aires, Argentina (2015), Centro Cultural kirchner Buenos Aires, Argentina (2015), Galería Hydra, DF México (2017), Musée du Quai Branly Paris, Francia (2014),Galería ArtexArte, Buenos Aires, Argentina (2014, 2012, 2011), Centro Cultural Haroldo Conti- Ex Esma Buenos Aires, Argentina (2012), Bienal Argentina de Fotografía de Tucumán, Argentina (2012). Centro Tabacalera, Madrid (2010), Festival de la Luz, Argentina (2010), Museo del Barro Asunción, Paraguay (2010), CCE, Santiago de Chile ( 2009), Palais de Glace,Buenos Aires, Argentina. En los últimos 15 años ha participado de numerosos encuentros de fotografía, festivales, coloquios, conversatorios en Latinoamérica y Europa.
DAVIDE QUADRIO
(ITALIA) De 1998 a 2010 Davide Quadrio fundó y dirigió el BizArt Art Center, el primer taller artístico-creativo sin fines de lucro de Shanghai, donde vivió de 1991 a 2017. En 2007 estableció Arthub Asia, una plataforma para la producción y promoción del arte contemporáneo en y de Asia. Para ello, organizó numerosas exposiciones y proyectos educativos y de intercambio cultural con instituciones de todo el mundo. Sus proyectos más recientes incluyen, entre otros, la exposición individual de Zhang Enli en la Galería Borghese de Roma; Around Ai Weiwei at Camera - Centro Italiano de Fotografía, Turín; la exposición de Zhang Enli y Christopher Doyle en el Museo de la Aurora de Shanghai (comisariada con Shaway Yeh); la exposición Qiu Zhijie en la Fondazione Querini Stampalia con motivo de la Bienal de Venecia de 2013, pero también en el Museo de Vanabbe, Países Bajos 2016; la retrospectiva de Yang Fudong en el Festival de Cine de Toronto de 2013 (comisariada con Noah Cowan) y el proyecto del Pabellón de la Ciudad para la Bienal de Shanghai, 2012. Fue el editor jefe de Caleidoscopio Asia (2016-2018), profesor en general en el Instituto de Artes Visuales de Shangai (2007-2017) y fue el conservador del Museo de la Aurora de Shangai de 2013 a 2016. Actualmente da conferencias en el IUAV, Venecia, sobre estudios de curaduría (otoño de 2020) y es el productor de la 13ª Bienal de Gwangju, Corea, que se inaugurará en febrero de 2021.
JIAXING CHAO
(CHINA) Estuvo involucrada en la práctica curatorial desde 2010. Entre 2011-2015, se desempeñó como curadora y directora gerente en el V ART CENTER, fundado por el Instituto de Artes Visuales de Shanghai, un espacio sin fines de lucro. Produjo más de 50 exposiciones y proyectos con artistas emergentes, la institución se convirtió en uno de los más importantes viveros de la escena artística de Shanghai. Los principales proyectos de exposición se centran en el arte participativo, las prácticas artísticas interdisciplinarias y los debates sobre la teoría y la práctica del arte en los últimos cinco años, entre ellos "Espacio abierto de Goethe 2016: Instituciones en movimiento" (Instituto Goethe), "Comunidad de célibes", en colaboración con el filósofo Lu Xinghua (Bund Three, Galería de Shanghai), "Take Me Out", comisariada conjuntamente con Davide Quadrio (Museo K11), "un todo que abarca todos los sonidos", en colaboración con el filósofo Jiang Yuhui (Museo de Arte de la CAFA). Y en 2017, se unió oficialmente al Museo Start, como conservadora principal, ubicado en el distrito de West Bund en Shanghai. Lanzó y curó un proyecto de investigación en curso titulado "Ser información". Sus intereses actuales de investigación y curaduría son las prácticas artísticas interdisciplinarias y el papel de los rituales en las latitudes históricas y contemporáneas. Recientemente el proyecto curatorial "Rituales en los Rituales del Futuro", que es una creación colectiva, depende de las investigaciones. La primera ronda fue un proyecto dentro de la exposición "Reesculpir" de Thomas Hirschhorn(McaM,2018)and el libro ha sido lanzado, 2019. Ganó el ACC Residency Fellow 2019 del Asia Culture Center, Gwangju, Corea del Sur, del 5 de agosto al 5 de noviembre de 2019. También concedió el subsidio de viaje para asistir a la Conferencia Anual CIMAM 2019, 2019 Sydney, Australia. A finales de este año, ella terminará y lanzará mi libro base sobre la investigación de los años pasados "2010 - 2020": La heterogeneidad de la práctica institucional basada en Shangai"
JUAN PERAZA GUERRERO
(CARACAS, 1987) Vive en Buenos Aires desde 2011. Es miembro de La ONG Buenos Aires , colectivo fotográfico fundado en 2014. Es autor, investigador y docente. Estudió la maestría en Estética y Teoría de las Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Es docente titular de los cursos de ArtesComparadas y Fotografía y Políticas de la Verdad de la Universidad del Salvador. Es docente de . común , proyecto de educación a distancia en fotografía. Lleva adelante el proyecto de investigación Historias marginales de la fotografía , el cual aborda la historia del medio a partir de los aportes de mujeres, de autorxs queer , de orígenes étnicos variados y provenientes de geografías periféricas.
JUAN VALBUENA
KAREN CORDERO
(ESTADOS UNIDOS / MÉXICO) Karen Cordero Reiman es historiadora del arte, curadora y escritora. Nacida en EEUU, vive y trabaja en México desde 1982. Ha sido profesora en el Departamento de Arte de la Universidad Iberoamericana y del Posgrado en Historia del Arte de la Universidad Nacional Autónoma de México, y es miembro fundador de Curare, Espacio Crítico para las Artes. Es autora de múltiples publicaciones sobre el arte de los siglos XX y XXI, sobre todo con respecto a las relaciones entre el llamado arte culto y el llamado arte popular en México; la historiografía y crítica del arte; cuerpo, género e identidad sexual en el arte mexicano, y políticas museísticas y curatoriales. Entre sus publicaciones recientes destacan: Anita Brenner: Luz de la modernidad (con Pablo Ortiz Monasterio), México: MUNAL y Arte&Cultura Grupo Salinas, 2020; “Between the Intimate and the Social: Body, Affect, Trauma and Resistance” en María Elvira Escallón: El estado de las cosas, Bogotá: Flora y Seguros Bolivar, 2018; “A Situated Gaze: Lola Álvarez Bravo” en Lola Álvarez Bravo: Picturing Mexico. New Haven y Londres: Yale University Press, 2018; “Cuerpo, género, afecto: alusiones y enunciaciones de lo in(re)presentado en la escritura de historia del arte” en Diego Salcedo Fidalgo, ed., Horizontes culturales de la historia del arte, Bogotá: Editorial Universidad Tadeo Lozano, 2018. También ha tenido una participación constante en el ámbito museístico, con actividades de curaduría, asesoría e investigación. Entre sus curadurías recientes destacan Anita Brenner. Luz de la Modernidad (Museo Nacional de Arte, Ciudad de México, 2019-2020); We Draw the Line: Works on War, Memory and Affection. Mónica Mayer and Víctor Lerma. (Londres, Chalton Gallery, 2019); Jusqu’a la fin des temps: Carmen Mariscal/Mercedes Gertz (Instituto Cultural de México, Paris, 2018). Actualmente trabaja como investigadora y curadora independiente, así como sobre proyectos creativos personales que entrelazan el arte, la literatura y la historia.
KAREN IRVINE
(ESTADOS UNIDOS) Curadora en Jefe y Directora Adjunta del Museo de Fotografía Contemporánea del Columbia College de Chicago. Ha organizado más de cincuenta exposiciones de fotografía contemporánea en el MoCP y en otras sedes como el Hyde Park Art Center; el Rockford Art Museum; el Festival Internacional de Fotografía de Lishui, China; la Bienal de Fotografía de Daegu, Corea del Sur, y el Festival de Fotografía de Nueva York. Irvine ha contribuido con textos a muchas publicaciones, entre ellas FOAM, Art on Paper y revistas y monografías contemporáneas, entre ellas Paula McCartney: Non-flights of Fancy (Princeton Architectural Press); Barbara Probst: Exposures (Steidl); Redheaded Peckerwood de Christian Patterson (MACK), y Stefan Heyne Speak to Me (Hatje Cantz), entre muchos otros. Tiene una licenciatura en francés y relaciones internacionales de la Universidad de Tufts, Medford, MA, un MFA en fotografía de FAMU, Praga, República Checa, y un MA en historia del arte de la Universidad de Illinois en Chicago.
ERIK KESSELS

LIZ WELLS
(REINO UNIDO) Liz Wells, escritora, conservadora y profesora de prácticas fotográficas, editó The Photography Reader y The Photography Culture Reader (2019; 2003 1a ed.) y Photography: A Critical Introduction (2015, 5ª ed.; nueva ed. 2021) y es coeditora de fotografías de las revistas Routledge. Sus publicaciones sobre el paisaje incluyen Land Matters, Landscape Photography, Culture and Identity (2011) y ha contribuido con muchos ensayos en libros de artista, catálogos de exposiciones, revistas y otras colecciones editadas. Es editora de la serie "Photography, Place, Environment" (Fotografía, lugar, medio ambiente), www.routledge.com/Photography-Place-Environment/book-series/BLPHOPPE. Las exposiciones como curador incluyen: Paisajes de semillas: Future-proofing Nature (Impressions Gallery, Bradford, Yorks, sept. a dic. 2020; tour 2021); Layers of Visibility, Nicosia Municipal Arts Centre, 2018/9 (co-curador, Yiannis Toumazis); Light Touch, Baltimore Washington International Airport (febrero-junio 2014); Futureland Now - John Kippin, Chris Wainwright (Laing Gallery, Newcastle, septiembre de 2012 - enero de 2013); Sense of Place, European Landscape Photography (BOZAR, Bruselas, junio - septiembre de 2012); y Landscapes of Exploration, British art from Antarctica (Plymouth, febrero/marzo de 2012; Cambridge, octubre/noviembre de 2013; Bournemouth, enero/febrero de 2015). Es profesora emérita de cultura fotográfica en la Facultad de Artes, Humanidades y Negocios de la Universidad de Plymouth (Reino Unido) y miembro del grupo de investigación sobre la tierra/agua y las artes visuales. www.landwater-research.co.uk. Es ex miembro electo del Consejo de Administración de la Sociedad para la Educación Fotográfica (2011-18). Se le otorgó un Doctorado Honorario de la Universidad de Gotemburgo, Suecia, en 2017. Es británica y reside en el Reino Unido.
LUCY SOUTTER
(REINO UNIDO) La Dra. Lucy Soutter es una artista, historiadora de arte y crítica. Es directora del curso de fotografía en la Universidad de Westminster. Su trabajo se centra en cuestiones de valor y significado en el arte y la fotografía. Ha escrito críticas para publicaciones como Afterimage, Aperture, Source, Frieze y 1,000 Words y es la autora de Why Art Photography? (Routledge, 2ª ed. 2018). Lucy está investigando actualmente la expansión de la fotografía contemporánea en otras formas y actividades artísticas, incluyendo la instalación, la actuación y la escultura.
LUKAS BIRK
(AUSTRIA) Lukas Birk es un fotógrafo. Un narrador de historias. Un conservador. Y editor. Su trabajo ha sido exhibido en 4 continentes y ha tomado muchas formas diferentes. Sus proyectos multidisciplinarios se han convertido en películas, crónicas y libros. Una gran parte del trabajo de Lukas trata de material de archivo que recoge mientras viaja o mientras profundiza en su propio fondo. Estos archivos no son ambiguos ni son imágenes encontradas. Lukas investiga sus imágenes a través de investigaciones y exploraciones muy a menudo en áreas que han sido afectadas por el conflicto y que no han tenido aún la oportunidad de presentar el material existente en una forma artística. Sus narraciones abordan la historia registrada creando historias y elementos ficticios alternativos, junto con hechos comúnmente aceptados. Lukas fundó programas de exposiciones de artistas en China con el Programa de Artes Austro Sino, un programa de artistas en residencia en Indonesia (SewonArtSpace), co-fundó el Afghan Box Camera Project y más recientemente el Myanmar Photo Archive, un esfuerzo para reinterpretar y contar la historia de Myanmar a través de fotografías recopiladas durante las últimas 6 décadas. La colección ahora contiene 20.000 imágenes. Fraglich Publishing, su propia editorial publica proyectos de Lukas y trabajos seleccionados centrados principalmente en la historia de la fotografía.
MRIDU RAI
(DARJEELING, INDIA, CONFLUENCE COLLECTIVE) Es escritora, curadora e investigadora independiente que reside en Sikkim, India. Es la conservadora de Through Her Lens, un programa de investigación visual en colaboración con Zubaan Publishers Pvt Ltd y la Sasakawa Peace Foundation, cuyo objetivo es ampliar las prácticas fotográficas de las mujeres en los ocho estados del noreste de la India y en las colinas de Darjeeling. Mridu es un ex-alumno de la Universidad de las Artes de Londres y ha trabajado en varias publicaciones, entre ellas India Today y ARTEM. Es miembro del Colectivo Confluencia, una colaboración de fotógrafos e investigadores de Sikkim y Darjeeling Hills.
NAYANTARA GURUNG
(NEPAL, ASIA) NayanTara Gurung Kakshapati vive en Katmandú (Nepal) y trabaja en las intersecciones de la narración visual, la investigación, la pedagogía y la acción colectiva. En 2007, cofundó photo.circle, una plataforma independiente dirigida por artistas que facilita el aprendizaje, la realización de exposiciones, la publicación y una variedad de otros proyectos de colaboración transdisciplinarios para los profesionales visuales nepalíes. En 2011, fue cofundadora de Nepal Picture Library, una iniciativa de archivo digital que trabaja para diversificar la historia social y cultural de Nepal. NayanTara es también cofundadora y directora del Festival de Fotografía de Katmandú, un festival internacional que se celebra en Katmandú cada dos años.
NAIEF YEHYA
(MÉXICO / ESTADOS UNIDOS) Ingeniero, narrador, crítico cultural y pornografógrafo. Ha publicado las novelas Obras sanitarias (Grijalbo, 1992), Camino a casa (Planeta, 1994), La verdad de la vida en Marte (Planeta, 1995) y Las cenizas, y las cosas (Random House, 2017), los libros de cuentos Historias de mujeres malas (Plaza y Janés, 2002) y Rebanadas (Conaculta, 2012), los libros de ensayos: El cuerpo transformado, Cyborgs y nuestra descendencia tecnológica en la realidad y en la ciencia ficción (Paidós, 2001), Guerra y propaganda, medios masivos y el mito bélico en los Estados Unidos (Paidós, 2003), Pornografía. Sexo mediatizado y pánico moral (Plaza y Janés, 2004), Tecnocultura. El espacio íntimo transformado en tiempos de paz y guerra (Tusquets, 2009), Pornografía. Obsesión sexual y tecnológica (Tusquets, 2012), Pornocultura. El espectro de la violencia sexualizada en los medios (Tusquets, 2013) y Drone Visions (Hyperbole Books, 2020). Yehya colabora en el suplemento El Cultural, del periódico La Razón, en las revistas Letras Libres, Literal y Zócalo. Su trabajo se centra en el impacto de la tecnología y el fenómeno pornográfico en los medios y en la cultura. Yehya vive en Brooklyn desde 1992.@nyehya Blog: http://naiefyehya.blogsome.com/
NELSON GARRIDO
(CARACAS, VENEZUELA) Nelson Garrido 1952, Caracas, Venezuela , aun no ha muerto.Cursó estudios de primaria y secundaria en Italia, Francia y Chile y estudios de Fotografía en el taller del artista Carlos Cruz Diez, en París, en los años 1966-67. La ONG (Organización Nelson Garrido) Espacios para la Creación, recoge sus experiencias y metodología propia como docente de fotografía. La ONG, escuela de fotografía, centro cultural alternativo, se ha convertido en punto de referencia obligada en la práctica artística venezolana actual, expandiéndose cada vez más hacia toda Latinoamérica.Garrido ha creado en su trabajo artístico un lenguaje iconográfico mezcla de religión, sexo, humor e imaginería popular. Violenta e irreverente, su obra se basa en una constante experimentación de medios expresivos y un profundo cuestionamiento del sistema de normas y creencias socialmente aceptado. La puesta en escena fotográfica es su punto de partida; la estética de lo feo, el erotismo revisado en términos de sacrificio religioso y la violencia como detonante de reacciones, son algunas constantes en su obra. Es el primer fotógrafo venezolano distinguido con el Premio Nacional de Artes Plásticas
PEDRO VICENTE
(ESPAÑA) Es licenciado (BA Hons) en Fotografía por The Surrey Institute of Art & Design (Farnham, Reino Unido) y Máster en Teoría del Arte por Goldsmiths Collge, Londres. Actualmente es director y profesor del Máster de Fotografía y Diseño en ELISAVA-Universitat Pompeu Fabra, Barcelona; director externo y profesor del Master en Fotografía, Arte y Técnica de la Universidad Politécnica de Valencia, director y profesor del Máster online en Fotografía y Diseño de Shifta, y profesor visitante de Historia y Teoría de la Fotografía en la University for the Creative Arts (Farnham, Reino Unido). Ha sido editor del journal académico de teoría de fotografía ‘Philosophy of Photography’ (Intellect Books, Londres); ha editado los libros “Instantáneas de la teoría de la fotografía” (Arola, 2009), “Álbum de familia” (La Oficina, 2013) y “Álbum de familia y prácticas artísticas” (2018). Ha comisariado múltiples exposiciones, ha dirigido numerosos congresos y seminarios de fotografía, y ha publicado artículos en numerosos medios especializados. Actualmente es director de ViSiONA, Programa de la Imagen de Huesca, proyecto cultural organizado por la Diputación Provincial de Huesca con el objetivo de fomentar, apoyar y difundir la creación artística y el pensamiento contemporáneos en torno a la Imagen.
RAHAAB ALLANA
(INDIA) Es conservadora de la Fundación Alkazi para las Artes de Nueva Delhi; miembro de la Real Sociedad Asiática (Londres) e investigadora asociada honoraria del University College de Londres. Ha comisariado, contribuido y editado varias publicaciones y exposiciones sobre la fotografía de Asia meridional y sus historias transnacionales, colaborando con museos, universidades, festivales y otras instituciones artísticas como la Galería Brunei (Londres), Rencontres d'Arles (Espace Van Gogh), el Museo Folkwang (Essen), el Museo de la Fotografía (Berlín) y el Museo Rubin (NY), entre otros; y forma parte del Comité Asesor/Jurado de diversos foros culturales, entre ellos la Fundación India-Europa para el Nuevo Diálogo (FIND, Roma); el Premio Prix Pictet (Londres/Suiza/París); el Premio Gabriele Basilico de Fotografía de Arquitectura y Paisaje, etc. También es el Editor Fundador/Gerente de PIX, una iniciativa de fotografía temática - una plataforma expositiva y en línea para los profesionales del sur de Asia en su décimo año; y actualmente es Editor Invitado de un volumen para la revista Aperture.
RODRIGO ALONSO
(BUENOS AIRES, ARGENTINA) Licenciado en artes especializado en arte contemporáneo y nuevos medios. Investigador y teórico en el campo del arte tecnológico, es un referente de la historia y el presente de esta producción en América Latina. Ha publicado numerosos ensayos y libros sobre el tema. Entre sus publicaciones se destacan: No sabe/No contesta. Prácticas fotográficas contemporáneas desde América Latina, 2008; Calibrando/ Diseñando contextos. Prácticas curatoriales para las artes tecnológicas, 2009; Elogio de la Low-Tech. Historia y estética de las artes tecnológicas en América Latina, 2015. Participó en la selección de los jóvenes fotógrafos más prometedores de la escena internacional para el libro Vitamin PH (Phaidon). Es profesor universitario de grado y postgrado, y asesor de fundaciones artísticas internacionales.
RUSELL LORD
(ESTADOS UNIDOS) Es el Curador de Fotografías de la Familia Freeman en el Museo de Arte de Nueva Orleans (NOMA). Su área de especialización más profunda es el origen de la fotografía, pero Lord ha escrito y dado conferencias sobre casi todos los momentos de la historia de la fotografía. Sus publicaciones incluyen: Looking Again: Fotografía en el Museo de Arte de Nueva Orleans (2018), Gordon Parks: The Making of an Argument (2013), Edward Burtynsky: Water (2013), "La Traición de las Imágenes": Foto-Unrealismo" en Fotorrealismo: Beginnings to Today (2014). Las recientes exposiciones de Lord incluyen: Fotografía, Secuencia y Tiempo (2012-13); Diez Años Que Faltan (2015); y Algo en el Camino: Una breve historia de la fotografía y la obstrucción (2016-2017). Gran parte de su investigación se centra en las relaciones entre la fotografía y otros medios visuales.
SHI HANTAO
(SHANGHAI, CHINA) Curador y escritor. Fue el Coordinador Jefe de la 12ª Bienal de Shanghai, y solía trabajar en EPSON Image Space, Rockbund Art Museum, Chronus Art Center, Ray Art Center y Shanghai Project. Ha curado y organizado exposiciones y programas públicos en varias organizaciones de arte durante las últimas dos décadas. Su trabajo de escritura y traducción cubre los campos de la fotografía, el arte contemporáneo y los estudios institucionales.
SUSAN BRIGHT
(REINO UNIDO) La Dra. Susan Bright es una curadora y escritora australiana/británica que actualmente reside en Londres. Se especializa en artes basadas en lentes y en cultura visual contemporánea, con énfasis en la programación interdisciplinaria e internacional. Fue curadora en la Galería Nacional de Retratos de Londres antes de decidir trabajar de forma independiente a principios de la década de 2000. Su vida profesional la ha llevado a vivir en Londres, Nueva York y París, donde ha trabajado con muchas instituciones en una amplia gama de proyectos. Entre ellos cabe mencionar los siguientes: Tate, Barbican, la Real Academia, el Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago, el Museo de Arte de San Luis, el Museo de Arte de Phoenix y la Biblioteca Pública de Nueva York.Bright es invitada regularmente a ser oradora, crítica y académica en universidades de todo el mundo. Durante quince años enseñó práctica curatorial y cultura visual tanto a estudiantes de arte como de historia del arte en instituciones como Parsons y la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y el Instituto Sotheby's y la Universidad de las Artes de Londres. Escribe frecuentemente para los medios de comunicación internacionales, publicaciones de museos y monografías de artistas.
YINING HE
(CHINA) Escritora y curadora de arte fotográfico y cultura visual. Graduada en el London College of Communication, Universidad de las Artes de Londres. Su trabajo se centra principalmente en la forma en que la fotografía puede traspasar libremente los límites de las bellas artes, respondiendo y planteando preguntas sobre cuestiones sociales contemporáneas e históricas a través de medios eficaces, diversos e interdisciplinarios. Su investigación académica actual se centra en la historia del arte, los estudios culturales y otros marcos interdisciplinarios. Sus últimas investigaciones tratan de examinar la construcción, la aplicación y el desarrollo de algoritmos de imagen en la creación de fotografías en la intersección de la fotografía, la ecología de los medios de comunicación y la filosofía técnica en China. Sus publicaciones incluyen "Photography in the British Classroom" y "The Port and the Image", entre otras. Sus traducciones incluyen "Fotografía y viaje", "Perspectivas en el lugar": Theory and Practice in Landscape Photography" (de próxima aparición), "Art and Photography" (de próxima aparición) y "Artists Who Make Books" (de próxima aparición). A principios de 2014, He Yining puso en marcha el Proyecto Go East, que tiene por objeto promover la fotografía china contemporánea en Occidente a través de blogs, exposiciones y publicaciones, trata de apoyar a los jóvenes fotógrafos mediante el establecimiento de una plataforma internacional que explora las infinitas posibilidades de la fotografía.
SUB COOPERATIVA

YVON LANGUÉ
(CAMEROON / MARRUECOS) Curador independiente y diseñador gráfico con sede en Marrakech. Actualmente es cofundador (con Soukaina Aboulaoula) de Untitled, un dúo multidisciplinario de diseño editorial, dirección de arte y curaduría lanzado en 2017. También es asistente pedagógico en la Escuela de Artes Visuales de Marrakech. Langué ha trabajado como asistente de exposiciones en el (antiguo) Museo de Fotografía y Artes Visuales de Marrakech, y como asistente de curaduría/edición en la Galería y Ediciones Kulte, Rabat. Apasionado por la conexión de ideas y temas en la encrucijada del arte, la teoría y las ciencias sociales, Langué también explora formas de transmitir conocimientos utilizando la visualización infográfica como herramienta para explorar la historia de la fotografía en África. Sus proyectos recientes incluyen temas de la fotografía social ("DABAPHOTO 5: Burnout", 2019, LE 18); la representación de la migración ("Migraciones, narrativas, movimientos", Universidad de Keele, 2019); y las ideografías del conocimiento ("Rêves de Colonies", Dar Bellarj, 2019).